摇滚与交响的碰撞，更崔健，更荡气回肠

虽然摇滚乐进入亚洲是很早的事情，但是摇滚文化的发展在亚洲始终与欧美有时差，西方音乐的沟壑早已经被各路大师们用自己的技术填平，不同风格甚至不同类别的音乐融合创作的先例比比皆是。这些跨越界限的合作不仅给大家提供了新鲜的作品，更打开了有着创作冲动的年轻人宽广的视野和思路。

激流金属原本在大众的心里与交响乐团本无关系，但是Metallica用不止一次的合作，让大家感受到了其中的妙趣。类似的合作还有Scorpions、Meat Loaf、KISS等，当然也少不了酷爱古典音乐的摇滚吉他大师Yngwie J Malmsteen。说到亚洲，Yngwie还与日本爱乐交响乐团合作过，红极一时的视觉摇滚乐队X japan也很积极的将交响乐元素纳入到自己的摇滚乐创作之中，让大家记忆犹新的是队长YOSHIKI与交响乐团合作的那首钢琴版《海阔天空》。而另一位吉他大师Eric Patrick Clapton和男高音帕瓦罗蒂合作的那首《Holy Mother》更像是为这类音乐的尝试唱起了圣歌。

客观的来说想法和创意永远不是稀缺资源，早期二手玫瑰乐队的主唱梁龙接受采访的时候也提到过“中国不缺乏有思想的人，缺少的是认真做事的。”交响乐与摇滚乐的合作，在噱头上具备了十足的新鲜感，很容易引发起大家的好奇心，博取眼球显得那么轻而易举。但是摇滚乐和交响乐无论是从时间线以及横向的影响力来说，无疑都是两个庞大的身躯，将这两种已经发展的比较完整成熟的音乐文化结合在一起，并非易事。这不像写一首歌，倘若没人喜欢就随他去了，这种跨度较大的尝试，往往都是非1即0的项目，搞好了掌声鲜花，搞不好便是疾风辱骂。或许正是因为这一点，反倒激发了这些崇尚“It's better to burn out than to fade away”信念的摇滚乐手们的热情。

这一点在崔健身上体现的淋漓尽致。

1989年吼出那句“一无所有”的时候，带着那个时代特有的一种情绪，让大江南北的中国人听到了一种从未有过的声音，并且也借此了解到了一种从未有过的生活方式。而如今崔健将摇滚乐与交响乐结合，又一次带我们感受到了新的音乐形式，新的试听盛宴。

在这种新模式下崔健依然倔强的选择了15首歌曲，这无疑是一个巨大的挑战。众所周知原本摇滚乐队四五个人的规模，在创作和编配的时候一首歌就需要若干天的磨合，更何况这次是接近百人的合作。可见老崔还是当年那个不服输有胆识的老崔。而且在这次歌曲的选择方面，更是显示了老崔特有的“固执”和“坚持”。第一首就是带着“去你妈的”《宽容》，在时下的大环境内，依然如此的不羁任性，一点不输给年轻时期的自己。

就像崔健说的，北京交响乐团这80多人不是来为我伴奏的，他们同样是这次表演和创作的主角，老崔并没有说错，这一点在每一首歌里面都有明显的体现。《假行僧》前奏对情绪的铺垫，《红旗下的蛋》利用交响乐团的特点营造出犹如电影配乐一样的氛围乐，让歌曲画面感十足。

在经典歌曲《一无所有》中，体现了音乐的再创作，交响乐的路线选择并没有完全服从歌曲原有的那股糙劲儿，而是选用了管弦乐递进的方式营造了很强的仪式感，让一首经典的歌曲在步入主旋律之前充满了神圣感。在崔健开始吼出“一无所有”的时候交响乐悄悄的地藏起来，让人满足的沉浸在经典旋律中，然后再通过诸如大提琴等低音乐器逐渐的进入，在高潮部分合理的将主角让给吉他FUNK扫弦，在不失去原曲灵魂的前提下，增加了十足的新鲜元素。原曲在结尾处是沧桑茫然的减弱，而此次则是由交响乐烘托出辉煌灿烂的画面。
    
《新长征路上的摇滚》原本带给听众的感觉是那个时代特有的楞劲儿，原曲前奏的律动配合刘元吹的唢呐藏着北方年轻人的风趣和幽默，有一种挣脱了束缚之后的轻松和愉悦。本次与交响乐合作一改原曲的调调，先用军鼓有规律的敲击强调严肃认真的空气，小号带着长短音跳出来追加强调这一点，然后突然由爵士鼓改变律动的敲击，将画风突然转变，铜管乐配合着“一二 三 四”唤醒大家记忆中的《新长征路上的摇滚》，巧妙的利用了原曲与新创作之间的冷热对比，起到了动静结合的效果，让歌曲画面感十足，像老道娴熟的动画脚本，转折起伏做的恰到好处。
       
从当年的《一无所有》，到后来的《谁是崔健》，再到现在的《摇滚交响音乐会》，经过了时间的沉淀，崔健这杯辛辣的酒已经开始变得醇香，也让众多歌迷如痴如醉！