《St. Vincent》的疏離與自我救贖
加了糖精的女聲如嬌花佔滿整個溫室，但化身為St. Vincent的Annie Clark偏要像峭壁上的野花，迎風飄擺。她在新迷幻音樂中進一步探索的《Actor》，已經開始收起以往的優雅、甜美或浪漫（《Marry Me》時期），爽直痛快地於荒蕪內起舞；這不由得令我再想起那些唱醒「女性主義」的女歌手，或大衛·連治（David Lynch）電影裡頭的超現實畫面。霸氣不斷外漏的St. Vincent，今回更登上王座，且用其手上如權杖一樣重要的結他撬開頑石似的固化編排規則，放出了適合Live演奏的音樂自由。
不走尋常路的St. Vincent，於其同名專輯中發揮了一貫的想象力，從而不令歌這麼容易地，就被你猜中接下來的發展方向。一步一步規律行進的《Huey Newton》，好比T型台上的貓步冷艷亦高傲，殊不知一陣synth的風暴刮過後，St. Vincent卻撕開了戒防的面具，露出其如女巫般的本貌，既狂又野。《Psychopath》輕鬆地哼著拍子到來，像帶給人想象在公路上駕車的畫面，可Quirky感強烈的主歌部分，又將此畫面切換至《Lost Highway》般的精神病態影像中；這首的副歌一段，卻忽地收拾了混亂，頹廢與壓抑被一併擦去，使我們能重新抬起頭來，搭乘著一往無前的列車前進。剛強乾脆的《Regret》，前面如早晨的陽光在照射，但chours則如夜晚的溫柔月光，安撫你心；歌曲長段的間奏，好比日/月食那樣的漸變黑暗，透露出心情的變幻莫測，而力道點到即止的電結他solo，又為這首，抹上了一道亮色。
作為於新世紀內誕生的其中之一位最有才華的女結他手，St. Vincent愈懂得怎麼不賣弄地運用這把「利器」，去增添她作品的光彩，質地硬朗的《Birth in Reverse》，就是因為其神采飛揚的演奏，使之更透著一股非凡自信，是歌的焦點所在；而《Huey Newton》中後段交雜風與雨的結他riff，或《Rattlesnake》簡潔但教人有印象的幾下結他落款，又俱畫龍點睛之作用。專輯《St. Vincent》的編曲，延續著上張勇敢剪裁的做法，除了電結他、貝斯，也大膽地加上合成器，增強了歌曲中的燥裂感與草書式的效果；這效果，或專輯內意氣風發的創作，match到St. Vincent一頭銀白髮的酷爆形象，令本來特立獨行的她，更顯得灑脫豪邁和入型入格。
仿似裝上一層機械外殼的《St. Vincent》，雖然有點冰冷，但實質這反映了我們現代的生活狀況，反映了人類本帶的情感正不斷地流失。《Huey Newton》開始時踏著的孤獨台步，暗喻著互聯網、社交媒體對大家相互之間的關係影響；《Bring Me Your Loves》叫口號式的演繹，與打電子遊戲般的感覺，又令渴求之愛也變得虛擬不真實；3C產品正控制我們思想，監視鏡頭正包圍我們生活，《Digital Witness》起棱起角的電子funk，加入用合成器帶來的銅管樂，既諷刺著文明、科技的發展，也奏出了我們這班只能目擊而不能反抗的人群，每日大抵如是，都要按規按矩、跟著過活的循環。
Annie Clark曾經說過，希望做一張可以在葬禮派對上播放的唱片，而她的Chamber Pop《Prince Johnny》，正是能使人聞到一點冷戰般的死亡氣味（裡面還提到Berlin Wall）；歌曲開放式的內容，有人認為是歌者不能自拔地愛上了一名gay，但說真的就連主角是男還是女，我也不可以一口咬定（優秀的藝術作品往往帶給人聯想性）；此歌跟優雅的《I Prefer Your Love》成為專輯的兩個緩衝驛站，它們讓聽眾稍停下來去思考，或感受後者如母親般給予你的真正的愛（對比充滿數碼感的《Bring Me Your Loves》），治療著內心的傷口。受到Miles Davis自傳啟發的St. Vincent，明白到"the hardest thing for a musician to do is sound like yourself"，她獻給自己的《Severed Crossed Fingers》，不僅說明唱片"self-title"的用意，更重要是在逐漸覺醒的音樂中，去重新發現自我，和本身存在的意義或價值。
表面喧嘩的《St. Vincent》，卻有著對時代反思的企圖，其電動色彩濃重的編曲，猶如Lorrie Moore短篇小說內荒誕的敘述風度，叩擊出繁華背面人愈感到的虛無。在快被掏空的內心廢墟中，St. Vincent懂得以《Severed Crossed Fingers》來進行重建，她於專輯《Strange Mercy》之後，非但沒有跌下故弄玄虛的實驗音樂深淵，而是利用這些疏離冷調，鋪墊起到達「救贖」目的地之通道。
首選：Huey Newton
不走尋常路的St. Vincent，於其同名專輯中發揮了一貫的想象力，從而不令歌這麼容易地，就被你猜中接下來的發展方向。一步一步規律行進的《Huey Newton》，好比T型台上的貓步冷艷亦高傲，殊不知一陣synth的風暴刮過後，St. Vincent卻撕開了戒防的面具，露出其如女巫般的本貌，既狂又野。《Psychopath》輕鬆地哼著拍子到來，像帶給人想象在公路上駕車的畫面，可Quirky感強烈的主歌部分，又將此畫面切換至《Lost Highway》般的精神病態影像中；這首的副歌一段，卻忽地收拾了混亂，頹廢與壓抑被一併擦去，使我們能重新抬起頭來，搭乘著一往無前的列車前進。剛強乾脆的《Regret》，前面如早晨的陽光在照射，但chours則如夜晚的溫柔月光，安撫你心；歌曲長段的間奏，好比日/月食那樣的漸變黑暗，透露出心情的變幻莫測，而力道點到即止的電結他solo，又為這首，抹上了一道亮色。
作為於新世紀內誕生的其中之一位最有才華的女結他手，St. Vincent愈懂得怎麼不賣弄地運用這把「利器」，去增添她作品的光彩，質地硬朗的《Birth in Reverse》，就是因為其神采飛揚的演奏，使之更透著一股非凡自信，是歌的焦點所在；而《Huey Newton》中後段交雜風與雨的結他riff，或《Rattlesnake》簡潔但教人有印象的幾下結他落款，又俱畫龍點睛之作用。專輯《St. Vincent》的編曲，延續著上張勇敢剪裁的做法，除了電結他、貝斯，也大膽地加上合成器，增強了歌曲中的燥裂感與草書式的效果；這效果，或專輯內意氣風發的創作，match到St. Vincent一頭銀白髮的酷爆形象，令本來特立獨行的她，更顯得灑脫豪邁和入型入格。
仿似裝上一層機械外殼的《St. Vincent》，雖然有點冰冷，但實質這反映了我們現代的生活狀況，反映了人類本帶的情感正不斷地流失。《Huey Newton》開始時踏著的孤獨台步，暗喻著互聯網、社交媒體對大家相互之間的關係影響；《Bring Me Your Loves》叫口號式的演繹，與打電子遊戲般的感覺，又令渴求之愛也變得虛擬不真實；3C產品正控制我們思想，監視鏡頭正包圍我們生活，《Digital Witness》起棱起角的電子funk，加入用合成器帶來的銅管樂，既諷刺著文明、科技的發展，也奏出了我們這班只能目擊而不能反抗的人群，每日大抵如是，都要按規按矩、跟著過活的循環。
Annie Clark曾經說過，希望做一張可以在葬禮派對上播放的唱片，而她的Chamber Pop《Prince Johnny》，正是能使人聞到一點冷戰般的死亡氣味（裡面還提到Berlin Wall）；歌曲開放式的內容，有人認為是歌者不能自拔地愛上了一名gay，但說真的就連主角是男還是女，我也不可以一口咬定（優秀的藝術作品往往帶給人聯想性）；此歌跟優雅的《I Prefer Your Love》成為專輯的兩個緩衝驛站，它們讓聽眾稍停下來去思考，或感受後者如母親般給予你的真正的愛（對比充滿數碼感的《Bring Me Your Loves》），治療著內心的傷口。受到Miles Davis自傳啟發的St. Vincent，明白到"the hardest thing for a musician to do is sound like yourself"，她獻給自己的《Severed Crossed Fingers》，不僅說明唱片"self-title"的用意，更重要是在逐漸覺醒的音樂中，去重新發現自我，和本身存在的意義或價值。
表面喧嘩的《St. Vincent》，卻有著對時代反思的企圖，其電動色彩濃重的編曲，猶如Lorrie Moore短篇小說內荒誕的敘述風度，叩擊出繁華背面人愈感到的虛無。在快被掏空的內心廢墟中，St. Vincent懂得以《Severed Crossed Fingers》來進行重建，她於專輯《Strange Mercy》之後，非但沒有跌下故弄玄虛的實驗音樂深淵，而是利用這些疏離冷調，鋪墊起到達「救贖」目的地之通道。
首選：Huey Newton
