为什么要认真地评论原声大碟？
“Three chords. A skeletal melody. And an uneasy sense of pathos and dread.”
对于这张soundtrack的反应永远有两派，第一派举着小旗簇拥着呻吟着“世界末日”，“好绝望”，“牛逼的经典”，感官上得到了强烈的满足可又不知从何说起；另一派就是以我mentor为首的学贯上下两千年西方古典音乐史的音乐系研究生。由于去年的期末论文选了分析这张soundtrack，原因可想而知：当我第一次看完这部电影时候就毅然决然的扛起小旗加入第一派阵营。于是我屁颠地抱着“怎么样感动不？”的心情给mentor听了Lux Aeterna，没想到他听完的反应是: “There’s not much to talk about. This guy must have been in pop band or something. I can see his influence from the pop culture.” 他的意思是，此曲和弦简单透顶（给有音乐理论背景的童鞋：I-vi-V），配器简单透顶，发展部分简单生硬，实在是不知道有什么好分析。
不得不说他说对了一半。Clint Mansell是前英国流行乐队Pop Will Eat Itself的主唱+吉他手。可是！我单曲循环到泪流满面绝望丛生的曲子岂能被你一句“pop song”就劈头盖脸的否决？！
如果只是一首简单的歌（写一首简单的歌~~让你的心情快乐~~爱情就像一条河~~难免会碰到波折~~wo~~），到底为什么会有那么多人被打动？
出于本人勤奋好学的品性，我开始搜罗各种资料，其实更大的原因是为了写好我的期末论文。
在一篇采访Clint Mansell的文章中他说：
“I read a script a year before I actually started working on it, and I went to the shoot and you just immerse yourself in it. I obviously read the book, and just spent a lot of time thinking about it. That doesn’t seem to be the norm in modern movie making, composers come in at the end of the project and whack it out in a month.”(http://sabotagetimes.com/music/clint-mansell-aronofsky-reznor-and-me-part-two/#_)
Bingo!就看在他那么勤勤恳恳的份上，这张碟就值得分析，不管你觉得他是毫无内涵的pop singer还是神一样的末日推手。我现在就从当时写的10页论文里翻译出主要观点。
1. 这张碟破碎的排列以及像mentor所说的“简单生硬的发展部”其实是与电影画面和内容最好的结合。导演Aronofsky 为了表现吸毒者充满幻觉的内心世界，在画面处理上用了大量的 “hip-hop montage”,将一系列简单，破碎，极短的的分镜镜头配上声音效果快速组合起来，来传递一个信息，比如电影里吸毒的场景是由开盖，点火，气泡，针筒，瞳孔放大这一串不到一秒钟的hip-hop montage来传达，从而达到逻辑上连贯与信息的传递，观影者一下就得知角色从清醒到high的变化。正因为这个贯穿电影的重要思路，导致此片的BGM也成为一张“hip-hop montage”的合集。音乐处理跟画面相似，重复运用大量的相同动机（motif）和主题（theme）并且经过不断变奏来实现从春天到冬天的发展。在与音效师Brian Emrich的采访中证明了这一观点：
“Darren wanted to get a musical feel with those sequences. It was my idea to morph that stuff, to make it crazier as the movie goes on, and as the characters are getting more messed up. The result is a schizophrenic album presentation that mixes all of the short cues together to form several difficult moments of discord in transition.”
(http://livedesignonline.com/mag/film-0)
于是我的mentor的观点不攻自破。与很多西方的BGM不一样，西方古典时期音乐里崇尚的结构上的发展本来就不是Requiem for a Dream的构思。它有它独特的发展方式，恰恰是根据电影主题的需要来构思的。
2. 很多懂一些音乐的人很喜欢说Requiem for a Dream是 “neo-classical blend of electronics and chamber music” (“电音与室内乐的新古典主义融合”)，因为主题曲Lux Aeterna里请到了著名的Kronos Quartet 来演奏弦乐部分。而这恰恰是很多古典出生的学院派人士攻击的点：的确从曲子来看弦乐部分写的一点都不出彩而且沾满了pop culture的味道。为什么？对位法的缺乏，管线乐色彩的不闻不问都是致命伤。但如果说Clint本来就没想要达到“电音和室内乐的新古典主义融合”呢？…… 没错我觉得这些都是一些狂热分子喜欢贴上的标签。从一开始就不存在新古典主义。弦乐与电音的结合早就是pop song里管用的手法了。Clint自己都说了：
“Given the film, which is very emotional, and the parts are very emotional, and you just knew that if somebody played them good, you’d pull it out a bit more…. They really brought an extra dimension to my music… it’s the presentation of it, and what they added to it took it to a whole other level. Made it real, I suppose.”
(http://sabotagetimes.com/music/clint-mansell-aronofsky-reznor-and-me-part-two/)
Kronos Quartet 的出现让很多人以为他们在走古典的道路。其实并没有。单纯是导演本身对Kronos Quartet的崇拜坚持要让他们来演弦乐部分罢了。就这么简单。而音效设计中有很多很有趣的细节。记不记得Sara每次弹开药瓶盖那个可爱的声音？是音效师Brian Emrich录了真实的音效后并处理的。至于瞳孔放大的音效而是他亲自跑到他父母在纽约州的家边上的湖，用水下麦克风录下带引擎的玩具火箭在水下冒泡泡的声音，然后进行处理。
3. 关于著名的Lux Aeterna的分析。单纯乐理上来说真是几句话就可以说清。一开始的合成器奠定了节奏和气氛，然后弦乐发出是一阵不和谐的trill，不同的声部开始逐渐加进来，和弦的走向G-Eb-D反复不变，一直到了高潮然后像退潮的海水一样回到一开始的平静。但是就是这样一个主题经过了层层变化从而贯穿整部影片从春天到冬天的发展。举个例子，夏天的“Summer Overture”是第一个变奏。与冬天的绝望对比起来，夏天的theme更具有暴力感和威胁性，因为此时的节奏更加具有爆发力。秋天的“The Cleaning Apartment”是另一个变奏，此时的故事已经发展到了覆水难收的境地。一声重重的关门声之后音乐响起来了，暴力的鼓点消失了，剩下的是弦乐透露出的悲凉。
所以总的来说Requiem for a Dream是一张精心之作。很多地方出彩的让人眼睛一亮。不过到头来为什么要长篇大论分析soundtrack呢？作曲家辛辛苦苦写了这么个东西，大多数人听听过瘾就算了，总有一些钻牛角尖的人想知道为什么会达成这样的效果。而且作曲，在我看来，是一秒钟脑子内闪过无数想法的一个创作过程，而探索音乐背后这张思维的网络总是能够发现惊奇的东西。
对于这张soundtrack的反应永远有两派，第一派举着小旗簇拥着呻吟着“世界末日”，“好绝望”，“牛逼的经典”，感官上得到了强烈的满足可又不知从何说起；另一派就是以我mentor为首的学贯上下两千年西方古典音乐史的音乐系研究生。由于去年的期末论文选了分析这张soundtrack，原因可想而知：当我第一次看完这部电影时候就毅然决然的扛起小旗加入第一派阵营。于是我屁颠地抱着“怎么样感动不？”的心情给mentor听了Lux Aeterna，没想到他听完的反应是: “There’s not much to talk about. This guy must have been in pop band or something. I can see his influence from the pop culture.” 他的意思是，此曲和弦简单透顶（给有音乐理论背景的童鞋：I-vi-V），配器简单透顶，发展部分简单生硬，实在是不知道有什么好分析。
不得不说他说对了一半。Clint Mansell是前英国流行乐队Pop Will Eat Itself的主唱+吉他手。可是！我单曲循环到泪流满面绝望丛生的曲子岂能被你一句“pop song”就劈头盖脸的否决？！
如果只是一首简单的歌（写一首简单的歌~~让你的心情快乐~~爱情就像一条河~~难免会碰到波折~~wo~~），到底为什么会有那么多人被打动？
出于本人勤奋好学的品性，我开始搜罗各种资料，其实更大的原因是为了写好我的期末论文。
在一篇采访Clint Mansell的文章中他说：
“I read a script a year before I actually started working on it, and I went to the shoot and you just immerse yourself in it. I obviously read the book, and just spent a lot of time thinking about it. That doesn’t seem to be the norm in modern movie making, composers come in at the end of the project and whack it out in a month.”(http://sabotagetimes.com/music/clint-mansell-aronofsky-reznor-and-me-part-two/#_)
Bingo!就看在他那么勤勤恳恳的份上，这张碟就值得分析，不管你觉得他是毫无内涵的pop singer还是神一样的末日推手。我现在就从当时写的10页论文里翻译出主要观点。
1. 这张碟破碎的排列以及像mentor所说的“简单生硬的发展部”其实是与电影画面和内容最好的结合。导演Aronofsky 为了表现吸毒者充满幻觉的内心世界，在画面处理上用了大量的 “hip-hop montage”,将一系列简单，破碎，极短的的分镜镜头配上声音效果快速组合起来，来传递一个信息，比如电影里吸毒的场景是由开盖，点火，气泡，针筒，瞳孔放大这一串不到一秒钟的hip-hop montage来传达，从而达到逻辑上连贯与信息的传递，观影者一下就得知角色从清醒到high的变化。正因为这个贯穿电影的重要思路，导致此片的BGM也成为一张“hip-hop montage”的合集。音乐处理跟画面相似，重复运用大量的相同动机（motif）和主题（theme）并且经过不断变奏来实现从春天到冬天的发展。在与音效师Brian Emrich的采访中证明了这一观点：
“Darren wanted to get a musical feel with those sequences. It was my idea to morph that stuff, to make it crazier as the movie goes on, and as the characters are getting more messed up. The result is a schizophrenic album presentation that mixes all of the short cues together to form several difficult moments of discord in transition.”
(http://livedesignonline.com/mag/film-0)
于是我的mentor的观点不攻自破。与很多西方的BGM不一样，西方古典时期音乐里崇尚的结构上的发展本来就不是Requiem for a Dream的构思。它有它独特的发展方式，恰恰是根据电影主题的需要来构思的。
2. 很多懂一些音乐的人很喜欢说Requiem for a Dream是 “neo-classical blend of electronics and chamber music” (“电音与室内乐的新古典主义融合”)，因为主题曲Lux Aeterna里请到了著名的Kronos Quartet 来演奏弦乐部分。而这恰恰是很多古典出生的学院派人士攻击的点：的确从曲子来看弦乐部分写的一点都不出彩而且沾满了pop culture的味道。为什么？对位法的缺乏，管线乐色彩的不闻不问都是致命伤。但如果说Clint本来就没想要达到“电音和室内乐的新古典主义融合”呢？…… 没错我觉得这些都是一些狂热分子喜欢贴上的标签。从一开始就不存在新古典主义。弦乐与电音的结合早就是pop song里管用的手法了。Clint自己都说了：
“Given the film, which is very emotional, and the parts are very emotional, and you just knew that if somebody played them good, you’d pull it out a bit more…. They really brought an extra dimension to my music… it’s the presentation of it, and what they added to it took it to a whole other level. Made it real, I suppose.”
(http://sabotagetimes.com/music/clint-mansell-aronofsky-reznor-and-me-part-two/)
Kronos Quartet 的出现让很多人以为他们在走古典的道路。其实并没有。单纯是导演本身对Kronos Quartet的崇拜坚持要让他们来演弦乐部分罢了。就这么简单。而音效设计中有很多很有趣的细节。记不记得Sara每次弹开药瓶盖那个可爱的声音？是音效师Brian Emrich录了真实的音效后并处理的。至于瞳孔放大的音效而是他亲自跑到他父母在纽约州的家边上的湖，用水下麦克风录下带引擎的玩具火箭在水下冒泡泡的声音，然后进行处理。
3. 关于著名的Lux Aeterna的分析。单纯乐理上来说真是几句话就可以说清。一开始的合成器奠定了节奏和气氛，然后弦乐发出是一阵不和谐的trill，不同的声部开始逐渐加进来，和弦的走向G-Eb-D反复不变，一直到了高潮然后像退潮的海水一样回到一开始的平静。但是就是这样一个主题经过了层层变化从而贯穿整部影片从春天到冬天的发展。举个例子，夏天的“Summer Overture”是第一个变奏。与冬天的绝望对比起来，夏天的theme更具有暴力感和威胁性，因为此时的节奏更加具有爆发力。秋天的“The Cleaning Apartment”是另一个变奏，此时的故事已经发展到了覆水难收的境地。一声重重的关门声之后音乐响起来了，暴力的鼓点消失了，剩下的是弦乐透露出的悲凉。
所以总的来说Requiem for a Dream是一张精心之作。很多地方出彩的让人眼睛一亮。不过到头来为什么要长篇大论分析soundtrack呢？作曲家辛辛苦苦写了这么个东西，大多数人听听过瘾就算了，总有一些钻牛角尖的人想知道为什么会达成这样的效果。而且作曲，在我看来，是一秒钟脑子内闪过无数想法的一个创作过程，而探索音乐背后这张思维的网络总是能够发现惊奇的东西。
