远，初秋的公路电影
北京一别，再在广州的短暂相聚，我在两城间奔忙之时，沼泽在他们的音乐世界里遨游。各有苦楚，各有辛劳，各有所得。我一直质疑着这张新专辑的发行时间，而他们懊恼着更多关于新专辑的事情。三个月后“远”终于诞生。当我按下播放键，我却不由有些感叹——或者，它本来就应该诞生在秋天：关于离开、上路与归去。
较之前两张专辑，“远”是一张相对好消化的专辑。经过了两张专辑的摸索：从对古琴的突破性融合，到尝试大密度的古琴摇滚合奏；这次沼泽在回归，尝试在音乐上做减法——用简练的话语，讲一个故事：犹如一部公路电影，在梦想的旅途里，在现实的远行里，有欢笑有泪水，只要有努力，每一次回望都是满目风景。
这一次，古琴音色一再修正，与乐队演奏进一步糅合。没有瞩目的创新，没有滔滔的气势，甚至没有了作为“中国后摇”乐队代表之一所应有的Post Rock标准编曲方式。整张专辑的章节段落来得简洁流畅。体现在旋律上：作品更简单直接，重拾沼泽建团之初的英式风格；体现在配器上：这次没有“1911”的大堆头大制作，没有了大篇章的合奏；音色纹理清晰，清亮而悠扬。回归到听觉的原点，“远”简洁而不简单，于细微处见精致，起承转结间隐然透露出点点Prog Rock气质。这一点实在让我惊艳不已。
沼泽一直强调“远”是一张概念很完整的专辑，从开场曲《离》，到完场曲《灰鹱望海》正好是一个圆，是一次关于梦想的远行。但我觉得这有点矫情——人生路若走得足够远，还看不够离别和重逢吗？一路冷暖自知，一路的壮丽与哀伤，还会奢望别人感同身受吗？就如这六首新作，有人觉得实验，有人觉得黑暗幻灭；而于我、于沼泽四子，相信也不尽然。起码就我而言，三首旧作改编都洗去了旧有的阴霾戾气，更多了一些了然于胸的自信，一些云淡风轻的出世。
《离》以一个简单的动机展开，没有沿用Post Rock的层进式铺排，用古琴、钟片琴和吉他反复拆解重组。衬以宽广空灵的电声效果，更像是电影配乐的铺陈手法，看来《入梦令》的触电对沼泽颇有触动。而同为开场曲，“沧浪星”的《摇篮星》深具中国古韵，围绕着“后摇中国化”的命题展开全张专辑。《离》抽取古琴的音色辅助，内里的运思已游离于摇滚大命题之外。有一刻甚至让我想起大友良英为电影《Blue》所作的配乐，两者都借助些许Post Rock的编排手法，以器乐演奏开拓出宽广的空间视觉，创造出电影配乐般的画面感。
《失梦客》来自于沼泽自己的旧作《失落的梦想》。抽取原作的动机，重新编曲配器而成。可以看做是《失落的梦想》的remix，但又远不止remix的概念。原作收录于“失落的梦想”同名现场专辑中，其时沼泽正向Post Rock风格过渡，作品曲风掺杂着他们最早的英伦风，又充满乐队中期的重型迷幻感。新作《失梦客》将原作的吉他段落清晰提炼出来，并充分放大。褪去迷幻和戾气之后更见洗练大气。无论是前段云淡风轻的独奏，还是后段与古琴合奏的急激铿锵，无不笃定自信。沼泽在这里脱离了Post Rock惯常的曲式，器乐演奏不再有大段的铺垫，也不再依赖海逊快节奏的爵士鼓来提供音乐的高能量。以整体演奏的高默契度作为基底，抹去音色上的多余枝节，突出吉他的音色与演绎。全作犹如一部畅快漓淋的公路电影，配合这秋高气爽的时节，让人精神一振。
至此，沼泽为自己的音乐打开了一个新的方向，跳出了Post Rock的形式感、古琴和中国古乐的标本化。当音乐世界再无这些牵绊，技术与手段、音色与模式，都只是音乐的元素之一而已。在足够的技术基础之上，心无杂念地演绎一个动机，随性使用各种元素，音乐方见纯粹与宽广。
于是，我们可以听到在《世界是块忧伤的石头》里，沼泽的琴音不再纯粹，海亮拉弓演奏、失真效果与和弦弹奏轮番上阵。阿来的贝斯新增的高音弦，带来更谐和的副旋。创新对于沼泽来说，已经不再是重点。这次众多的创新与变化不再如前作般凸显出来，不张扬，却在适当的位置上配上适合的手法，沼泽在减法里暗自做着不易察觉的加法，让作品更细腻、更完整。
特别值得一提的，还有海亮和细辉的吉他。这次新专辑吉他演奏的比重大大增强（其实以前也不少，不过这次明显凸现出来了），《憧憬之船》与《变形记》两首翻玩作品甚至完全抽掉古琴。畅快淋漓的演奏自有另一番感觉。而细辉改装的内置ebow延音吉他更是为多首新作提供了广阔空灵的空间。
沼泽的“远”脱离了中国摇滚喜好“苦大仇深”的癖好，也不再强调古琴、中国传统文化等创新，也没有了上一张专辑的统一的概念性。专辑的六首作品在一种速度感中行进，欢愉与忧伤都不必承载。如人在旅途，即使已是微凉初秋，即使路遥未知归途，仍可饱览沿途的壮丽，感悟当下。
初秋，有人离开、上路或归去。路遥，且行且珍重。
较之前两张专辑，“远”是一张相对好消化的专辑。经过了两张专辑的摸索：从对古琴的突破性融合，到尝试大密度的古琴摇滚合奏；这次沼泽在回归，尝试在音乐上做减法——用简练的话语，讲一个故事：犹如一部公路电影，在梦想的旅途里，在现实的远行里，有欢笑有泪水，只要有努力，每一次回望都是满目风景。
这一次，古琴音色一再修正，与乐队演奏进一步糅合。没有瞩目的创新，没有滔滔的气势，甚至没有了作为“中国后摇”乐队代表之一所应有的Post Rock标准编曲方式。整张专辑的章节段落来得简洁流畅。体现在旋律上：作品更简单直接，重拾沼泽建团之初的英式风格；体现在配器上：这次没有“1911”的大堆头大制作，没有了大篇章的合奏；音色纹理清晰，清亮而悠扬。回归到听觉的原点，“远”简洁而不简单，于细微处见精致，起承转结间隐然透露出点点Prog Rock气质。这一点实在让我惊艳不已。
沼泽一直强调“远”是一张概念很完整的专辑，从开场曲《离》，到完场曲《灰鹱望海》正好是一个圆，是一次关于梦想的远行。但我觉得这有点矫情——人生路若走得足够远，还看不够离别和重逢吗？一路冷暖自知，一路的壮丽与哀伤，还会奢望别人感同身受吗？就如这六首新作，有人觉得实验，有人觉得黑暗幻灭；而于我、于沼泽四子，相信也不尽然。起码就我而言，三首旧作改编都洗去了旧有的阴霾戾气，更多了一些了然于胸的自信，一些云淡风轻的出世。
《离》以一个简单的动机展开，没有沿用Post Rock的层进式铺排，用古琴、钟片琴和吉他反复拆解重组。衬以宽广空灵的电声效果，更像是电影配乐的铺陈手法，看来《入梦令》的触电对沼泽颇有触动。而同为开场曲，“沧浪星”的《摇篮星》深具中国古韵，围绕着“后摇中国化”的命题展开全张专辑。《离》抽取古琴的音色辅助，内里的运思已游离于摇滚大命题之外。有一刻甚至让我想起大友良英为电影《Blue》所作的配乐，两者都借助些许Post Rock的编排手法，以器乐演奏开拓出宽广的空间视觉，创造出电影配乐般的画面感。
《失梦客》来自于沼泽自己的旧作《失落的梦想》。抽取原作的动机，重新编曲配器而成。可以看做是《失落的梦想》的remix，但又远不止remix的概念。原作收录于“失落的梦想”同名现场专辑中，其时沼泽正向Post Rock风格过渡，作品曲风掺杂着他们最早的英伦风，又充满乐队中期的重型迷幻感。新作《失梦客》将原作的吉他段落清晰提炼出来，并充分放大。褪去迷幻和戾气之后更见洗练大气。无论是前段云淡风轻的独奏，还是后段与古琴合奏的急激铿锵，无不笃定自信。沼泽在这里脱离了Post Rock惯常的曲式，器乐演奏不再有大段的铺垫，也不再依赖海逊快节奏的爵士鼓来提供音乐的高能量。以整体演奏的高默契度作为基底，抹去音色上的多余枝节，突出吉他的音色与演绎。全作犹如一部畅快漓淋的公路电影，配合这秋高气爽的时节，让人精神一振。
至此，沼泽为自己的音乐打开了一个新的方向，跳出了Post Rock的形式感、古琴和中国古乐的标本化。当音乐世界再无这些牵绊，技术与手段、音色与模式，都只是音乐的元素之一而已。在足够的技术基础之上，心无杂念地演绎一个动机，随性使用各种元素，音乐方见纯粹与宽广。
于是，我们可以听到在《世界是块忧伤的石头》里，沼泽的琴音不再纯粹，海亮拉弓演奏、失真效果与和弦弹奏轮番上阵。阿来的贝斯新增的高音弦，带来更谐和的副旋。创新对于沼泽来说，已经不再是重点。这次众多的创新与变化不再如前作般凸显出来，不张扬，却在适当的位置上配上适合的手法，沼泽在减法里暗自做着不易察觉的加法，让作品更细腻、更完整。
特别值得一提的，还有海亮和细辉的吉他。这次新专辑吉他演奏的比重大大增强（其实以前也不少，不过这次明显凸现出来了），《憧憬之船》与《变形记》两首翻玩作品甚至完全抽掉古琴。畅快淋漓的演奏自有另一番感觉。而细辉改装的内置ebow延音吉他更是为多首新作提供了广阔空灵的空间。
沼泽的“远”脱离了中国摇滚喜好“苦大仇深”的癖好，也不再强调古琴、中国传统文化等创新，也没有了上一张专辑的统一的概念性。专辑的六首作品在一种速度感中行进，欢愉与忧伤都不必承载。如人在旅途，即使已是微凉初秋，即使路遥未知归途，仍可饱览沿途的壮丽，感悟当下。
初秋，有人离开、上路或归去。路遥，且行且珍重。
