那只冲破噪音之墙的蝴蝶
旧文一篇，某年首发《我爱摇滚乐》
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在这个偌大的世界上，每时每刻都有无数的奇迹与巧合发生，无数的人因为各种各样的原因相遇在一起。1993年某一个阳光明媚的下午，四名年轻人聚在了纽约的一家意大利餐馆中。他们是来自日本，在这里学习文化与艺术的Kazu Makino、Maki Takahashi和Simone与Amedeo Pace这一对来自意大利的亲兄弟。这四个人在这里像所有的年轻人一样喝着香浓的摩卡咖啡，交换着彼此在音乐上的心得，畅谈着自己的理想。而和其他那些进出这里的人所不同的是，随着他们这次特别的聚会的结束诞生了一支如今已经具有国际性声誉的摇滚乐队，那就是我们本文将要介绍的Blonde Redhead。组建初乐队由Makino和Amedeo负责吉他的演奏与演唱，Simone来打鼓，而Takahashi则拿起了贝斯。
Blonde Redhead这个名字取自八十年代著名No Wave乐队DNA的一首歌曲。而在他们成立之初，我们也的确可以听出乐队的音乐在一定程度上受到了No Wave浪潮的影响，从他们刺耳的音色，由无调性的吉他构成的声墙与那些怪异扭曲的旋律中我们会发现那些如早期的Sonic Youth般的先行者的影子。好吧，我还得告诉你们直到现在，他们还是在被人们拿来与Sonic Youth进行着没完没了且毫无意义的比较。而事情其实是这样的：South Youth的鼓手Steve Shelley被他们独特的音乐表达方式所吸引，于是着手策划并制作了乐队的处女同名专辑——《Blonde Redhead》。这张唱片中艺术化的噪音氛围仿佛又让人们回到了那个No Wave浪潮风起云涌的年代，漂浮流动的人声与漩涡一样旋转的吉他创造了一片全新的音乐风景。从开场曲“I Don't Want U”开始，那些早已经出现在jazz-rock中的吉他和弦走向却被Blonde Redhead塑造成了一片不断喷发爆炸的独立摇滚声墙，快速的鼓击和始终保持着稳定力度的贝斯线条也一直贯穿了整张唱片。但是在“Girl Boy”中，我们还是看到了些许dream-pop的影子。唱片发行后立即吸引了各方的注意，特别是一些实验音乐的爱好者更是将其视为一张伟大的专辑。于是像所有那些一炮成名的独立乐队一样，Blonde Redhead终于踏上了自己的音乐道路。
但是并不是所有的事情都是从头至尾一帆风顺的，在这张唱片发行后不久，Takahashi就因为一些个人原因而选择离开了乐队。尽管缺少了贝斯手，剩下的三个人却并没有因此而停下脚步，他们继续着自己在音乐上的摸索与尝试，并于1995年继续在Shelley自己的厂牌下发行了专辑《La Mia Vita Violenta》。这一次，Blonde Redhead用两把吉他制造出了大多数乐队十个吉他手也创造不出的白色噪音。但在巩固之前low-fi噪音效果的前提下，一些原声器乐的加入也表明乐队在音乐的创造上并没有抱有任何自命不凡的高傲想法，而是在利用所有可能的机会来丰富自己怪异的声音。因为他们不是什么流行乐的救星，他们是声音实验艺术家，将各种各样朦胧奇怪的音效堆积在并不连贯的人声下，让你感到一种上瘾的不自在，难以挣脱。
1997年，乐队在芝加哥老牌独立唱片公司Touch and Go旗下发行了《Fake Can Be Just as Good》，来自Unwound的Vern临时加入乐队并在唱片中演奏了贝斯。虽然在音乐上乐队并没有什么实质上的改变，依然刻意地逃避着那些流行的旋律，但是一些更为趋向后朋克的节奏切分却让人们看到了乐队转型的前兆。到了1998年的第四张录音室唱片《In an Expression of the Inexpressible》，乐队就干脆放弃了贝斯这项乐器而专注于手头现有的这些家伙。在歌曲的旋律创作上，虽然Blonde Redhead依然保持着一贯地无调性，但是却比之前要内敛了许多，Kazu Makino更多在高音上的游走让人们不禁想到了那个同样神经质的冰岛精灵Björk，但制作人John Goodmanson与Guy Picciotto (Fugazi)却让彻底摆脱了贝斯“束缚”的两把吉他相互辉映，时而让人声自己在那里轻轻地跳跃，时而又推出一阵阵厚重噪音来淹没听者的耳朵。但我们可以确定的是，他们早期的那份诡异已经更多地被一种氛围化的唯美所取代。
终于，乐队在推出了大卖专辑《Melody of Certain Damaged Lemons》与另外一张名为《Melodie Citronique》的EP后，用了四年的时间精细休整，并最终在2004年的春天投靠在了著名的独立厂牌4AD旗下，随即便发表了最新的这张唱片《Misery Is a Butterfly》，真正的进入了独立摇滚音乐的辉煌殿堂。
这张唱片距离《Melody of Certain Damaged Lemons》已经有了很长的一段时间，在这段时间里乐队的确是在逐步完善着自己的音乐素材，但是Kazu Makino的意外受伤才是这张唱片一拖再拖的最主要原因。在一次骑马游玩的时候，Kazu Makino不幸跌落马背并摔成重伤，使得乐队不得不停止手头的工作来等待她的恢复。终于，随着这段痛苦的休整期的结束，Blonde Redhead献上了自己暨今为止最为黑暗唯美的作品——《Misery Is a Butterfly》。在上一张已经表露出明快音乐气质的《Melody of Certain Damaged Lemons》中，乐队就已经彻底摒弃了No Wave的影响，而将自己的音乐拓展到了一种更为轻松，更为情绪化的氛围之中。而这一次，他们将这种柔美的感觉表现得更为纯粹。他们不再是午夜的暴风，不再靠那些漩涡一样扭曲的吉他和让人心惊胆战的噪音来博得你的欢心，而是将一种柔软的浪漫主义气质填充到了自己的音乐当中。于是在“Elephant Woman”和“Doll Is Mine”这样的歌里我们也惊喜地听到了轻柔的弦乐和不时流动的键盘声。的确，时间不同了，乐队所处的环境也不同了，他们现在所在的厂牌是以发表This Mortal Coil这样的仙音组合而闻名于世的4AD，那么Blonde Redhead自然也会让自己的声音变得更为圆滑与冰冷。这不是一种妥协，而是一种从技术上到心理上的成熟的转变，况且凭借这样的转型取得成功的方式也早已通过Suede的《Dog Man Star》与Goldfrapp的《Felt Mountain》得到了业内外的肯定。这一次Blonde Redhead只不过是找到了属于自己的那份音乐感觉。
《Misery Is a Butterfly》中精巧华美的声音实在无法让人与唱片标题中所提到的痛苦或者不幸联系起来，因为它是超然的，我们所能感受到的只是那只美丽的蝴蝶，抖动着自己晶莹的蓝色翅膀，在空中划出一个又一个短小的弧线。
如今，Blonde Redhead已经开始了自己全新的探索旅程。他们一直行走在属于自己的那条音乐道路上，不曾停歇，他们只是像这个世界上所有珍贵而稀少的乐队一样，等待着被人们发现，等待着把握住属于自己的那份机会，来把痛苦化作美丽的蝴蝶，把世界的嘈杂与黑暗净化成忧郁的蓝色。
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在这个偌大的世界上，每时每刻都有无数的奇迹与巧合发生，无数的人因为各种各样的原因相遇在一起。1993年某一个阳光明媚的下午，四名年轻人聚在了纽约的一家意大利餐馆中。他们是来自日本，在这里学习文化与艺术的Kazu Makino、Maki Takahashi和Simone与Amedeo Pace这一对来自意大利的亲兄弟。这四个人在这里像所有的年轻人一样喝着香浓的摩卡咖啡，交换着彼此在音乐上的心得，畅谈着自己的理想。而和其他那些进出这里的人所不同的是，随着他们这次特别的聚会的结束诞生了一支如今已经具有国际性声誉的摇滚乐队，那就是我们本文将要介绍的Blonde Redhead。组建初乐队由Makino和Amedeo负责吉他的演奏与演唱，Simone来打鼓，而Takahashi则拿起了贝斯。
Blonde Redhead这个名字取自八十年代著名No Wave乐队DNA的一首歌曲。而在他们成立之初，我们也的确可以听出乐队的音乐在一定程度上受到了No Wave浪潮的影响，从他们刺耳的音色，由无调性的吉他构成的声墙与那些怪异扭曲的旋律中我们会发现那些如早期的Sonic Youth般的先行者的影子。好吧，我还得告诉你们直到现在，他们还是在被人们拿来与Sonic Youth进行着没完没了且毫无意义的比较。而事情其实是这样的：South Youth的鼓手Steve Shelley被他们独特的音乐表达方式所吸引，于是着手策划并制作了乐队的处女同名专辑——《Blonde Redhead》。这张唱片中艺术化的噪音氛围仿佛又让人们回到了那个No Wave浪潮风起云涌的年代，漂浮流动的人声与漩涡一样旋转的吉他创造了一片全新的音乐风景。从开场曲“I Don't Want U”开始，那些早已经出现在jazz-rock中的吉他和弦走向却被Blonde Redhead塑造成了一片不断喷发爆炸的独立摇滚声墙，快速的鼓击和始终保持着稳定力度的贝斯线条也一直贯穿了整张唱片。但是在“Girl Boy”中，我们还是看到了些许dream-pop的影子。唱片发行后立即吸引了各方的注意，特别是一些实验音乐的爱好者更是将其视为一张伟大的专辑。于是像所有那些一炮成名的独立乐队一样，Blonde Redhead终于踏上了自己的音乐道路。
但是并不是所有的事情都是从头至尾一帆风顺的，在这张唱片发行后不久，Takahashi就因为一些个人原因而选择离开了乐队。尽管缺少了贝斯手，剩下的三个人却并没有因此而停下脚步，他们继续着自己在音乐上的摸索与尝试，并于1995年继续在Shelley自己的厂牌下发行了专辑《La Mia Vita Violenta》。这一次，Blonde Redhead用两把吉他制造出了大多数乐队十个吉他手也创造不出的白色噪音。但在巩固之前low-fi噪音效果的前提下，一些原声器乐的加入也表明乐队在音乐的创造上并没有抱有任何自命不凡的高傲想法，而是在利用所有可能的机会来丰富自己怪异的声音。因为他们不是什么流行乐的救星，他们是声音实验艺术家，将各种各样朦胧奇怪的音效堆积在并不连贯的人声下，让你感到一种上瘾的不自在，难以挣脱。
1997年，乐队在芝加哥老牌独立唱片公司Touch and Go旗下发行了《Fake Can Be Just as Good》，来自Unwound的Vern临时加入乐队并在唱片中演奏了贝斯。虽然在音乐上乐队并没有什么实质上的改变，依然刻意地逃避着那些流行的旋律，但是一些更为趋向后朋克的节奏切分却让人们看到了乐队转型的前兆。到了1998年的第四张录音室唱片《In an Expression of the Inexpressible》，乐队就干脆放弃了贝斯这项乐器而专注于手头现有的这些家伙。在歌曲的旋律创作上，虽然Blonde Redhead依然保持着一贯地无调性，但是却比之前要内敛了许多，Kazu Makino更多在高音上的游走让人们不禁想到了那个同样神经质的冰岛精灵Björk，但制作人John Goodmanson与Guy Picciotto (Fugazi)却让彻底摆脱了贝斯“束缚”的两把吉他相互辉映，时而让人声自己在那里轻轻地跳跃，时而又推出一阵阵厚重噪音来淹没听者的耳朵。但我们可以确定的是，他们早期的那份诡异已经更多地被一种氛围化的唯美所取代。
终于，乐队在推出了大卖专辑《Melody of Certain Damaged Lemons》与另外一张名为《Melodie Citronique》的EP后，用了四年的时间精细休整，并最终在2004年的春天投靠在了著名的独立厂牌4AD旗下，随即便发表了最新的这张唱片《Misery Is a Butterfly》，真正的进入了独立摇滚音乐的辉煌殿堂。
这张唱片距离《Melody of Certain Damaged Lemons》已经有了很长的一段时间，在这段时间里乐队的确是在逐步完善着自己的音乐素材，但是Kazu Makino的意外受伤才是这张唱片一拖再拖的最主要原因。在一次骑马游玩的时候，Kazu Makino不幸跌落马背并摔成重伤，使得乐队不得不停止手头的工作来等待她的恢复。终于，随着这段痛苦的休整期的结束，Blonde Redhead献上了自己暨今为止最为黑暗唯美的作品——《Misery Is a Butterfly》。在上一张已经表露出明快音乐气质的《Melody of Certain Damaged Lemons》中，乐队就已经彻底摒弃了No Wave的影响，而将自己的音乐拓展到了一种更为轻松，更为情绪化的氛围之中。而这一次，他们将这种柔美的感觉表现得更为纯粹。他们不再是午夜的暴风，不再靠那些漩涡一样扭曲的吉他和让人心惊胆战的噪音来博得你的欢心，而是将一种柔软的浪漫主义气质填充到了自己的音乐当中。于是在“Elephant Woman”和“Doll Is Mine”这样的歌里我们也惊喜地听到了轻柔的弦乐和不时流动的键盘声。的确，时间不同了，乐队所处的环境也不同了，他们现在所在的厂牌是以发表This Mortal Coil这样的仙音组合而闻名于世的4AD，那么Blonde Redhead自然也会让自己的声音变得更为圆滑与冰冷。这不是一种妥协，而是一种从技术上到心理上的成熟的转变，况且凭借这样的转型取得成功的方式也早已通过Suede的《Dog Man Star》与Goldfrapp的《Felt Mountain》得到了业内外的肯定。这一次Blonde Redhead只不过是找到了属于自己的那份音乐感觉。
《Misery Is a Butterfly》中精巧华美的声音实在无法让人与唱片标题中所提到的痛苦或者不幸联系起来，因为它是超然的，我们所能感受到的只是那只美丽的蝴蝶，抖动着自己晶莹的蓝色翅膀，在空中划出一个又一个短小的弧线。
如今，Blonde Redhead已经开始了自己全新的探索旅程。他们一直行走在属于自己的那条音乐道路上，不曾停歇，他们只是像这个世界上所有珍贵而稀少的乐队一样，等待着被人们发现，等待着把握住属于自己的那份机会，来把痛苦化作美丽的蝴蝶，把世界的嘈杂与黑暗净化成忧郁的蓝色。
