LXH的音乐

“2012”大概是不会来，但这并不影响《Born To Die/难逃一死》带上一股浓浓的末日情结。拉娜·德雷(Lana Del Rey)这个在2011年6月忽然闯进人们视线并且开始大红的名字，伴随着关于美丽外表和美丽本身的争议，勾起了人们的无穷期待。去年6月份的《Video Games/电子游戏》一经推出便艳惊四座，然而在脱口秀节目SNL《周六夜现场》糟糕的唱功又将拉娜·德雷(Lana Del Rey)推上了风口浪尖。拉娜·德雷(Lana Del Rey)这个名字注定成为延续至2012年的关键词，只是，到底能延续多久恐怕让人堪忧。1月31号发行的《Born To Die/难逃一死》以一整张复古迷幻的风格，讲述着关于“性爱、金钱、药物”的欲望。与专辑名字异常恰切，拉娜·德雷(Lana Del Rey)化作一朵末日之花，唱着靡靡之音，催促着人们及时行乐，把酒纵欢。 而这就是专辑的主题，如果你还期待它有点儿什么别的深刻的东西，那你这张专辑绝对满足不了你，这也就是为什么《Born To Die》一发行就让人失望之极的原因。这么看来，去年《Vedio Games/电子游戏》的EP所集结的四首歌已经是《Born To Die》的最好水平了，《Vedio Games》中那句“Heaven is a place on earth with you/有你的地方就是天堂”也大概是专辑中最为“深刻”的一句歌词，其它肤浅的歌词遍地都是，诸如“天啊，你太帅了，带我去汉普顿（度假胜地）吧/God, you are so handsome, take me to the Hampton”（《National Anthem/国歌》）、“先是钱，然后是秀，我爱你亲爱的，我已经准备好了，快走吧/One for the money, Two for the show, I love you honey, I’m ready, I’m ready to go”（《Million Dollar Man/千万富翁》）。这些无聊乏味的歌词几乎都出自拉娜·德雷(Lana Del Rey)本人之手，同时她也几乎包办整张专辑的创作。倘若这样的创作水准套上一个电子舞曲的外壳，那似乎无可厚非，但配上大规模弦乐的精致编曲，用拉娜·德雷(Lana Del Rey)慵懒甚至带着一丝古典味道的气声唱腔表现出来，就不免有些内容撑不起外表的薄弱感，这也注定了她虽然复古，始终达不到阿黛尔(Adele)的水准，更不用说艾米·怀恩豪斯(Amy Winehouse)了。但抛去歌词的肤浅，即便是这专辑所呈现出的“美妙听感”也越来越被人诟病是刻意雕琢的产物。 倘若你听过她还叫莉兹·格朗特(Lizzy Grant)时的专辑《A.K.A Lizzy Grant》，再来听这张《Born To Die》，你就很清楚后者美丽来的是多么刻意为之。彼时的拉娜·德雷(Lana Del Rey)从外表上显然与《Born To Die》时期形成了鲜明的对比，没有复古的装束，没有精致的妆容。而在之前的专辑中，拉娜·德雷(Lana Del Rey)还未曾故意压低自己的声线，让自己动人的气声大规模呼出。编曲虽称不上粗糙，但显然随性的多，几首作品还带着小电子的氛围，顶多算一张普通的Indie-Rock专辑，放在一抓一大把的小众专辑中毫无特色而言，这显然与《Born To Die》突出的复古风格有很大不同。这样的转变似乎都要归功于整张专辑的制作人，曾经为艾米纳姆(Eminem)、李尔·韦恩(Lil Wayne)、Kid Cudi等大牌掌舵的艾米利·海尼(Emile Haynie)，在她的巧手下，《Born To Die》中的大部分歌曲流畅动听不俗，弦、管乐队的选择性应用让专辑带上了复古的明确指向，Trip-Hop的节拍与类似五十年代的做旧感，共同将黛蕾的声音营造得氤氲且迷幻，这些鲜明的技巧在《Video Games》《Dark Paradise》《Carmen》《Without You》等专辑的大部分作品中体现得淋漓尽致。于是，一位风格鲜明的美人儿被锻造而成，这也就不难解释为什么拉娜·德雷(Lana Del Rey)那么急切地将不怎么美丽的莉兹·格朗特“杀掉”，《A.K.A Lizzy Grant》在iTunes上架仅两个月便被彻下，拉娜·德雷(Lana Del Rey)着实很害怕人们看到她美丽之前的一面。但无论现在的她多么美丽，《Born To Die》由于缺乏了值得玩味的歌词，这样匠心颇具的编曲沦落成了无谓的装扮。否则，这些与当红的“伤害乐团(Hurts)”具有异曲同工之妙的复古感，或许也能成为新的经典，但现在，它们似乎只能沦为复古大潮中转瞬即逝的浪花。 不同音乐风格和类型总会呈现出此消彼长的状态和规律，当年Lady GaGa用简单的电音舞曲杀出一片天，破除的就是Hip-Pop和R&B的泛滥，而如今已阿黛尔(Adele)为首的复古大军，则又在人们对于舞曲审美疲劳的背景下另辟蹊径，这也就一并解释了拉娜·黛蕾(Lana Del Rey)以及《Video Games》爆红的原因。然而，任何一种音乐风格的维持都是以音乐本身的内涵来作为持久的本钱，Lady GaGa玩得起舞曲，更唱得了情歌，没准儿当舞曲不流行了她会出一张纯粹复古爵士的专辑，因为有深度的歌词以及稳健的唱功始终是她坚守的品质，她固然造型百变，但音乐的过硬是本身实力所在。美丽的的确是拉娜·黛蕾(Lana Del Rey)的外表，也是《Born To Die》不深究内涵的迷幻表面，但也正如《Video Games》一开头的钟声所奠定的忧郁基调一般，如此刻意且肤浅的拉娜·黛蕾(Lana Del Rey)可能真的是过眼云烟，如专辑名一般，“难逃一死”。 (本文来源：网易娱乐专稿 ) http://ent.163.com/12/0203/10/7PB5PTJ000031H0O.html

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田馥甄凭借《My Love》的再次成功，彻底证明了“华研范式”的走向成熟。这种以陈晓霞、施人诚为代表的幕后班底，加上聂永真的视觉设计，在林宥嘉身上发端发展，在Olivia Ong身上不断完善，最终在田馥甄《My Love》上彻底成熟。看起来是顺应文艺青年审美要求独立的趋向、实际上又绝对商业化的大规模产品供应，这是“华研范式”的实质。但华研这种范式的试验始终是小心的，至少它为了能够延续这种模式，从未敢在一个唱功不怎么好的人身上试验，所以以田馥甄为代表的一系列“文艺范儿”的华研歌手，本身的音乐把控力还是不错的。《My Love》的成功，有范式的成功，也有田馥甄自身的实力。但这种范式能够走多久，就要看这股文艺风还能持续多长时间了。

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欧美乐坛历来“专辑+巡演”的模式，现在已经越来越成为华语乐坛一线歌手的常规运作。但即便如此，欧美歌手总体相对优越的歌唱素质是这种运作模式得以良性运转的关键，反观华语市场，借助先进的录音设备和后期制作，能交出一张叫好的专辑并非难事，但能将现场掌控的让人满意的歌手少之又少。所以即便专辑照常发，巡演每年办，一些歌手的人气和口碑反而“愈演愈下”。究其原因，现场实力的不及格无疑是乐迷流失的最大因素。 而张靓颖则是少之又少的既能将专辑做到满意，又具有超强现场掌控力的歌手之一。六年的音乐积淀，全部爆发在《我的模样》北京演唱会上，让人听得到她的努力，看得到她的进步。 重新编曲成为最大看点 对于乐迷来说，没有人愿意听一场与录音室作品毫无二致的作品集结，哪怕歌手唱得再好。惊喜和需求总在于歌手对于作品的重新演绎，这也是衡量一场演唱会成功与否的音乐性指标。阿弟仔担纲整场演出的音乐总监，让演唱会的音乐创新性较之前有了质的飞跃，集中体现在三首重头作品的重新编曲和演绎上。 开场《我的模样》借由暖场DJ的余热，直接炸开。让人惊喜的是，重新编曲后的《我的模样》加入了Dubstep这种时下最风靡的电子风格采样，Bass重音的强调与Drum鼓点的切分，瞬间将现场带入舞池，与张靓颖准备的机械舞恰好融合，整首表演干净利落，毫不拖沓。 中途Acapella重编版的《我相信》同样让人惊喜。作为第三环节不插电的开场，并不是这次演唱会情感落脚的《我相信》成为了张靓颖炫技的最好体现，转音、花腔、海豚音相互穿插，与和声相得益彰。 结尾的《改变》虽珊珊来迟，但却绝对镇得住场。舞曲化的重新编曲，配合积极的歌词，将演唱会的末尾引上了昂扬向上的基调。现场观众全体起立大合唱，这首欧美作嫁歌曲的大气水准体现的淋漓尽致。 音乐掌控力是听享保证 良好的音乐掌控力是演唱会听觉舒适度的最好保证。据张靓颖自己讲，她是内地歌手演出中第一个使用法国K-one音响的人。高保真度的音效还原，一方面是巨大的优势，另一方面也是不小的挑战。经历过数次演唱会后，张靓颖显然已经不能满足简单手部表演的舞蹈动作。这次演唱会中，她的舞蹈开始朝着风格上的多元化和本源化方向发展，机械舞、Hip-Pop、Breaking等风格都有难度上的提升与尝试。 然而即便如此，张靓颖的掌控力依然让人称赞。在两个小时的时间里，张靓颖几乎有一大半的时间是在唱跳的过程中度过。像《我的模样》《热》《快活》《木脑壳》等舞曲，即便伴有大规模胸部Up&Down等影响发声的动作，张靓颖依然能保持平稳的气息，甚至能够边跳边唱中，完美拿捏每句歌词末尾真假音的使用和转换，这种细节之处的到位无疑不有优秀的演唱实力在其中。 舞曲可以拿捏到如此，对于慢歌的把握自然就不在话下。快慢穿插之中，张靓颖的气息游刃有余，不管是肢体表现还是声音展现丝毫没有一丝疲惫之态，反而越唱越High，越唱越动容。《画心》、《我们都辜负了爱》、《美丽与勇敢》、《G大调的悲伤》等一系列情歌，张靓颖演绎的丝毫不差，让人无需担心有任何听觉压力。难怪现场会有人质疑她是不是假唱。 现场将是衡量歌手发展的最终标准 应该说，在内地有限演唱会资源的前提下，张靓颖在《我的模样》演唱会中，已经将能做的做到了最好。但大概任何演唱会都会有遗憾，张靓颖也不例外。比如差强人意的舞美和灯光，依然不能跳脱出内地演唱会的一贯模式；比如某一两套服装并不能协调好整场演出的基调；再比如舞台不够大不够炫不够开阔，显得不够大气。 但这并不足以影响整场演唱会的效果，因为一直有共识，张靓颖这把好声音始终值得更大更好更宽广的舞台。这是受限于整个内地演出市场发展不成熟的问题，而非张靓颖本身的音乐实力。但我们仍要说，这对于张靓颖来说，这仍然是最好的时机。 在音乐产业链的重心快速流向现场的大趋势下，已经没有歌手或者唱片公司还会指望能通过音乐实体或者数字作品本身来获得良性运转的资金，现场音乐的收入成为填补这部分资金空白的主要来源。所以现场能力将会是影响歌手发展的决定性因素。因而，无论是观众还是唱片公司，对像张靓颖这种现场型的歌手的渴求度越来越高，张靓颖所具备的竞争力将会越来越强。 就张靓颖本身而言，从整体定位开始明晰的《张靓颖@音乐》开始，张靓颖就意识到舞曲对于现场的重要性，加之先天的音乐条件，张靓颖在接下来的三张专辑中大规模增加舞曲的比重，让她的现场不再缺乏激情的因素，彻底从“苦情歌手”的刻板印象中脱离出来。《我的模样》北京五棵松站90%以上的上座率，就证明了她转型的成功。 这也就印证了张靓颖的现场仍然在趋向完美的路途当中，对于歌手来说是这最美妙的阶段。在越来越重视现场音乐的今天，从选歌到制作等都考虑到现场因素的专辑制作模式，再加上现场的超强掌控力，我们有理由相信，有一天张靓颖能够站在更高更宽广的舞台，具有更高标准的发展。 （评巡演北京站/跑题） http://ent.163.com/11/1127/14/7JSGS2G800031H0O.html

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一个在梦里见到鬼，然后唱进歌里的女孩子，会是什么样？ 这是初听范世琪《梦境》的疑问，不同于一般女孩子逃不出爱情的小清新，《梦境》虽安静，但的确带着一股苍白的怪异感，似乎是灰色的质感、镜中的晃影，像闯进了弗洛伊德的某些释义中一般。“穿着白色皮鞋，戴黑色领带，他有蓝色眼睛，长相很奇怪”，歌词的意象是生活化的，但搭配颗粒感的音效，组合起来又是不同的。有趣的是，第一次听到这首《梦境》是在2008年某一期《Rice》杂志附送的CD中，同期一并收录的还有小熊饼干以及小肥杨的单曲。时隔三年后的夏天，没想到这首简单、沉寂又有些神秘的歌成了她新专辑的同名单曲，而且又是一张有着夏天主题，又适合夏天聆听的专辑。 那么，这个女孩儿会是什么样？开篇《关于她》给了我答案，“有个女孩长得漂亮浓眉大眼睛，有个女孩唱歌跳舞还会弹钢琴，有个女孩淘气开朗有时也忧郁”，惊异于这番直白和自然，原来并不如我想象的那般“诡异”，这番坦白的“交代”似乎奠定了专辑的个人特质强烈——《梦境》更多的是一张关于自己的专辑，是对范世琪几年创作的沉淀和累积，而非更多倾注感情于其他人的“感情史”的集锦。慢慢听下去，的确如此。《暴雨》带着淡淡的Bossa Nova的味道，站在高处窗台看着躲雨的人群来来往往，没有轰隆的雷声也没有激烈的雨点，“暴雨”显得别有情调。同样，倒数第三首“夏末秋初版”的《暴雨》更是脱去跳跃的外衣，利用微妙的电子采样，搭配吉他的浅拨，更有丝“都市感”，也只有在这时，那句被编曲隐藏的“你和我就像一场闹剧，爱情就像一场暴雨”的寓意才会慢慢浮现出来，值得玩味。 第三首的《梦境》较之08年的版本，除了长度其实并没有太大的变化。看得出，范世琪对于这首歌最初的既定感觉十分满意。不同的是，原版本开头单纯做旧的颗粒感音效，在重新编曲中被做成了播放卡带的效果，听起来就像是听自己过去的作品。随着pause键的按下，范世琪开始了新的歌唱，编曲中新加入的提琴让作品听起来更为精致和华丽，让那点诡异感带上了一丝巴洛克的风格，更符合一种“梦境”的氛围。《梦境》过后，《夏日时光》续起，这几乎是专辑中，我最喜欢的作品。“夏日时光，微风清凉，你多么惬意地站在我身旁，衣服漂亮，裙摆荡漾”一个女孩儿对另一个女孩儿的低语与描述，很难说不是自己对镜中自己的吟唱。没有夏日的浮躁与炙热，有的只是一种慵懒，伴着潮湿的气息，包裹在一种“消夏”的气氛中，背景音效中淡淡的蝉鸣与鸟儿的歌唱，更加凸显一种季节变换带来的情绪波动。一样的懒散，一样的情绪化，不论是编曲还是唱腔，总不由让人想起萧潇的《没有寄的信》，只不过后者唱的是冬天的情绪变化，却也同样带着“反季节”的声音温度。专辑中同样“夏天”的还有《这个夏天》，伴着开头和结尾隐约的一段海浪声，这首歌曲的“湿气”来得更加浓厚和清新。 《她的朋友》和《周末》正如范世琪自己对自己的描述“有个女孩淘气开朗有时也忧郁”，显然属于淘气开朗的一面。有趣的是，范世琪在整张专辑中，很喜欢用第三人称“她”来唱自己，《她的朋友》便是如此，像一个小小的玩笑，但又不至于落入第一人称专辑的小清新视角。《周末》大概是淘气得最直白的一首作品了，“I love Saturday, I hate Sunday”，上班族大概更能体会这种感情。于是这位在“梦境”中有些神秘的女生，忽然间成了我们生活中的每个人，如此美好和亲近。 “夏天过冬天到，雪花冲着我笑”，倒数第二首《幻想》很好的将季节进行了过渡和转换，此时的钢琴并不再慵懒，而是多了一丝冰凉和警醒，一直延续到作品结束。《Gift》就承接《幻想》的钢琴质感，开曲漫不经心的弹奏伴着人群喧闹的嘈杂中，范世琪恍如隔世的做旧声线带出都会爵士的固有风格。作为2010年圣诞节和气音乐送给乐迷的“礼物”，这首“Christmas Song”经由上首《幻想》的过渡，放在这样一张夏日的专辑的末尾，并没有显出一丝不合时宜，反而像是电影末尾刻意留下的某些拉起悬念的镜头，让人期待续集的出现。只是美中不足的是，范世琪某些英文单词的发音有些不准，让这首纯英文演唱的爵士歌曲少了一丝纯正的韵味。 这也从一个细小的方面体现出专辑最大的一个遗憾，虽然有着爵士化地倾向，但整体来看，爵士只是编曲配器营造出的氛围，而非范世琪本身的声线条件所具备的。那种需要时间积淀的声音和演唱技巧，对于范世琪相对薄弱的声线来说，仍显不足。但这并不能掩盖这张专辑的可听性，特别是对于范世琪这张全创作的作品来说，更加难能可贵。在小清新横行的时代，《梦境》所脱离的不仅仅是一种情绪上自我纠结、创作视角上自我局限的惯性模式，更能够撇开“爱情”这个在某种程度上说，有些“滥俗”的主题，成为有着除了爱情之外，更多可能性的作品。即便这种非泛泛“爱”论之外的主题，并没有鲜明的、完整的、统一的表现于这张专辑中，的确给专辑留下了另一个遗憾。但是，这样的遗憾也的确吸引着我们去期待，伴随需要时间积淀而越来越好的，下一张范世琪创作专辑的出现。因为毕竟对于年轻的唱作人来说，时间和阅历的确是作品日臻成熟的关键。

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