疯眼穆迪的音乐

当我手抖的在爪机上编辑再一次按错到“彻底删除”的时候，我觉得我是真的被政治2100题迫害成二度脑残了，不，三度...真想拿板砖把自己拍死，再碰他我不是人==！！ ============================== 弱弱的说本人已经至少三年没写过所谓“乐评”的玩意了，我一个拖延症加啰嗦帝现在都待业青年了坐那编瞎话还不如考虑下生计问题，所以说果然这张专辑是用来怀旧的，这个名字带来的都是上一个人生阶段的回忆，一碰上就想哔哔叨说一坨废话，结果废话攒太多超过了320个字，干脆来篇完整的得了。 一半在扯一半貌似在评，怀旧的话各位已经有了这么多范本了，多少我还是假正经的讨论下主题吧，囧...　　 可能女粉丝跟一般听众还是有不同的地方，比如我喜欢一部分乐队或者Songwriter纯粹是因为一贯的音乐理念、风格或者某张专辑的惊艳，但是有些乐队，你让我忽略某些额外的因素那是不可能的啊，就像男人们嘲笑女球迷其实大部分是为了看帅哥，这你还真不能那么坚定地否认。于是对于MCR，我的喜爱有一部分原因是因为Gerard，不好意思，当年十七八岁的脑残女歌迷看到Gee采访的时候笑颜很萌，皮肤很白，婴儿肥什么的最可爱了，Black Parade的造型很喜欢（虽然我一直觉得Gee的那条裤子看上去很紧==||），MV拍的很燃，balabalabala...　　 当时某日我同宿舍的哥们直接冲过来说：“哥，你能不能换首歌听，那首歌（《Welcome to the Black Parade》）我都会唱了！”实际上我是有功德的没用电脑公放，只是用CD机享受了一下而已，但是Koss PP那玩意绝对是漏音帝。更不用说图片存一车，为一张图买一本《轻音乐》剪下图来糊衣柜什么的，那张Gerard模仿《发条橙》戴假睫毛的特写现在还在我家旧冰箱上糊着...额，所以说女粉丝不管是哈韩哈日哈影星还是哈乐队的...其实都是神奇的生物不用再怀疑（我会被人踢死吗==||）。 　 脑残女粉丝再怎么成长终究还是女粉丝，四年不见，没有点感慨那不就等于说已经过了激动的年龄了嘛，人生苦短多蹦跶几年再变成师太也不迟。还好不用在这个年龄就开始检讨自己喜欢这种看起来一点都不成人化的乐队，因为花痴这项事业是任重而道远的。　　 说了半天废话咱还是回到这张新专辑吧。如上所述作为女粉丝我根本就没有要求。什么四年了，你们一定要再搞出一张Epic，越期待结果越杯具何必呢，之前的教训够多了，能看见那张熟悉的脸我就很满足了，只要别烂的太过分你们怎么玩都无所谓。而且我一直有个很欠扁的想法，就是觉得Black Parade纯粹是个偶然，因为它突然闯进你的视野带着和之前完全不同的气势和感觉，差别太大多少让人有些怀疑。不能否认歌迷和乐评都是很难伺候的主，沉寂四年，如果重操EMO会被人说不知进取，像我刚才对BP的怀疑也就应验了，特别是他们在走出Black Parade这条路之后就已经很爽快的拍拍屁股宣布他们跟EMO完全没有关系了，但是如果接着Black Parade走那太艰难了，本来那就是一张概念专辑，再整个复刻版没多大意义，所以他们新专辑走的这步也不失为聪明之举。　 　 首先，除了《NA NA NA》等极少数作品多少还能认出来这群家伙，这专辑几乎又是一次彻底的大换血，如果我不知道的情况下，有人突然递给我首《SING》，然后跟我说这是My Chemical Romance写出来的，我估计会跟他说你坑爹啊(最邪乎的是SCARECROW吧，那个副歌的调调直接穿越到Smashing Pumpkins去了)...面目全非最大的优势就是让人没法跟乐队之前的作品比较，因为在纵向上不同的风格完全没有可比性，Black Parade也是一样，他们不承认也没法抹杀Helena时期的创作理念--每首歌直接而不加过多修饰的编曲，不太讲究意象的曲折性而是赤裸裸的表达，这些都和EMO的特征相契合，但是像后面这两张在根本上的理念都发生了巨变，这次的创作干脆连Black Parade都一并区别开来，它不仅不像乐队前期风格，更不像Black Parade，这样至少可以让一部分打算在创新环节声讨的听众稍微消停一下了。　 　 另外，它又不是完全摒弃了Black Parade的一切，它扔掉了内部的核心内容但是继承了结构上的概念专辑创作方法，把情景发生时间定在了未来，对于过往人生的感慨悲怆换成了“神奇四侠”拯救地球这种漫画书的套路，围绕着这个故事又展开了新的音乐情景化表达。在我看来概念专辑这种东西就相当于没有画面的原声，每首歌都重在具体场景描写本身相对独立，衔接起来又要保持故事的整体性，为了让听众尽可能的融入到故事里，可以动用一切可以利用的素材，这是个精细活，不费点功夫折腾都不好意思拿出来得瑟，连乐队形象都要配合剧情搞出一套新花样。确实，我听到了诚意，你非要让我说这专辑很烂，我实在是开不了口，咱先不论风格，这些歌捡出来几首那个旋律和编曲那是明显动过脑子的啊，不是随便糊弄人的东西(虽然专辑后半部分听的我已经跑神了，所以还是比较偏向于包括Party Poison之前那节，且剔除第二单曲)。有了BP的经验和延续之前的Green Day制作人掌舵，专辑的整体起承转合安排也算完满，所以对于一个粉丝来说，他们能交出这种答卷我已经很感动了，没有听到有骂娘的冲动我跪谢苍天(如果他们整张专辑都写成第二单曲那个样子我会骂娘的绝对，那是催眠曲==||)！　 　 但是（介奏是传说中的转折句），分裂到一般听众的立场上，其实我感兴趣的不是这张专辑，我更想问个问题：哥，你们打算下张专辑咋办？　 　 从变身成黑色游行队伍之后内们就彻底跟EMO say Goodbye了，爽快的把昨天抛在脑后，搭配着钢琴的敲击和进行曲的鼓点，用戏剧化的抑扬顿挫代替了直白的宣泄，转脸玩起了Queen的那套华丽丽的玩意。这张我听着听着会突然冒出一个想法说他们是不是走的太远了。什么未来世界超级英雄激光大战，为了营造这种氛围，大量加入电子元素，甚至连人声都经过了失真和叠化处理，像《Planetary(GO!)》去掉朋克的元素那就是首赤果果的Disco舞曲，还有一部分歌基本已经Pop-Punk化了，正是因为这是张概念专辑你可以说是剧情需要，这是种很讨巧的解释，这样整体下来并没有什么过失。但是事不过三啊，下次你们打算怎么玩？再玩概念就算你把Punk的核踢掉那也是重复。乐队是要创新没错，但是每个乐队都是需要有魂魄留守的，你的外壳再变幻莫测总要有一样东西让人一提起你的名字就能马上描绘出它的特征，那是一条贯穿作者创作始终的中心线，也是一个乐队独一无二的性格，一直在概念上投入太多精力而不是确定自己的特色并且围绕着这个内核探索外在的表现形式，走的太远也就离迷失不远了。 　这就好比我们玩一个历数乐队性格的游戏，在瞬间让你说出MCR的特征，你回答什么？EMO吗？还真不是我说的而是他们自己说的他们与EMO无关，而且这最近两张专辑你跟我说它是EMO那还真的是见鬼了...还有什么，歌剧摇滚吗？歌剧摇滚你妹啊，只弄一张带歌剧摇滚范的朋克专辑就这么说会被人打的...狂玩概念用额外的素材和风格贴片来满足一张专辑的需要，那未来剥离了这些光怪陆离的概念，只让你用自身的特质去表现音乐的时候，你们是打算当没说过一样重回EMO阵营还是继续概念之旅，又或者找到新的定位，我期待下一张专辑的答复。说实话，正是因为他们前后变化过于剧烈，小人不才到现在都不能言明除了Punk乐队之外他们的第二特征(不过我对Gee讲故事的能力和画画水平倒是很有印象)，难道我以后要叫他们“概念全能”乐队？可能有人会喜欢不受拘束的全能型选手，但是对于我来说，如果喜欢一支乐队(剔除感性女歌迷的因素==||)，我一定要抓住一个实在的形象，如果没有的话，我宁愿单纯热爱一张专辑而不是一个幻影。“全能”意味着天马行空的自由，也意味着魂魄的缺失，你可以是Anybody，但最终，你可能只是Mr.Nobody...... 　　-------------------------------- 　 　 囧，我错了，果然扯淡不费劲一扯扯好远，我是憋疯了，作分裂女粉丝最后要干的事就是在写《考研政治2100题》的时候听《Bulletproof Heart》，然后脑内内们这帮熊孩纸前来拯救我等无聊的人，“These Pigs are after me”，红毛Gee靠你了，握拳~~

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原载于 《通俗歌曲·摇滚》08年10月刊 想足不出户就体验到旅行的乐趣吗？这并不是什么痴人说梦，旅行可以是徒步背包欣赏沿途风景，也可以是发动引擎呼啸而过，旅行的意义在于用不同的方式拥抱心灵向往之地，所以当人们疲于奔命无暇考虑亲身旅行的乐趣时，或许一些带着浓烈时空感的音乐可以帮这些失意的人们实现旅行的梦想。而这次要去的不是高楼林立的摩登都市，也不是山清水秀的人间仙境，随着一支以美国加利福尼亚州边境小城命名的乐队Calexico，旅客们将要领略到的是一场跨越国界和民族的旅行音乐盛宴。 Calexico的核心人物Joey Burns和John Convertino最初在八十年代中后期亚利桑那州一支唤作Giant Sand的乐队里担任低音贝司手和鼓手，96年两人在德国一家独立厂牌下制作了专辑《Spoke》，随后签约美国Quarterstick Records重新发行这张处女专辑并且为乐队命名Calexico。除了两位核心人物外，乐队还有其他负责乐器演奏的四位成员。把Calexico比喻成一群怀揣亚利桑那之梦边走边唱的流浪艺人是再合适不过的了。在首先发行的两张专辑中，乐队的风格就开始彰显出跨风格和地域性的特质，虽说音乐的主心根植于美国西部根源音乐，但他们却总是在寻求多种风格的交融，我们能很轻易的在Calexico的专辑里听到爵士乐的框架和鼓点，那种小酒馆的疏松惬意就如同听众自己正坐在那里喝着啤酒欣赏现场，而他们也不拘一格地发挥着“拿来主义”，你可以换一首歌去听他们讲述的墨西哥往事，听西部特有的潇洒豪放的吉他拨弦，也可以到西班牙亲自体验弗拉门戈舞的火辣热情，甚至在撩人的手风琴声中，吉普赛少女的长裙黑发也禁不住扑面而来，而为这些绚丽风格作衬里的，竟是带着实验气息的电子音效，这种肆意张扬传统和现代的交融也正是乐队引以为傲的资本。 乐队成立至今已经10年有余了，不算多产，专辑风格总体上一直在保持着这种融合和平衡，只是随着阅历的增长，变得越来越成熟，在音乐的架构上更加注重技巧和章法。随着他们的音乐带来的不仅是地理空间的变化，还有就是他们的音乐里一直注重和发扬的画面空间质感，听Calexico的音乐不仅是听觉上的旅行，还像是观看一场公路电影，在之前对乐队这两位核心人物的采访中，他们都提到他们的音乐极其注重在画面质感上的营造，美国西部电影和配乐则是他们吸取营养的直接来源，而由这点衍生出的音乐概念就贯穿于几张专辑始终，Calexico擅长引领听众在他们制造的音乐氛围里找到自己舒适的感觉，他们的专辑有一半是由纯音乐主导，而且说这些纯音乐是用来连接上下篇章未免太低估了它们的作用，音乐里的唱词只是烘托画面感的工具，这些编配精细入理的器乐片段和高潮和那些纯粹的演奏曲才是专辑里真正的主角，曲子不求长但求适可而止，一张饱和的专辑听下来竟总是有意犹未尽的感觉。试想在这Indie泛滥的时代，有这么几张真正有实际音乐内容的专辑让人怀旧是件多么幸福的事。 如果说乐队的前三张专辑《Spoke》，《The Black Light》，《Hot Rail》都在肆无忌惮的释放着他们的实验激情，在世界各地收集音乐风格片段，再用自己的音乐理念将它融进一张专辑，惊艳的瞬间太多已经无法说清，那么在第四张专辑时，Calexico需要的是一个充满整体美感和凝聚力的新形象，于是2003年专辑《Feast of Wire》呼啸而来，这张对于他们来说意义重大的专辑塑造了一个最完整最精致的乐队形象，就像是对前三张专辑的一个总结，并且还带着前所未有惊人的连贯性，放纵的是每首歌里不变的混合异域风情，张扬的还是Calexico音乐里潇洒的号声和轻快的节奏，但是收敛的却是其他三张专辑里对于乐曲编配的稳重程度，这张集大成的专辑的乐曲编配繁复而多变，而实验气息却丝毫没有减弱，特别是音乐旋律的考究程度也远远超越了前三张专辑，弦乐的迷离优美，鼓点的强弱搭配，高亢的号声伴着吉他拨弦变换的不同风格，不管是乡村摇滚或者华尔兹舞曲，抑或是墨西哥风情，古典抒情片段都被串联地丝丝入扣，整整16首歌曲几乎一首一个风味，一刻有一刻的惊喜。随着这张最成功的专辑而来的是05年乐队和Iron&Wine合作的EP《In the Reins》，当大胡子Samuel Beam温柔的声线和背景氛围里Calexico自我风格的乡谣交融在一起竟产生了化学反应，这张EP还是以Calexico的背景编配为主线，它不同于Iron&Wine的一般风格，也和Calexico惯用的大杂烩风格有些差别，EP里的曲风更偏向根源更加纯粹，而且这里的器乐编配没有喧宾夺主而是为了配合Beam的声音，专门开辟的通道只要是加入了Beam的声音就焕发出异样的光彩，非常自然并且配合的相当默契。这前后的两份作品无疑给Calexico的事业添上了浓墨重彩的一笔。 但是乐队似乎并不想一根筋走到底，可能他们也厌倦了自己做音乐的一贯方式，想尝试一次更彻底的改变，民族性音乐风格搭配虽然多变，但也已经成为了“万变中的不变”，虽然他们的铁杆歌迷很期望自己喜欢的乐队保持自己的特有风格，可是这群流浪实验家们显然更愿意停下脚步，回家静静享受惬意的午后阳光，所以，他们在06年送出了这份叫做《Garden Ruin》的礼物，不说歌曲风格，单从封面上看，这张专辑就和Calexico以往的专辑大相径庭，褪去之前固定的带着工业时代西部怀旧色彩的边境装扮，换上了色彩柔和树枝花鸟的水彩图画，而当听众再次聆听这支曾经的旅行者们的音乐时，却发现他们已经转变为一支温柔的Indie Pop乐队，用单纯起伏平缓的吉他拨弦和温暖细腻的人声代替了以往喧闹激情澎湃的器乐演奏，这张专辑强调了纯粹的民谣抒情曲风，突出了Burns声音的细腻特质，这点虽然在之前的专辑里可以体会，但是听众的注意力似乎永远都被那些或精妙或怪诞的旋律吸引住而无暇顾及这人声的魅力。《Garden Ruin》是一个重新认识Calexico的机会，虽然这场转变看起来并不怎么底气十足，那些曲调固然优美，唱腔固然婉转，但是却少了一份特别的味道，因为这些曲子编排的太过平淡，总有种让人昏昏欲睡的感觉，特别是对于第一次接触Calexico的听众来说，这并不能称作是入门的范本，他们的平民化和流行化虽然代表着他们自身的变化，但对于初次接触Calexico的听众来说，他们可能因为这种风格太常见而对专辑失去兴趣，而且就专辑的整体质量来说，它也并不足以向Calexico之前的任何专辑叫板。 面对自己的死忠歌迷，Calexico的《Garden Ruin》也很快就遭遇了尴尬，这种水平差别太大的变化也不是歌迷想看到的结果，所以08年9月发行的这张新专辑《Carried To Dust》与其说是踏向下一站的新步伐，还不如说是场无奈的回归。这样看来上一张专辑是乐队扔出的一块试金石，如果成功，说不定乐队的风格会在此基础上加以延续深入，而如果感觉不太对劲的话，及时回归还来得及，而从这张专辑的封面造型和名称也不难看出乐队回归的诚意，在经过上一张专辑的休整之后，Calexico又打算让听众驾车去欣赏沿途的风景了。 专辑一开场的《Victor Jara's Hands》就奉献出了记忆中熟悉的弗拉门戈之声，西班牙街头艺人吟唱的气氛一下子便被歌曲中间穿插的原音片段调动起来，号声一起，乐队昔日热情的流浪艺人形象又被勾勒而出，之后的14首歌，乐队一边重新塑造着他们之前的音乐形象，用一段段风格迥异的器乐片段引领专辑的走向，而一边则吸取了上一张专辑的理念，把更多空间留给了偏美国根源乡谣的风格，根源成为主线而不再是混合风格中的一个元素，而人声的反复加入也一改以往专辑中器乐片段称霸的局面，这次扬起尘土的旅行是由人声引导，就仿佛在这段驾车自助游的旅行中，听众一直在美国西部小城镇里漫游，而其间穿插的异国风情片段是从车载收音机不同的音乐频道里流淌出来的，比如专辑的第二首《Two Silver Trees》，带着模仿中国古典器乐演奏风格的片段，只是事实上中国风配上歌曲里那个虚晃跳跃的西方流行副歌总是让人感觉有些不伦不类，如果把它理解为中东地区的风味倒是可以自圆其说一下。接下来一首带着淡淡忧伤情绪的弦乐民谣《The News About William》总算让人缓过神来，其后出现的几首异域风情的曲子像《Inspiracion》《El Gatillo》等等都采用了Calexico以往的创作方法，不管是墨西哥边境还是西班牙舞场，Calexico始终都把握着一个适宜的度，把根源的东西潜移默化的注入到这些地域性的音乐之中。这张专辑的安排很容易想到5年前顶峰期的《Feast of Wire》，削弱了乐队刚成立时的锐气和乐器实验风格，转而开始挖掘音乐肌理内部的联系，而经过了《Garden Ruin》的平静，这次回归的Calexico显然还想找回5年前成熟中的飞跃，乐队仍然邀请了一批音乐人前来助阵，其中就包括Iron&Wine的Beam，只是新专辑对于根源音乐的探索深度已经远远超过了区域风格的融合探索。而专辑整体的编配水平较之以往，并没有显示出特别的进步，那些出人意料的片段和生趣盎然的变化似乎一去不复返了，这张专辑只能说是坚实地踏上了回归之路，有改变但是缺乏创意，这样一来下一步去向哪里还是未知数，尘土味是有了但是韵味却消散殆尽了。 以多种民族的音乐风格作养料显然是条聪明的发展道路，况且Calexico对于民族音乐的借鉴也显示出了一定的修养，乐队自身对世界音乐的热爱也让他们不断探索着不同地域不同人种特有的音乐风格，并且做出了相当优秀的音乐作品。但民族的血脉总是带着不可磨灭的印记，就像Calexico，不管表面是如何天马行空汇通天下，背景中挥之不去的还是钢棒吉他发出的那几缕萦绕的美国乡村传统之声。对于乐队本身来说，在擅长的民族风格被运用地接近饱和之后，这支流浪者歌队是开辟更遥远的路途还是固守着这已秋风渐起的亚利桑那之梦，这已是他们迫在眉睫的问题。

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原载于《通俗歌曲·摇滚》08年8月刊，请勿转载，谢了 --------------------------- 众所周知，诗人这个概念并不只存在于文学界，每个领域都有他们自己的诗人，而音乐界称得上诗人的歌者，不一定都有醉人的嗓音，但是当那些用灵魂写就的歌词与旋律交融在一起时，你会自然而然的感受到一种诗的韵律在升腾，可以说，从单纯的歌者到音乐诗人，差别不仅仅是对于音乐旋律本身的掌控，更主要的是对文字和音乐整体的驾驭能力。只有当歌者的精神完全融入旋律，并且能深层次的感染听众，直射灵魂，那才可以称为真正的诗作。 有些人是天生的歌者，也是天生的诗人，就像Mark Kozelek。感谢上帝，因为这是他对音乐诗人更完美的造物。很少有人的声音可以像他那样，纯粹而深沉，随意而性感，自然呼吸间的倾吐超越了任何的修饰和雕琢，张开嘴流淌出的旋律就直接融入了听众的灵魂。他的声音就像是一个魔咒，一个人们永远也不愿意解开的魔咒。就算他的音乐里只有吉他拨弦和声音的简单交织，带给我们的诗意也胜过了千言万语，更何况Mark本身带有的诗人特质，敏感脆弱，略带神经质，害怕失去，留恋一切美好的事物，而幼年的痛苦经历造就了他性格上的内向孤僻，以至于早期他歌词中的描写多半是对自身迷茫，绝望的表达，而且他也极不适应在公众场合的表演，他只是坐在角落里安静地书写自己的痛苦，但是因为有音乐这个媒介，这位惨情诗人间接地感染了我们。其实描述了这么多，还是会有人一脸迷茫，我并不是不想马上进入主题，看着这个陌生名字的谜团被解开，我只是不愿意把这样一位音乐诗人的名字单纯地放入某种固定的框架里，因为不管他的名字是Red House Painters，还是Sun Kil Moon，他要表达的核心都只是Mark Kozelek一个人而已。 听到Mark Kozelek的音乐还是要感谢盗版碟商，至少中国的盗版要比正版博爱的多，那张Red House Painters的《Down Colorful Hill》的盗版CD至今还躺在家里的柜子里，我并没有时常拿出来听，因为这最初的Mark Kozelek的印象太晦涩压抑，他要表达的情绪太容易煽动倾听的人。而后来听完红房子画家的所有专辑，还是依靠网络。关于红房子画家，介绍的文章太多，追忆的文字太多，把这支4AD旗下最经典的乐队之一拿出来评述一番显得尤为多余，对于我来说，Red House Painters代表的只是30岁之前Mark的形象，我更愿意把它当作Mark Kozelek的一部分来描述。你可以说它是把Slowcore/Sadcore的精髓诠释的最出色的乐队之一，也可以说红房子画家从来都没有固定的风格，这就是问题的关键所在，一个诗人的情绪和描绘的图景也是随着年龄的成长而不断变化的，就像RHP最初的三张专辑，如果说红房子画家的风格真正存在的话，那处女作《Down Colorful Hill》和两张同名专辑是最纯粹的红房子时期，也是他们作为4AD旗下最经典乐队时期的代表作品，歌曲中低迷的气氛和笼罩的绝望气息让人倍感压抑，缓慢的鼓点，迷离的吉他，沉重的打在听众的心上，再加上Mark让人心碎的吟唱，这些歌曲就像是在与这个世界无关的角落里写就的，永远都和听众保持着一定的距离，看的出当时Mark是一个极度自闭并且敏感的人。而95年的专辑《Ocean Beach》虽然也出自4AD，但是不管风格还是气质都与前期大相径庭，节奏旋律和歌唱都变得欢快了很多，最初在Mark声音周围包裹的那一层混响也被剥离，这种剥离减弱了Red House Painters身上Dream-Pop的气息，同时对于Mark kozelek这样性格气质的歌者，剥离了这层混响，让声音冲破混沌充斥在歌曲的最表层，也就意味着他已经走出了围绕在自身周围的保护圈，开始和听众进行更直接的交流，也从此宣告Mark Kozelek踏入这个现实世界。当然这也是红房子画家最终与4AD分道扬镳的原因。音乐厂牌总是要维护自身的整体音乐形象，当一支乐队与自己的厂牌不再属于同一气场的时候，分手是在所难免的。更何况RHP后来的两张专辑跟4AD时期相比可以说是面目全非了，但这并不代表Mark脱离了4AD就无法生存，有人说改变是可怕的，其实更可怕的是原地踏步，再好的东西永远是一个调子也是毫无价值的，那只能说是对自身不自信的表现罢了。幸好，我们在Red House Painters的名义下听到了那些不同的声音。 像Mark Kozelek这样的作者其实并不在乎周遭对他的看法，自我而又随性，他不在乎你能接受什么，而只是在表达自己，不断的把自己的想法和情绪抛洒给这个世界，音乐是他们存在的方式，而大众接受与否不在他们的考虑范围之内，如果你接受并且和他心灵相通，那么你就会成为他的追随者并且始终无法舍弃，这种感觉我在Elliott Smith甚至Conor Oberst身上都找到过。当Mark最终迈出红房子的那一刻，也就宣告他会开始下一段的旅程，所以他在发行了几张Solo之后，用一位韩国拳击手的名字为新的开始写下签名，Sun Kil Moon成为Mark的又一个代名词。Sun Kil Moon依然沿用了RHP时期的乐队成员。用Mark自己的话说，更名换姓只是因为自己和大众都厌倦了以前的名字，新的名字总是一个新的开始。 并不是每一位音乐人都能在长时间内保持极高的创作水平，而Mark Kozelek本身就是品质的保证，如果RHP是30岁之前Mark的面貌，Sun Kil Moon就是而立之后到现在不惑之年这个阶段Mark的写照。未来还会有什么变化依然是未知的。《Ghosts Of the Great Highway》作为Sun Kil Moon的第一张正式专辑，也作为Mark新的起点无疑是赢得了满堂喝彩，可以说从RHP时期的《Ocean Beach》开始，Mark表达音乐的方式就发生了质的变化，褪去了极度冰冷和疏离的气质，并且尝试用更根源的风格来表现音乐传达的内容。而Sun Kil Moon延续了RHP后期的那种步入尘世的质感，但是跟后期实验和硬朗的风格相比，Sun Kil Moon则显得质朴温润的多。这张以英年早逝的拳击手作为主题的专辑只有十首曲目，凝练而又充满激情，它在Mark擅长的长篇抒情诗和简短的抒情小品之间找到了平衡。歌词中涉及到的人物大都以非正常死亡方式结束短暂的生命，这些悲剧给了Mark新的创作灵感，这也让一直以Mark个人为中心的歌词发生了改变，他开始为别人的生命扼腕叹息，并且极为真诚的表达了这些感情，在风格的搭配上，一般都是用纯粹的民谣摇滚风格配合弦乐，而其间则由不同音色的吉他拨弦精心搭配，可以说《Ghost Of the Great Highway》是Mark包括Solo时期最有系统性和完整的专辑，这也是我们看到的Mark Kozelek音乐风格新的宣言性阐释。 对于接下来发行的《Tiny Cities》，总是呈现出两种极端的评价，毕竟这又是属于Mark个人的选择，他从现在著名的独立乐队Modest Mouse的每张专辑里挑选出一两首歌，进行重新编配制作了这张专辑，虽然这种翻唱对于Mark来说是很平常的事，只要他对某个乐队或者个人的歌曲有兴趣就会自己再翻新一遍，变成彻底打上Mark Kozelek标签的作品。当年的几张Solo专辑其实基本是围绕着他翻唱自AC/DC的几首歌展开的。除此之外他还翻唱过John Denver,Kiss, Yes等等的歌曲。Mark在几年前The Shins的Live上看到了Modest Mouse的暖场，赞叹于他们音乐里的激情和爆发力，从而制作了这张致敬的专辑，这也是他在自己创办的音乐厂牌Caldo Verde Records下发行的第一张专辑。这张专辑的旋律编配非常和谐，但是不和谐的因素来自歌词，在Mark自己创作的歌词和音乐交融的时候，那种和谐是显而易见的，但是《Tiny Cities》的所有歌词都是Modest Mouse所写，他们的歌词风格和Mark的诗句完全不同，带着漫无边际的遐想，还有些神经质的癫狂气息，随意不修边幅但是很容易让人感觉到歌词里包涵的激情，配合着他们无法被定性的音乐风格，张狂又不失乐趣，但是当Modest Mouse遭遇Mark Kozelek，效果基本等同于一场灾难。这种不和谐就算没有听过Modest Mouse的原版也能感觉到，就像Mark在《Tiny Cities Made Of Ashes》里搭配的吉他拨弦制造了超脱于尘世的灰烬之城气氛后突然出现重复哼唱的“Driking Coca Coca Coca Cola...”这样的句子，整个氛围完全被生硬的打破，而Mark在专辑里选取的这11首Modest Mouse的歌，原来的版本虽然都没有明显的曲调，但是却风格各异风味十足，在《Tiny Cities》里，Mark把他们统统变成了最直白的Slowcore，而且没有了以往Mark音乐里的韵味。这张专辑之所以无法融入Mark的整个音乐簿，就是因为他的选择性失误。其实对于Mark Kozelek的铁杆粉丝，比如我，还是会在市面上出现《Tiny Cities》的原盘时毫不犹豫的拿下。对于Mark Kozelek的音乐，我们只能说喜欢或不喜欢，但是永远也无法拒绝聆听。 比起《Tiny Cities》的随性而为之，Sun Kil Moon今年4月1号发行的新专辑《April》显然是一张经过精雕细琢的作品，也是一张饱和度很高的唱片，整整11首曲子还附带一张Bonus CD，其中收录了四首专辑歌曲的不同版本。对于Mark Kozelek的老歌迷来说，他们可以从中听到红房子时期经典的节奏和行进速度，还有飘渺迂回的歌词，而唱片中的大部分曲目时间都在5分钟以上，这是Mark最擅长的作曲方式。很多作者并不喜欢写这种长度惊人的曲子再配上大段的歌词，但是Mark从红房子时期就表现出他对于Epic类型的歌曲的偏好，每首歌动辄7，8分钟，最长可以达到15分钟。这些长度惊人的曲子也并不像一般后摇风格的纯器乐曲子那样每分钟都在变化，围绕着一个主题衍生出不同层次的变奏，表现的是富有变化和澎湃的美感，Mark的长曲子寻求的是一种回环和融合，像长篇的抒情散文，更像催眠术，它先用重复叠加的相同韵律让你闭上眼睛进入恍惚状态，在他开始讲述故事的时候背景里大体上重复着同样的旋律，变化的细节慢慢潜入曲子，你察觉到了但是无法具体指出它的位置，因为你在被他牵引的状态里行走，思绪随着他的声音走进了他要引领你到达的地点，去看他经历过的事情和他见过的人，其实真的集中精力去聆听这些歌，甚至15分钟以后你都不愿醒来而是想继续跟着他前行。 这种朦胧萦绕的感觉在《April》里达到了鼎盛，开篇曲《Lost Verses》就丝毫没有顾及听众的接受度，以9分钟的长度拉开了专辑的序幕，而接下来的《The Light》也有足足7分钟。整张专辑11首歌持续了1小时14分，就算Mark之前做过类似长度的专辑，他也没有做过像《April》这样纯粹的长曲子合辑，我想这应该是Mark长久以来一直想完成的一张专辑，用他最乐于表达的方式完成一张完整纯粹的散文诗辑。其实专辑总体上起伏很小，它在第一遍聆听上的冲击力要远远小于Sun Kil Moon的处女作，可以说，《Ghost Of The Great Highway》的取胜关键在整体的起伏和感染力，不管是歌词还是编配，都呈现出一种悲悯澎湃的热烈感情，这跟他之前的暗自忧伤是完全不同的。而《April》回归的就是他骨子里挥之不去的哀怨忧伤，这也让这张专辑听起来平稳而隐忍，会让人产生回到RHP时期的错觉。四月本来就是一段容易惆怅的时间，Mark在4月伊始发行这张专辑用意很明显，他要表达的就是对往事和情感的追溯回忆，整张专辑的情绪有着贯穿始终的延续，而变化就交给了个别歌曲风格的选取，在保持基本同等行进速度的同时，专辑里的几首歌像《The Light》和《Tonight The Sky》采用了电吉他演奏慢速的Folk Rock，而《Like The River》则加入了兰草元素，而像《Unlit Hallway》，《Moorestown》和《Tonight In Bilbao》这些歌，都沿袭了Mark后期一贯的作曲风格，他安排声音的方法在Sun Kil Moon成立之初就已经改变，这也是和RHP时期的区别之一，之前Mark虽然有着浓重的鼻音但是每句唱词的咬字方法都是尽量的突出，让那些句子爆破而出，而Sun Kil Moon音乐风格中温润柔软的特质有一部源自Mark演唱方式的改变，他不再强调唱词的清晰度，而是把注意力集中在词与词之间的串联，这让这些歌呈现出与凌厉相反的圆润婉转。值得一提的是，在《April》里我们还能从中听到Will Oldham（也就是Bonnie 'Prince' Billy）和Ben Gibbard（Death Cab For Cutie的主唱）为歌曲作的和声。 想了解诗人的想法，除了聆听他的曲调还要阅读他的文字，Mark的歌词并不生涩，他更倾向于用简单的句子来描画一种氛围，把读者带入他的故事，这首四月散落的长诗有着一个核心的命题--回忆。风格很统一，每一首曲子基本都是用主语“我”去回忆“她”和我之间的过去，“我们”曾经经历过什么，我们彼此拥有的快乐，但结局都是“她”已离去，只剩下孤独的我一人来怀念过往。歌词中还散落着一些他过去也经常提到的经历，而且跟《Ghost of The Great Highway》有异曲同工之妙的是，在那张专辑里总是以有具体名字的人作为叙事的媒介，而这张新专辑使用了大量的地名，他在描述他和这个“她”的过去时经常用具体的地点来表示他们曾经一同走过的旅程，而这从专辑的歌名上都有体现，固定的地点成为了他追忆往事的源头，特别是配合着这些歌曲里反复回旋的吉他和Mark喃喃自语般的吟唱，那种前面提到的催眠效果扑面而来，一条没有尽头的路上，你跟随着Mark Kozelek回忆他的生活，虽然这些经历可能是虚构的，但是这些绵延的情绪却始终挥之不去，你只能在这条回忆的河流里随他漂流。在《April》上市的同时，Mark重新发行了他2002只在欧洲限量发行的歌词辑《Nights of Passed Over》，这本256页的硬皮书里记录了他从Red House Painters时期到Sun Kil Moon期间精选的歌词，书中附带了一张唱片《Nights LP》，收录了从1996年2007年的一些珍贵的现场和罕见的歌曲版本，他还亲自为这本书作序，对于一位音乐诗人，让文字和音乐相互碰撞得到的才是完整。 《April》这张专辑总体还是延续了他现在的风格--一半踏入世界，一半远离尘嚣。就算媒体总是把他和Neil Young作比较，而他确实有些歌曲的基本风格，吉他拨弦都有些Neil Young的风味在其中，但是当Mark的声音响起，他现在变得更加婉转低沉的声音融入进来，所有的假设都被打破了，Neil Young的气质永远是在地面上行走的最根源的音乐人，但是Mark Kozelek的音乐里总是笼罩着一份浪漫主义的迷幻色彩，如果说早期Red House Painters的音乐是完全封闭地下，阴冷隔绝的，那么Sun Kil Moon就是海市蜃楼，你可以走近去观赏它，但是永远也无法真正地保留这份美好。Mark确实从地下走入了这个世界，但是他始终不会和这个世界融为一体，过去的红房子画家的唯一性是因为Mark个人保护意识的强烈，而现在的Sun Kil Moon吸收了更多根源音乐的养分，Mark开放地接受了这些元素给自己的音乐带来的变化，但是他的编配和本身的气质却让这些音乐类型发生了质的改变，他们一旦从Mark Kozelek口中倾泻而出，就变成了只属于Mark本人的味道，这也是为什么他的音乐拥有一份独特的魅力，他可以一直行走这么多年而没有被世俗淹没。其实聆听他的诗篇很简单，只需要一个安静的角落，敞开心灵跟随他的脚步进入他的故事，而周围的世界，可以选择静默了。 P.S:这字数，这翻过来倒过去的，纯粹是失控了，汗，对不住了~~

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原载于《通俗歌曲·摇滚》08年8月刊，请勿转载 -------------------------- Duels,决斗。这个词或多或少带着一种野性和悲壮的意味，而一支来自英国利兹的乐队就用这个词为自己命名，两年前，他们用青春的冲击力带动了英伦著名独立厂牌Nude的复苏，同时也宣告了Duels的横空出世，虽然没有昔日Nude旗下乐队的那份暗地妖娆，但是还是让听众们在日渐疲软的新乐队轰炸中闻到了一丝新鲜空气。转眼间两年过去了，这支现在的四人乐队离开Nude而转投另一家独立厂牌This Is Fake DIY门下，同时在刚刚过去的4月末带来了他们的新专辑《The Barbarians Move In》。 或许是因为这支乐队的经历带给我的感受，我才很轻易的联想到Duels这个词里的悲壮意味，他们带着极强的生命力投入音乐市场的战斗，加入曾经辉煌的Nude厂牌，让这个已经陷入萎靡的昔日王者重燃战火，而且他们确实带来了一些令人惊喜的音符，只是当这些充满野心的乐队跳入这个固定的市场之后，就必然会面临着媒体的选择，很抱歉他们并不是幸运儿，在Arctic Monkey,The Kooks等一批新晋乐队一夜蹿红，他们的同乡Kaiser Chiefs被媒体追捧之时，Duels则和大多数年轻乐队一样被媒体和大众本能的忽略了，经过这第一场战斗，除了在音乐杂志上偶尔找到的几句溢美之词，其他一切似乎都灰飞烟灭了。 就算是我自己，认识Duels也是偶然。虽然在他们的处女作《The Bright Lights and What I Should Have Learned》发行的时候，网络上到处是下载链接，大多数人也是被Nude厂牌的号召力所打动，但是对于我来说，新乐队的吸引力几乎为零，在媒体泛滥的宣传攻势中，其实并没有多少是真正名副其实的，而对于这些完全陌生的名字，我根本不知道迎接我的是什么。后来面对着打口市场这张专辑的泛滥趋势，我抱着试试看的态度买下了这张精装CD，听完之后，不能说我一下子爱上了这支乐队，但是至少我觉得他们值得关注。他们在处女作中表现出的爆发力和脚踏实地的态度确实是像The Kooks这种乐队所不具备的，这些孩子们总是感觉在用自己的青春玩音乐，而Duels却让人暗暗觉得他们的音乐是经得起推敲和把玩的，虽然这张专辑不可避免的有些前人的痕迹，但是在每首歌里，他们都会带给听众一些属于自己的音乐解读。就像开篇《Brothers & Sisters》，虽然是一首普通的吉他流行曲，但是不管是旋律流畅度，过渡还是细节上的处理都有值得称道的地方，专辑前面的部分可以说让人热血喷张，后朋复兴节奏和带着新浪潮舞曲风格的融合既满足了乐队在细节和深度的探索，又让这些歌曲不失现代音乐气息，同时，在这些强硬的鼓点之上还笼罩着一层迷幻的味道，所以考虑到编曲的软硬平衡，这张专辑显然下足了功夫，而经过了一翻热闹之后，我们还能听到像《Slow Build》这样出色的慢板抒情曲，民谣的基调中带着迷幻，让人如痴如醉。虽然专辑中最后的部分让人略感重复拖沓，收尾收得并不是那么干脆利落，但是整张专辑听下来，单就他们的编曲能力和细节把握水平，再加上他们对于自身音乐风格的探索，这张专辑就足以在这些年轻乐队中脱颖而出了。可能他们无法撑起Nude今日的旗帜，相对于曾经它旗下Suede,Black Box Recorder这些乐队的荡气回肠或是别样妖娆，Duels显得太过袖珍，但是至少他们用这张处女作给了Nude一个满意的交代，也给了像我这样路过的听众一份闪光的礼物。 在过去的这两年时间里，Duels给The Rakes和The Kooks做过暖场，还在家乡利兹为Kaiser Chiefs作开场，这虽然并没有什么不妥，但是对于这样的一支乐队来说，多少有些尴尬，只是相对于像我这样的听众这种愤愤不平的牢骚，Duels显然更知道应该用实际方法来获得别人的尊敬，在这个老将新勇纷纷出征的2008年，他们也交出了自己的第二份答卷，这次，除了“惊艳”二字我再也找不出其他更合适的词来形容这张专辑--《The Barbarians Move In》。 虽然Duels的处女作《The Bright Lights...》让人流连，但我始终无法在一开始叫出那声“Wow”，即使他们表现出了一种难得的张力，在专辑风格跨度上游刃有余又不失青春的气息，但是它并不具有这种第一时间压倒性的魄力。而在我听到他们的这张新专辑的时候，我甚至是不由自主的发出了这声感叹，这张专辑可以说是2008年到目前为止最大的惊喜。毕竟面对着自己熟悉的乐队总是很难得到惊艳的机会，因为你对他们太过了解，而且有时候一支乐队在一两年内的风格变化也不会太出乎意料，而对于新乐队来说，虽然他们不容易被定型，但是惊喜却很少，我现在甚至惧怕这些年轻乐队会在三张专辑之内把自己的才华耗尽，然后再无音讯，对于一些摸爬滚打很多年的老乐队来说，他们的资本不是青春而是阅历的积累和扎实的音乐素养，同时还有在此基础上衍生出的实验精神，而对于这些在新世纪之后才成长起来的年轻乐队，他们的道路原本就有着更多不确定因素，但是至少在面对像《The Barbarians Move In》这样的专辑时，还是很难不让人发出赞叹。 如果你熟悉Duels在处女作中的表现，那么这张新专辑带给你最直观的感觉就是：这是两个完全不同的乐队的作品，我甚至可以用脱胎换骨来形容Duels的这次蜕变，脱去了处女作中微微显露的青涩和拘谨，离开Nude之后却让人真切的体会到了“荡气回肠”。整张专辑的基调相对于处女作中的Bright，从封面到内容都变得极端黑暗阴冷，在第一次听完这张专辑时，我脑海里立刻浮现出的词是“妖夜荒踪”，这个来自大卫·林奇的电影《迷失高速公路》的别称，虽然专辑的主体思想和电影相差甚远，但是我想用这个词来高度概括专辑的风貌并没有什么不妥，我们只能猜想乐队把这些年的无奈和奋斗的心酸都幻化成了歌词中一个个的猛兽和障碍，就气势上来说，这张专辑笼罩的强大冲击力甚至让你没有半点喘息的机会，从头到尾一气呵成，这跟他们的Debut有所收敛的感觉完全不同。同时，在制造这种黑暗气氛的同时，他们也相应的打破了处女作中的风格模式，呈现出了一种新的姿态。 第一张专辑虽然融合了几种不同的风格，但是总体上还是保持着正统，中规中矩中透着亮点，但是这张新专辑却完全抛开了顾虑，在每首歌上都寻求着突破，歌曲的独立性很强，每首歌都可以单独挑选出来作Single，但是当这些个体被串联成整体时，张弛有度的排列又让专辑变成了一个无法切断的圆环，跌宕起伏又乐趣丛生，这次他们从始至终都没有让人失望，专辑快要接近结尾的三首歌也是各有各的风味。歌曲的编配显示出了他们以往没有的大气恢宏，吉他音色的变化和搭配更加多样，节奏上更加急速狂野，鼓点和底部铺陈的贝司没有固定的章法，配合着情绪的走向这三者不断变化，碰撞，产生了新的化学反应，相对于Duels的处女作，新专辑中浓郁的迷幻摇滚气息反客为主，占据了绝对的主导地位，而其间夹杂着与处女作一脉相承的朋克的躁动和冲击力，而有些歌曲片段甚至能让人听到一丝Progressive Rock的味道。专辑的相当一部分曲目都是以加强的掷地有声的鼓声作为先导，营造出节奏的基本框架，瞬间抓住听众神经，而之后用层叠的不同音色的吉他声切入主旋律。而专辑氛围的制造，有一部分要归功于背景中的电子音效和大量加入的扭曲的吉他噪音，如果说Duels的处女作中的女声伴唱也是亮点的话，那么新专辑中，这些背景中的和声和伴唱已经完全融入了歌曲的情绪，成为歌曲中不可或缺的部分，专辑的首发单曲《Regeneration》，开头就是以激荡的鼓声和“AH AH”的人声采样进入主题的。而像《Sleeping Gaint》和《Perimeter Fence》都更好的实验了他们制作专辑的概念。 更令人玩味的是这次注入的新鲜血液，也就是Duels在新专辑中融入的戏剧古典元素，这首先表现在专辑的整体风格上，可以说《The Barbarians Move In》会让你在一瞬间想到很多人和乐队，它既有着像David Bowie这样的华丽摇滚先驱身上散发出的味道，又会让人从中品味出Muse音乐里贯穿的巴洛克色彩，同时还有像Arcade Fire那种在宏大的弦乐编排和摇滚的冲击力中寻求平衡的质感，而专辑的整体基调却笼罩在犹如Nick Cave制造的哥特阴森气氛中，配合着专辑总体上的迷幻风格，这让它散发出一种暧昧而多变的美。在每首歌的编排上更是贯穿着峰回路转的欣喜，你以为它要在某个方向上延伸的时候，它突然笔锋一转，用一个干脆的桥段改变了原先的走向，专辑里的大部分歌曲都能找到一些精彩的过渡，同时他们的这次尝试并不是以借助繁复的弦乐来完成的，大多数的歌还是继承了处女作的方式，在不同音色的吉他和弦鼓声和贝司的组合上寻求突破，用背景中的电子音效和人声采样烘托气氛，弦乐的作用我们可以姑且可以称作锦上添花，在专辑的大部分时间里都只是以片段形式出现，在歌曲达到高潮的时候推波助澜，真正作为专辑线索的乐器是钢琴，虽然有时候会听出些巴洛克意味的钢琴，让人自然而然的想到Muse,但是实际上这里的钢琴声并没有Muse音乐里编配的华丽繁复，带着那么多浪漫主义音乐色彩，而是注重于写意，在某些时刻钢琴中更多的是一种布鲁斯的韵味，这在他们的结束曲《The Barbarians Move In》这首蓝调Ballad里有着很好的体现。钢琴音色在处女作中也有体现但是没有这里明显，在这张黑暗的专辑里，钢琴音色只要是出现，都在氛围和歌曲走向上抓住了最关键的点，不管是作为衬托还是主导地位，比如专辑里的《The Healing》，基本由鼓声，背景人声采样和钢琴作为主导，之后由弦乐，电子音效等逐渐丰富变化，而更值得称道的是《Wolvesland》，这是专辑中最集大成之作，钢琴只用了一个下降的半音音阶就制造了狼群出没的诡异气氛，之后钢琴一直作为煽动的工具隐藏在歌曲的背景中。Jon Foulger的唱腔在处女作中表现的相当沉稳，在这张新专辑中，为了配合专辑营造的诡异和变化莫测，Jon发挥了他声音中更有张力的一面，而唱腔中有些类歌剧演唱的风格，因为他的声音特质，所以他在歌曲高潮的表现更像是咆哮。他可能上一秒还在温柔的吟唱，而后就略微颤抖和癫狂地表演了歌曲的副歌部分，你会听到过渡曲《The Wild Hunt》里Jon的缠绵细语，而后的几首曲子里又转换成颤巍巍的神经质的唱腔，有时候甚至感觉他是从牙缝里挤出的那些词句，在《The Healing》里Jon咬牙切齿的唱到“I could chew through the wall and meet you on the outside...”，这些唱腔歌词中戏剧化的元素和专辑的整体风格保持着高度一致，在听这张这张专辑的时候，你所感觉到的是一种强烈的不安，紧张和诡异的暗夜气氛。Duels在他们的这张专辑里投注了浓烈的感情和热情，同时还有孤注一掷的傲气和野心，这些都能从这些作品的字里行间品味出来。 总得说来，Duels不甘心只是安安稳稳的作一支带着张力的吉他流行乐队，他们需要这个机会去展示他们更狂放更有冲击力的一面，而在新作中，他们发挥了以往优秀的细节把握能力和音乐素养，同时大胆的加入了一些新的元素。多重风格的融合，戏剧化的元素，多变的节奏和整体宏大的编曲，让这张专辑不仅在气势上压倒众生，还由内而外流露出一种内省和严密，而且乐队并没有因为风格上的实验而减弱专辑的可听性，他们的音乐旋律还是继承了处女作中的那份干练和谐。跟专辑的名字相同的是，这张专辑流露出的也是一种粗粝和狂放的气质，还带着那种恐惧和优雅碰撞出的双重美感，经历了这么两年的磨练，我想说Duels真的成熟了不少，他们能在这中急速转变的曲风下让人们重新认识他们，并且跟处女作相比，像是迈出了一大步，可能相对于《The Bright Lights...》的精致，这张专辑显得粗糙不加修饰，但是剖开表象看肌理，它又显露出强烈的个人色彩和雕刻的痕迹，他们的实验精神对于新乐队来说非常可贵，而且这次实验应该说还是相当成功的（我又想起了Guillemots的新专辑《Red》，同样也打破了处女作给人的惯性思维，开辟了新天地，但是总的来说，做的不能算成功，勇气可嘉，但是后劲不足，拼贴有余，底气不足）。不能说这张专辑就会让评论界开始鼓吹这支乐队，虽然NME,Q,The Guardian等杂志都给出了相同的高分和通篇的赞美之辞，但是并不代表他们会给Duels更多的关注和市场占有。这张专辑里透露出的野心有一种摧毁性的力量，这和他们的现状对比就更显出了些悲壮的味道，或许他们的热情和蓬勃的野心在燃烧之后得到的还是很少，但是就算无人注视，至少他们尽力战斗过，在这邪恶的夜晚，以Duels的名义...... P.S：当然现在过了俩月听来其实。。。也没有说的这么完美，当时写的时候光顾着说正面的东西了，当然也可能是新鲜期过了~~不过真的算是以情动人的玩意了~~

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