多巴胺@nostal的音乐

至少我知道专辑封面是谁拍的，云迪为时尚芭莎奉献的处女时尚大片中的一张，摄影师 冯海 ... http://www.bazaartrends.com.cn/celebrity/2009-07/page_210664/210664_5.shtml

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继成功推出“世纪伟大录音”（GROC）系列之后，EMI公司开始将目标着眼于“世纪伟大艺术家”系列。奥托·克伦佩勒1964年录制的布鲁克纳第六交响曲在“世纪伟大录音”（GROC）系列中发行，同时被广泛的认作是该作品的首选推荐录音版本。我想很少有人会对在新录音计划早期阶段收入奥托·克伦佩勒指挥的作品产生疑问，但是选择他指挥的布鲁克纳第四交响曲的录音就会有些引起争议了。虽然对于大多数指挥家来说 第六交响曲较第四交响曲而言更令人难以理解。克伦佩勒却似乎连第四交响曲的主题思想都没有搞清楚。 克伦佩勒的指挥一如既往，在这里他以非传统的方式来处理乐曲的速度。通常他都以较慢的速度来处理作品，对于这个演奏录音，他的诠释明显较通常意义上的处理速度要快，当然谐谑曲除外。克伦佩勒以一种相当沉闷的情绪来演绎谐谑曲，有些类似与（但是或许没有那么鲁莽）他诠释的贝多芬第六交响曲中“农民们的尽情欢乐”乐章的处理手法。就整体演奏而言，克伦佩勒指挥布鲁克纳第四交响曲用了61分钟，比这个作品的其它代表录音慢了3-8分钟。比如，约胡姆(DG 1965) ，伯姆 (Decca 1973), 卡拉扬 (DG 1975), 海廷克(Philips 1985) 以及万德 (RCA 1998)的版本。他诠释的谐谑曲乐章几乎比通常的其它版本要慢几分钟。这是他的演奏录音与其他版本之间相当显著的区别。其它的乐章听起来似乎又有些快，尤其是第一乐章的处理速度最为明显，这样的处理削弱了乐章开篇圆号呼唤回应的神秘感，同时作品副标题中的浪漫主义色彩也被轻描淡写诠释。然而，这似乎是一个关乎个人处理风格的问题，克伦佩勒的处理的确源自个性化的角度，中肯的呈现同时完美的得以实现。这个演奏还有录音都是辉煌壮丽的，令人惊异的是它比1975年的卡拉扬的录音版本更为清晰透明，虽然在当时看来卡拉扬的录音已经非常优秀。 正如布鲁克纳的许多交响曲一样，第四交响曲的创作也是一个曲折的历史，它经历了各式各样的修改，这导致了如今有若干个版本存在的现实。尤其终曲乐章给他带来极大的烦恼。基于1878-1880年的版本创作的作品，经受住了时间的考验。第四交响曲首演于1881年，这部作品或许是布鲁克纳最容易被理解和喜爱的作品。它是开始探索布鲁克纳音乐艺术的最佳起点。不过，幸运的是在选择这部交响曲录音版本时。这样的版本困扰的问题不是很普遍。几乎所有的版本都采用1878-1880 乐谱（有明显差别的初期和后期版本，本来仅作为学院的教学用途），既然如此，哈斯1936年版本和诺瓦克的1953年版本其实非常类似。尽管如此，在这个录音中，有个与众不同的织体结构要点，基本上克伦佩勒采用的是诺瓦克版，同时他还选用了很少演奏的哈斯1944年版中的一个变奏，这样的编排导致了开头的三重奏部分采用双簧管（而不是长笛）和单簧管奏出迷人的旋律，营造出一种相当奇妙的效果。 简而言之，这是一个由伟大指挥家演绎的非常具有趣味性的演奏录音。它会让你重新来审视这部作品。但是这个演奏录音既不是布鲁克纳第四交响曲首选推荐版本，同时也肯定不是最初欣赏第四交响曲的乐迷的入门版本选择。任何一个在本文中提到的录音版本都是较为值得推荐的。海廷克的版本凭借其直接的诠释方式，出色的音效，低廉的价格以及同时收录的第五交响曲壮丽的诠释成为最无争议的引人入胜的版本。（EMI）切利毕达奇的指挥慕尼黑的这部作品的录音也值得一听。这个富于灵感的现场录音演奏刚好是克伦佩勒版本的对立面，这个版本长达79分钟受欢迎程度不仅仅停留在表面上。 同时收录的作品是瓦格纳的“齐格弗里德田园诗”作为唱片的首个曲目。这是布鲁克纳交响曲的标准搭配，不过我是第一次见到在同一张唱片中如此这般的曲目搭配（和一部处理的相当快度的交响曲一起，）在这里，布鲁克纳的演奏看起来似乎不是独特的个性化风格。然而，对于如此温暖和热情的诠释处理，这绝不是一种批评。与其它许多版本不同的是 演奏中声音的量感几乎比首演的声响大不了多少。（1870年圣诞节在“瓦格纳的台阶”的演出）。 一张非常有趣的唱片，但是对于初涉布鲁克纳作品的人来说，该录音不作为一般性推荐。最终，我还是有些许失望的，但是克伦佩勒的诠释演绎还是值得聆听一下。

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同音乐与艺术公司发行的那个版本相比，这个演绎的最后一个乐章几乎是慢了将近二分钟。然而，正如他1953年为Vox公司指挥的那版录音，霍伦斯坦赋予音乐更为宽广的空间，从未匆忙，总是时刻注意情感的深度，此时小心谨慎地控制防止音乐四处飞溅造成过分戏剧化的效果，同时，而不是与第一个乐章相抗衡，霍伦斯坦总不是这样的来处理的。最后的高潮将作品引向终曲，那是一段非常安静和令人宽慰的乐段。结尾的乐段并非像先前演奏的版本那种非常麻木的感受，但是深层次的宽慰的感受却是如出一辙。顺便说一句，在那个伟大的高潮部分，别忽略了124-125小节小提琴合奏部分那三个下行的“sforzandi”，霍伦斯坦指挥下乐团的演奏将他们三个分割的恰到好处，不像大多数指挥将它们融合起来处理。这是忠实于马勒乐谱的又一个佐证。 这个新发行的录音承载了马勒第九交响曲的一个伟大的演奏版本，它不应被这部作品的爱好者所忽视，同时我们也不能忽视这个指挥。这是那种从各个方面来说都非常出色的版本：像1942年福特万格勒指挥贝多芬第九的录音一样的经典录音。一个无法再现的经历值得去聆听欣赏，或许这个版本太忠实于表达马勒的意图了而不能去多次重复欣赏，不可避免的这个版本带有鲜明的现场录音（战场般的）印记，但是可以把这作为荣誉的徽章。像所有的取自现场广播的录音一样，它具有那种音乐厅剧场那种紧张感的元素，理应可以跨越以往的那些对指挥与声音效果的担忧。 作为对比参考的版本，首先你应将注意力转到那些诸如：海丁克版本（(Philips 50 464 714)）、巴比罗利(EMI 7 63115 2)、瓦尔特(Sony SM2K 64452)、克伦佩勒(EMI 5 67036 2)或者是布列兹版(DG 289 457 581-2)录音室的录音上。虽然与现场演奏的录音截然不同，可进行比较的是布鲁诺瓦尔特在1938年(Dutton CDBP 9708)录制首个马9的录音，与霍伦斯坦录制的马勒作品唱片应同属一高度境界的演绎。然而，1966年的版本应该收藏在你的唱片架上，而BBC传奇版本可作为备选。如果你已拥有了早在4月份音乐与艺术发行的那张的演奏录音，如果的立体声录音里面没有其他更好选择的话，我建议这张你也要买。 唱片中1967年亡儿之歌的演出不太令人满意。究其原因，我感觉珍妮特贝克尔没能真正领悟霍伦斯坦对这部作品那种质朴而又晦暗的理解，我们从Vox公司出版的与诺尔曼福斯特合作的录音质量较好的那个版本中可以听到他对作品的见解。贝克尔本人是一个非常投入和情感充沛的歌唱家，但是，本片中她的声音表现有些过于干硬而且演唱不够投入，呈现出的效果有点平淡。我一再强调霍伦斯坦对这部作品的处理手法，因为录音平衡是来自于广播中这个声音效果差强人意的单声磁带，这个版本让贝克尔的演唱声音盖过了乐团的伴奏，因此的确很难搞清楚霍伦斯坦的处理手法所触及的伟大程度。虽然，声音没有失真。但你得调整音量旋钮来保证你对贝克尔纵情歌唱的是否感到舒适。 仅仅八周之后，她就与巴比罗利合作在EMI录音室录制这部作品（5 66981 2）。欣赏了本片之后直接去听EMI的这张，你会听到演唱家与伴奏乐团是如何天衣无缝的配合。她对作品的理解与巴比罗利不谋而合：激情澎湃，与马勒的悲悯遥相呼应，心碎之感和心灵的痛楚充斥着整部作品，我在想是否她在爱丁堡演出的当晚已然预见了到了与巴比罗利合作录音呢。另外，EMI版本光辉灿烂的声音效果使我们可以听到巴比罗利的演绎的确是活力四溢，管弦乐团几近完美的的表现，细节淋漓尽致、纤毫毕现，历历在目。每一次贝克尔与他的老友约翰爵士的合作都让她更为欣喜，我偏爱他们的合作录音。我很高兴能把它与霍伦斯坦的录音一并纳入收藏宝库。 每个热爱马勒音乐的乐迷都应该拥有这个第九交响曲的录音。所有那些将音乐放在首位以及对现场演奏关注的爱乐人都应该珍爱她。

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乐曲不停顿地径直进入第三乐章滑稽回旋曲，那个夜晚的演奏就是这样的。霍伦斯坦这样的处理手法看起来的确是想要我们注意到这二个乐章的共性-强调丑陋和讽刺，而不是能量和动力。我认为，毫无疑问的他采用相似的稳定速度，尤其是马勒在乐句交汇处进行讽刺时，意味着音乐的涓涓细流清澈地凸现出来。然而，我仍然想知道事实是如果伦敦交响没有重新调整速度，存在于其余部分背后的事实是，第三乐章的演绎尤其是在合唱部分显然充满了大量的滑音。音乐中的对位部分是非常重要，但这并非是问题产生的根源，尤其是那些热衷于完美演绎的乐迷。一个明显的失误是在尾部的几个小节中，定音鼓进入早了几个小节，抢在主要乐段之前，会让任何一个熟悉这段旋律的人侧目。尽管如此，将这种失误置于一个前后连接的乐句中就像伦纳德伯恩斯坦在DG的现场录音中在第四乐章的118-122小节出现的错误一样。那里，整部作品的高潮部分，需要来自各个声部的最大限度的能量，柏林爱乐的长号声部就那么停止演奏了。进入的或早或晚是一种情况，但是根本就没有进入就是另外一回事儿了。我常常在想这样的愚笨的错误究竟谁来承担其咎，指挥或者乐团？那么显而易见的技术错误，真像是“挚爱老友的脸上难看的粉刺”从未让这个录音版本从许多这部作品的推荐名单上消失—或许它不会消失是由于伯恩斯坦对于马勒作品生机盎然般的处理手法的确吸引人吧。 当然，另外一种观点是在演出的过程中任何的不精确只会增加我所提到的现场演出时候那种“ 脏乎乎的闹哄哄的”的印象，是那种一尘不染的录音室版本的解毒剂。我比较赞同这种观点，正如你所期待。但是，有一点你需要了解在重复的段落那些错误会变得折磨人。当然，在名气不大的艾尔伯特音乐厅的穹顶上安装白色的巨大校音托板，音乐厅的回响声才被调教好。此前的一年左右的时间里，对于演奏家来说很难能清晰地听到他们自己演奏的声音。我猜那也会解释为何五个月前在音响更干和没有回声皇家音乐厅伦敦交响乐团演奏该乐章效果会更好些的原因。除这些原因之外，实际上我认为这个乐章的诠释还有进一步挖掘的潜力，但是这种情况与霍伦斯坦的指挥理念关联更大而非交响乐团演奏中的任何奇思妙想。没有哪个演奏比得上另外一个现场录音，即布鲁诺瓦尔特在1938指挥的乐章的演奏中释放出的那种“支离破碎”的癫狂之感，虽然在技术层面来讲，维也纳爱乐的演奏较1966年的伦敦交响乐团要逊色，不过，我仍相信瓦尔特诠释这个乐章的手法应该是最为贴近马勒的创作意图。像一条完整的生命之路，我们眼睁睁的看着整个架构土崩瓦解。我觉得霍伦斯坦也没有处理好如何将唱词部分置于乐章核心部分这样的问题。比如，与此相比，海丁克在他录音室版本中就处理得相当完美或者瓦尔特在他现场录音中处理的较为恰如其分。 伦敦交响乐团1966年的版本在整部作品的前后脉络中，间奏曲听起来，未能传达出天边地平线的那种较为崇高和与充满抚慰感的境界，能够真正使听者为之动容或者说点燃我们的心绪，采用一种较慢的速度会有所帮助，但是主要素材的速度很大程度上妨碍它。所有这些更加深化了那种感觉，即先前我提到的对霍伦斯坦那种将这部作品处理成彻底的失望和慰籍的观点。虽然如此，或许这也并非是他所思所想。当主要的素材反复时，霍伦斯坦没能表现出同他四月份指挥时同样有效的逐渐增加速度的处理手法，使我得出这样的结论那次现场演绎药好过唱片中的这个。很遗憾，四月夜晚的那场演奏的音响质量是如此的差强人意。 就这一点来说，让我举几个值得注意的例证，当霍伦斯坦指挥演奏第三乐章时，他对乐谱中音符孜孜以求的关注。乐章中第39小节的前2个小节和后9个小节，单簧管吹奏出一个主体的回旋幽默曲的素材，大多数指挥指导团员突然加速来演奏这二个至关重要的感叹表情。有时这样处理是非常具有戏剧效果。乐谱中却没有如此处理的明确标记，音符上没有诸如像在第二交响曲第五乐章的21小节的前2个小节中的短笛和长笛那样的“加速”表情记号。这个方面，伯恩斯坦在DG录制的现场录音，单簧管组在第二次进入时，加速到了一个何等的程度，伯恩斯坦这样的处理在乐谱上找不到任何依据。然而，霍伦斯坦几乎是唯一（我觉得，米特罗普洛斯可能是另外一个例外）按照马勒原谱来进行诠释的指挥。换句话说，对于二个单簧管的进入没有作或者几乎没有做任何的改动。然而，请你我不要太过于关注乐谱音符的细枝末节。我们是音乐爱好者不是计算器，马勒自己也曾经说过：“指挥的艺术演绎出乐谱中没有出现的音符”，这一点，谢天谢地，那些最伟大的指挥家们一向都，乐谱中的确存在着音符，但是乐谱中也蕴含着音乐的精神。最为重要的是什么是乐谱中音符的精神所在，而且，这里的指挥家，霍伦斯坦、米特罗普洛斯、库贝里克可能是所有指挥中最伟大的马勒作品的指挥，他们都倾尽全力以迥异又难分伯仲的方式演绎马勒的作品，让乐谱熠熠生辉。

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