playdead的音乐

耐着性子又听了好几遍，还是觉得很差，起码比起之前的3张，真的很差。 差在哪里？ 1.歌太长，没有必要的长。如果只是不断的重复同样的节奏，缺乏吉他和鼓在情绪上的推进的话，这歌就没有必要长了。 2.编排太简单了。和前几张相比，感觉真是在草草了事，尤其是鼓。 3.吉他太娘娘腔，像Rather Be这种歌，配上SB和声，和克里斯蒂娜的歌没啥太大区别了。 4.人老了，嗓子的确是不行了，又要说到Rather Be了，末尾高潮部分的鸭叫真是不敢恭维。和a new decade的初试声啼真相去甚远。 5.录音不好，低音鼓几乎听不清，贝司那叫混啊，吉他就不提了，总之就是混在一块迷幻死你。听过之前的一些现场，和前几张的歌混一起听感觉都还不错的。 很多人说这张是回归迷幻之作，说像第一张和第二张的人都有。我只能说是神似。毕竟是The Verve，感觉上的东西毕竟还在。但我更愿意说它像Urban Hymns的B-sides. 和第一张比，吉他力度明显不够，和The Sun, The Sea, Slide Away, Star Sail这种歌就没什么好比了，和Already There,Virtual World这种歌比显得太现代了。 和第二张比，那就更没啥好比了。

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十年前，人人都在听Radiohead；十年里，人人都在听Radiohead；十年后，人人还是都在听Radiohead。 十年前，一张号称“宇宙大碟”的叫作《OK Computer》的唱片一拳击破Britpop光鲜亮丽的完美幻象；十年后，当Computer越来越OK，OK到人人的Computer里都有《OK Computer》的时候，一张名为《In Rainbows》的唱片通过Computer，对准唱片工业的心脏击出了重重的一拳，这一拳让那些唱片公司老总吓得抖三抖之余也让我们明白，Computer真的是到哪里都OK！ 从对音乐形式进行革命到对音乐形态进行革命，Radiohead用十年时间完成了这样一种里程碑式的过渡，采用官网下载（随便你付多少钱，不付钱也可以下载）和官网订购并行的行销手段，不仅提供了一种全新的唱片发行手段，而且进一步深化了“独立音乐”的概念。 持续走在时代的前头，超级乐队Radiohead果真是不同凡响。当然，Radiohead也绝对不会让这种革命流俗到“假大空”的范畴之列，《In Rainbows》仍然是一贯的优良品质。而Radiohead也在这张专辑中选择折衷，折衷于《OK Computer》和之后的以电声为主的几张专辑之间。那些喜欢Radiohead激烈暴唳的吉他失真和曼妙旋律的歌迷该是高兴的时候，当然喜欢电气化的Radiohead的歌迷肯定免不了要失望了一番。一句话，如果你最喜欢的Radiohead专辑是《OK Computer》的话，那么《In Rainbows》也许将会继《OK Computer》之后，成为你第二张最喜欢的Radiohead唱片。 专辑在《15 Steps》一阵紧密的鼓声中开场，夹杂着电子打击乐器，至歌曲结束前一直保持着同样的电子节拍，温和的吉他和弦以及过渡桥段中Thom在背景声中标志性的凄美吟唱让人倍感亲切，即便是到处充斥着各种采样和跳跃的电子效果，这首歌依然显得非常温情。《Bodysnatchers》分成两段，前半段由急促的节奏和凌乱的吉他演奏组成，伴随着各种各样的吉他失真效果，Thom Yorke的演唱也显得有些歇斯底里，歌曲行到中段突然间纷杂的效果和吉他失真完全不见，转而由木吉他和电吉他滑行效果组成过渡桥段，然后歌曲的后半段开始在这个和弦上进行不断的堆砌和构建，旋律逐渐激烈上耳，歌曲结束前的吉他使用更是让人回想起了《The Bends》时代。 《Nude》以静制动，空间化的制作效果以及背景宏大的弦乐甚嚣尘上，Radiohead进入到了另一种他们善于拿捏的方式。其实死忠歌迷对这首歌应该很熟悉，它其实是Radiohead一首从未发行的曲目《Big Ideas(Don't Get Any)》，早在1997年前这首歌就已经写就，Radiohead在那个时期的现场常会演唱该曲，可他们却从未将它以任何形式发行，此番新瓶装旧酒的推出也是让老歌迷们怀念万分。 《Weird Fishes/Arpeggi》继续《Nude》的情绪，不紧不慢地构建着它前进的步伐，多种乐器以及和声的混合以及不停的交替变化使得这简单的过程显得并不单调，Radiohead这种从头至尾稳步构建、万变不离其宗的编曲方式也是他们的特色。《All I Need》的编曲显得相当黑暗，从一开始庄重的氛围开始就体会到了一种慢慢压迫而来的黑暗和悲伤，芬克化的节奏和电子声效也给歌曲加上了一层阴冷的机械感。后半段钢琴的插入和镲片的连续击打将这种情绪激化，Thom Yorke不停重复呻吟着“It's all wrong，It's all right”，英国病人的矛盾在激化中愈演愈烈。 《Faust Arp》短小精悍，看似简单的木吉他其实蕴含着复杂的和弦变化，这也是Radiohead的特色，加上弦乐的搭配让这首歌显得极其安静，Thom Yorke不停地念唱着晦涩难懂的歌词，过渡段的木吉他独奏也显得清新动人。《Reckoner》开场的鼓声引人入胜，“叮叮镲”的使用恰到好处地起到了渲染氛围的效果，吉他声缓缓流出，随着Thom Yorke凄悲的吟唱，动人的旋律开始沁人心脾。于是你开始沉浸在那种效果里，本以为歌曲就会这么继续下去直到结束，但所有乐器突然停止，在一段和声过渡之后，一缕动人的弦乐缓缓流出，在衔接编排上充满了戏剧化，虽然比不上《Paranoid Android》，但又是另外一种韵味，它更华丽，更自然。 “I don't want to be your friend/I just want to be your lover/No matter how it ends/No matter how it starts”这大概是我最近看到过的最感人的表白方式，《House Of Cards》中，Thom Yorke慢条斯理的唱出了一个遭受拒绝的男人的苦闷，背景稀疏的吉他音墙也增加了一种苍凉感。《Jigsaw Falling Into Place》和《Video Tape》分别是《Weird Fishes/Arpeggi》和《Reckoner》的翻版，但也是各有特色。专辑最后在一阵沉重的钢琴声中完美谢幕。 在写这篇乐评的过程中，得知Radiohead新专辑在网络上发行一天后，下载量就已经达到了120万张，就算平均每人只付了五便士，他们也在两天内赚了整整六万英镑，足见Radiohead的影响力，不知道十年后的今天，是不是人人依然还都在听Radiohead。

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伦敦的冬天，一个属于忧郁的夜晚，一场迟到的谢幕演出正在悄然上演…… 曾被前著名独立唱片公司Creation掌门人Alan McGee（在Creation后，他创办了Poptones）看中，被媒体誉为“新Libertines”的Special Needs继承了Pulp的跳跃性音乐肌理，沿袭了Libertines的朋克模式，构造了英式音乐在二十一世纪的华美篇章。可惜的是他们遭到了Poptones日趋见长的民谣倾向的始乱中弃。随后的Mercury在签下他们不久后也将他们扫地出门。在多方联系后，他们依然找不到新东家，为了各自的发展，他们被迫解散。留下了一张遗作《Funfairs & Heartbreak》。一支如此具有创造力的年轻乐队就这样被遗落在冰冷的街角。幸亏有一个美国独立公司Reaction帮他们发行了专辑，也算是一种安慰。就这样，一支在新世纪的喧嚣中传承英式柔情的伦敦乐队在2006年完成了它的谢幕演出。 Special Needs的音乐很简单。它的特色在于很好了调配了歌曲的轻重缓急，在节奏感的把握上非常出色。而它真正的过人之处在于，一首歌在快慢桥段结合上的精妙处理。比如“Convince Me”这首歌，前两分钟是快慢结合，有条有理，当唱道最后一分钟处，情绪突然一转，顿时让人用一种凄美的心境去迎合，就在这种人类心理最脆弱的状态下，迅速俘获你。Special Needs的音乐能营造出这种效果，除了出色的编曲外，更多的要得益于Skips对鼓的驾驭能力。在“A Town Called Angelica”和“Blue Skies”两首歌中充分体现了鼓手Skips对节奏的掌控力和创造力。散乱而不凌乱，急促而不生硬。一首首轻盈精致的小曲就这样横空出世，大珠小珠落玉盘般地打在我的心口，投射出人生百味。美好的童年回忆、对朋友的调侃、对逝去爱情的祭奠…… 站在人生的十字路口，我们是迷茫的，但只要对生活充满期望，对梦想抱有信念，前路便会柳暗花明。而这就是专辑的主题。主唱Zac用几乎各种情绪来演绎它们，自嘲、自怜、悲伤、忧郁……。但即便如此，专辑的主题依然是积极的，在单曲“Blue Skies”中，Zac唱道：“我不怕失败，一次又一次，在这谢幕演出，我不渴望奇迹”。Special Needs在成立后的多年里虽然受到多方赞誉，但始终无法获得应有的成功，他们似乎已经隐约中看到了最后的凄厉收场。时至今日，当主唱Zac回忆起那段时光时，他依然是带着一种积极的态度。在近期的采访中，他说道：“我在一个音乐论坛上发了一个帖子询问人们对Special Needs现场演出的回忆，不到一个礼拜我就收到了100多个回复。那些热爱我们音乐的朋友，那些携手和我们共舞的朋友，我们带给他们欢笑，给他们人生中一段美好的回忆。所以我们没有失败，没有人可以说我们失败，我们写歌唱歌，一切只为创造欢笑。” 演出谢幕了，而人生旅途才刚开始。我们年轻，我们歌唱，一场为青春祭奠的谢幕演出，此时此刻在我心中塑造了永恒！

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其实不管是什么东西，质朴的也许不是最好的，但一定是最感人的。尤其是在时时处处追求和倡导“和谐”的今天，精神文明与物质文明相统一的步伐，让我们的身边不时地闪现着如霓红灯般的“虚浮”，却很难捕捉到纯真的“质朴”。正因为难能可贵，所以当人们在生活中偶然遇到点点滴滴的质朴便会分外感激，骨子里的那根敏感神经总能被轻易打动。 这大概就是为什么Yndi Halda能够在如今繁荣得甚至有些泛滥的后摇滚领域脱颖而出的重要原因。从这支来自英国坎特布里的五人团体身上，你可以看到一些最为真实的人生态度和最为纯粹的音乐理想。 他们从小生长在英国东南部的乡村，在那儿他们过着无忧无虑的生活。在放学后，听听安静的民谣音乐，摆弄摆弄各种乐器成了生活的调味品。关于乐队，关于他们的音乐，一切都是来得那么自然。在谈到组队初期的想法时，乐队灵魂人物James Vella这样说，“我已经不记得在组队前我们是否有过对乐队音乐类型的计划，其实我们甚至好像从来就没有过要组成一支乐队的决定。我和Oliver Newton（鼓手）还有Jack Lambert（吉他手）是同窗好友，大家经常在一起演奏乐器，谈论音乐。有一天，我们突然共同演奏出一些类似后摇的东西，我们都觉得很棒，然后就开始一起写一些这样的音乐。我们真的没有计划把自己的音乐写得多么多么美，即使是现在，我们也只是更多地去描写一些生活中的情感，包括希望、欢乐、痛楚等等，而不是去模仿那些我们所尊敬的乐队。通过这种方式，我们也不断地改进了自己的创作能力。” 艺术来源于生活。在山顶的谷仓里排练、创作，从日落到日出，暗红晚霞和艳丽朝阳尽收眼底；清晨漫步于乡间，感受着湿漉漉的空气飘来的清香，不时和农场上的猎犬嬉戏打闹一番……脑中顿时浮现出一幅让人羡煞的美丽画面，没有比这更闲适的生活了，简约纯粹。源于此的音乐，源于此的艺术能不质朴么？能不打动人么？ 就这样，James Vella、Oliver Newton以及Jack Lambert这三位同窗伙伴组成了乐队的雏形，很快他们又联系到了小提琴手Daniel Neal和贝斯手Brendan Grieve，五人阵容就这样确立了，他们用冰岛语给自己取名Yndi Halda，翻译成英文就是Enjoy Eternal Bliss，享受永恒的福佑。那年是2001年，所有成员都还在各类艺术学校求学，他们白天在学校里不仅慢慢磨炼了自己的音乐技术和修为，还在电影、文学等方面持续提高着自己的整体艺术素养。等到了晚上，就把这些在质朴生活中获得的所有真实感受带到他们的音乐中去，并不断的摸索，改进。转眼间，四年过去了，无论他们在这四年中进行了多少次的现场演出，听到了多少溢美之词，Yndi Halda还是一群年轻朝气质朴纯真的小伙子，他们还是坚持用一颗平常心去对待生活对待音乐，就在这潜移默化间，他们的音乐俨然已经拥有了巨星的气质。在2005年夏天，他们终于拥有了三首自认为比较满意的成熟作品：《Dash And Blast》、《We Flood Empty Lakes》和《Illuminate My Heart, My Darling!》，于是决定把这三首歌做成一张EP专辑，用乐队名字的英文译名来作为EP的名字，并且自己独立录制发行。他们通过网络接受订单，然后自己手动包装所有CD，通过邮寄的方式卖出。用这样一种原始的方式来传达给所有歌迷一种质朴温馨的态度和最诚挚的感激。 包装虽然简陋，但是实在，何况这三首歌又是如此的精彩。虽然它们和其他的后摇音乐没有太大的区别，他们只是把该有的元素统统表达了出来，用鼓、贝斯、吉他和小提琴描绘出他们自己对音乐的感觉——安逸、绚丽、爆裂、温馨，当然还有无时无刻不显露出来的质朴情怀。但一切就是那么自然，专心地听完长达15分钟的一首歌也完全不会有任何不耐烦，也不会去想去猜他们的下一步，不会去关心他们现在在弹什么，他们的音乐少了很多这样那样的刻意，这些声响自然的就像在原野听到的风声水声。你只要放轻松地闭上眼睛，让Yndi Halda带你翱翔在遥远的坎特布里乡间的蓝天，去真实地体验一下那里的民风，去感受那种在日出日落不断更替中自然流露出的闲适与沉静。 诚然，Yndi Halda的音乐表现形式是华丽的，贯穿始终的小提琴和绚烂的吉他音墙总能构建起一段华美的篇章。一张EP三首歌，每首歌的长度都在十分钟以上，全长46分钟，这已经足够作为一张正式录音室专辑的长度了。复杂的编曲，跳跃式的排列，这是很多后摇乐队都会采用的方式，只是有时候这却成了一种累赘，而Yndi Halda手中的长篇大段却是如此的自然，一点没有刻意去加长歌曲长度以彰显自己的前卫，仿佛这些歌曲都是浑然天成的。而且作为音乐最本质的东西，他们达到了很多其他乐队无法达到的高度——那就是旋律。敏感的小提琴声总能给曲子勾勒出一个几乎完美的走向，让人的思绪就这样跟着它游走，一层又一层，不断地吐露着抑或忧郁抑或高昂的真情实感，它无疑是Yndi Halda的音乐最好的诠释者。而吉他、贝斯和鼓也相得益彰的搭配起来，完全没有谁要凸显，谁又要隐匿背后的感觉，它们共同创造出了这精致高雅却又那么让人愿意亲近的音乐。对于这样的音乐，我们的耳朵永远都是饥渴的。 是金子总是会发光的。这些限量的自制EP受到了大多数后摇乐迷的好评，网络的传播也加快了Yndi Halda成名的速度，很快就有好几家独立厂牌向他们投去了橄榄枝，希望可以为他们正式发行这张EP。最后，Yndi Halda选择了Big Scary Monsters厂牌为他们在欧洲发行专辑，而在美国和日本，他们分别选择了Burnt Toast Vinyl和XTAL这两家厂牌。为了配合EP的正式发行，他们还录制了一首新歌《A Song For Starlit Beaches》放进了专辑，而这首歌比原来三首歌都要长，近20分钟，致使整张EP的长度超过了一个小时，但是他们还是把它称作为一张EP，James Vella在采访中也谈到了这方面：“我们还没准备好要做一张真正的专辑，因为我们目前对《Enjoy Eternal Bliss》还不是特别满意。”对自己严苛的要求再次体现了Yndi Halda对于音乐艺术的那份精益求精的纯粹理想。 不管你之前是否曾被Yndi Halda的音乐感动过，或者你压根儿没听说过他们。但是这支年轻的后摇乐队已经把中国这片古老的土地作为他们夏季巡演的一站了，我们有机会可以亲眼见识一下这群小伙子如何演绎出质朴的音乐，如果你也想在这个喧嚣的夏季着实被感动一下的话，不妨去看一看这场演出吧。

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