影子的音乐

我觉得更偏Ambient，我不明白是post到哪去了。音乐敏感而脆弱，但是微妙的节奏给人的感觉却依然强劲。总是带有一层迷幻的色彩。我一直认为他们的音乐是以气味为重的，就是不注重哪一首歌或是某一个特别的桥段，反而是著重整个聆听的过程，那种被他们特殊气味轻拥的感觉，才是聆听最香醇的时刻。弦外之音的特别质感让音乐听起来涵养丰富，层次堆叠的效果也是溢於言表。他们有著Slow-Core或是后摇些许缓飙低调精神、也有Folktronica般的轻巧细致、更有一把木吉他与民谣的古朴真实，但是诸多元素交杂并不会让音乐过於复杂喧闹，反而是一派的浪漫行进。虽然说注重气味，但这张专辑的美好旋律可没少，还贯彻了低调的精神，几乎每一首都拥有各自悦耳的旋律，让你像耽溺在毒品里一样，一遍又一遍地聆听著。

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你以为这是路的尽头，其实它可以转弯。如果再转弯，就走进了树叶里。象水一样清澈冰凉的夜里，没有其他的秘密。微微发紫的光线里，天空把地上的一切都吃进自己的心脏。你所感受到的所有，就在Kama Aina不厌其烦的和弦叠加里。犹如一粒麝香粉的气味充盈了整个房间。小日本奇妙而舒适的avantpop。挥之不去得无暇女声，缠绕在耳朵里，打了死结。包罗万象，似一片净土的Kama Aina，在情绪上的修饰也愈发有了独立音乐的色彩。你可以称赞它唯美,迷幻,恬静，它充满了回忆似的忧愁。 Kama Aina是日本人，住在东京。他的日本名字是青柳拓次。他和他的同伴们愉快地做着日本DIY folk-pop现场。他们纪录的是一次次微妙而美丽的风波。Kama Aina是夏威夷语“土地的人，岛上人”的意思。而主题“不是在这里，那么是在何处呢？”的感觉我尚未体会得到。如果说青柳拓次是一个复古乐器演奏家，其实更适合他的身份是广泛的旅行者。他的整个创作历程，一直致力于去寻找和收集有趣的声音和图像，从世界各地。他又以一个日本人自己特有的方式创作音乐。青柳拓次的音乐之旅把你带入沉静的内心世界，不管是晴天还是雨天。 Kama Aina完全脱离了现实主义题材。又不与光怪陆离的后现代主义沾亲带故。它只发生并发散主观想象，延伸氛围密度，从而形成完整甚至完美的声音整体。一个四十分钟的度假感觉。一切事物太沉闷，不轻不重，半痛半痒。大人失去童年玩乐的记忆，我们都回头或多或少的妄想怀旧。它有点像某种幼时气味，带着透明的幻想，香甜可口。流动的节拍伴随音乐，像是一场沉默的位移，一种缱绻的味道。轻缓的诉说着良莠不齐的人事，有挥之不去的迷惘和失落。我们猜测，我们向往，我们迷醉，但是我们永远找不到。那么生活严格地沿循着过去的轨迹继续缓慢前进了么。 初听《Club Kama Aina》很有极简主义和自主室内乐的嫌疑，这可能与它是青柳拓次个人的solo unit有关。这种状态的青柳君与在little creature和double famous里有了很大的区别。况且本身这张客席又很纯正和统一。从配器方面掺杂了很多我们未曾听过的复古乐器，大提琴，尺八，三味线，电钢琴，多数我都叫不出名字。但依然是以均衡美的力量在发挥神奇的作用，全部融合静得可以听到心跳的节奏。音符是对称的，平行得排列成烟雾，像激烈的箭鱼互相言语。现实里我走路，我的路迹像河一样开始流淌，上面漂着钻石，阳光只是为了反光。 所谓空间，是有划分所处范围的一个广义概念。空间正是由封闭而隔离出的本身狭窄的形体，在把空间割断或者说无限压缩这点上，Kama Aina做得相当到位。浓厚的扯不开的绵绵室内演奏空间感，以西方的元素和载体承架着非常东方的神韵和美丽。这种可以太多遐想的音乐最适合把全部灯光都关闭，一个人在黑暗里摸索着猜疑或者欢喜。这种体验本身来讲也许很冰冷，许多细节处十分迷幻暗淡。营造了一片广阔而宁静的美妙氛围。从软弱深处给人以力量，坚持着重新开始，像是来自另一时空的礼物。它要来脱颖而出，制造你的surprise。像灼热的阳光从浓密的树叶中钻下来，在地上洒下一盘盘细碎的小光斑。让人想到油画的笔触和那些暧昧的色调。 每一首都可以称之为歌而不是简单的音乐。层层叠叠相互交错，每个器乐的声音独立个性但是又相互融合得天衣无缝，即使是长时间的演奏也不让人觉得厌倦单调，紧凑而富有节奏感。比如《Millport》里蜿蜒如泣的小提琴，《Club Kama Aina》里风琴和吉他冷静的对话，《Glasgow Sky》空漠荒凉的钢琴敲击，从头到尾自省内敛规整而有趣。但最为之一动的还是在整体银灰色调里暖暖的《Car Song》，前奏的部分清新优美而滋生很多无法承受的感动。在寥寥人声的哼唱中情绪变得湿漉漉光滑稚嫩，耳边男女生的合音短小却珍贵，口琴丝丝缕缕的牵扯出雨后透明洁净的青草香。仿佛新绿夏日情怀，犹豫和青涩一股脑儿的涌上心头。无论多少年都一直喜欢这样的声音，有着无法比拟的真诚和优雅。浅淡的讲着往事，丝丝入扣又不觉伤感。 女生的声音像是从很远的地方飘来，我们可以随着节奏慢慢的摇晃身体。仿佛梦游般，半梦半醒之间，翻身醒来或又睡去。在听Kama Aina的时候，感觉会有接近对称的极点，但也只是一个临界的范围，并没有踏入彼岸的纳入范畴之内，达到某种微妙的均衡。 碎拍流转，清清朗朗的姿态，尤为讨人喜爱。如果要寻找一个合适的奇异形象来代表《Club Kama Aina》，那首选应该是微型树木盆景。错落有致的摆设，每个角度都别有洞天，远近高低各不同。利用自然本身的美好，摆脱现实的操纵和关怀。我像怀旧分子一样睹物伤情，对着盆景黯然神伤，想学习文学上的浪漫主义来对抗无意识的情绪波动。这种空想热情的倾向或许更利于社会进步。独立音乐意气风发，没有人知道明天谁还站在舞台上。那么青柳君，你是不是可以走得更远一点。 Kama Aina和Maher Shahal Hash Baz, Tenniscoats 还有 Piana。他们一起制造着叮叮咚咚的音乐，又各自成系统，让耳朵有了更多美好的选择。选择Kama Aina的理由很简单。这是一张慢热的唱片，听着听着就百感交集。快速前行的吉他和流畅的鼓点一直携手至曲终。像清晨冷冷的雾气，不过，一片朦胧的某处，由无数清透小水珠拼贴出的陌生人脸，也露出了灰色微笑。灰尘质感的电音和似乎掩藏在心里咿咿呀呀哼唱的人声还是告诉了我们，一切还需修炼，又或者，某些东西，譬如孤独，无法消解。稍许温暖的同时却依然在暗夜潜行。而音乐也愈来愈轻飘，慢慢融化在空气里，不着一丝痕迹。 从巴厘岛、古巴、苏格兰到日本，Kama Aina的音乐之旅把人带入沉静的内心世界。热辣辣的夏天，有什么是可以留下纪念的。闲谈吃饭，发梦聊天。脱离色块,音律,规则,意念。你怎么理解听到的一切?病友,哲学家,文字写作,噪声工业,马戏小丑,一片轻微的树叶……不仅是纳博科夫的话语权。也不仅仅是话语，我们会一直默默下去，吃下世界明亮的角落。 空旷的合成器音效、时隐时现的钢琴声、慵懒散漫的鼓点。疏离感，边缘感十足。类似于一场午夜骤雨，下完雨，天恰好也就亮了。没有过剩的电吉他的鼓噪，也没有流于过分试验先锋。最简约沉着的木吉他和到位的浓郁的氛围营造。轻而易举的填满了供音乐蜿蜒流动的水道，不霸道也不荒凉。却自有一番属于后现代城市森林的寂寞与遥远。李伯斯金德说，把痛苦收藏起来。于是我们背转过身去，瞻仰建筑物。 让我成为一张地图，漫游于下个世纪。如果将寂静当成音乐，一切会不会更加扑朔迷离。有些音乐不需要记起，因为你不会忘记。犹如一粒麝香粉的气味，挥之不去。

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Drugstore，1993于伦敦成军的团，团名从Gus Van Sant的电影"drugstore cowboy"而来，像许多以主唱取胜的dream pop乐队一样，drugstore的主唱Isabel Monteiro的声线绝对无可挑剔。isabel的声音有种烟熏过的诡异甜美感，气音很重，好像不能平稳地一直唱一条直线，不知道随时要飘像哪里去的感觉，却也可以一直这样有气无力的飙高拉低。专辑中她与thom york合作了一曲"el president"，thom york非常稳实的声线正好与isabel的形成了鲜明对比，但各有各的味道。thom york可以把高音唱得很完美很性感，isabel可以把高音唱得你跟着一起吊着一口气，让你有一种想帮她把这音唱完的欲望。她的嗓音也因此成为Drugstore最吸引人的特质。沙哑与耽溺的怪异综合体，感觉既温柔却又残暴。不得不承认，isabel永远和做作沾不上边。

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就让我们这样从迷蒙的浪声开始，随浮木漂向未知之处。那里没有救生员。无异于是一场冒险。 《Enjoy Eternal Bliss》展示了这队来自英格兰的五人post rock乐队。恍惚、脆弱的气质，尖锐、透明的曲调。没有无意义的噪音堆叠，没有人声神经质的呢喃。Yndi Halda用起伏跌宕的交错，以最本原的姿态，通过几近完美的旋律来诠释难以捉摸的梦想音节。我们都去追究他们许下的承诺，制作新的音乐。淹没在声音的特色，俘虏听众的耳朵。 很多人都试着描述Yndi Halda，并赋予它无数美好的含义。它本身从一开始就凝聚着光明。Yndi Halda是冰岛语，翻译成英文是Enjoy Eternal Bliss(享受永恒的祝福)。《Enjoy Eternal Bliss》可以看作是一个自我命名专辑。尽管乐队最初成立于2001年，杰克兰伯特发挥吉他音色，Brendan是BASS，奥利弗牛顿处理鼓和手铃，丹尼尔尼尔拉着小提琴。而詹姆斯负责glockenspiel,lapsteel,钢琴,月琴和声乐。而所有的成员仍在学校。乐队的领袖James Vella十五岁开始耽溺于音乐之美，如今仍在大学就读的他，已吸引多家独立厂牌的注意。 确切的说，他们还是一个业余乐队。Yndihalda却已风靡网络，走势大好。2005年自产自销EP《Enjoy Eternal Bliss》，每一张EP的封面都由乐队成员手工制作包装，然后邮寄卖出，对于他们的乐迷来说，每一张EP都是独一无二。感觉多么窝心。2006年乐队这张EP由英国厂牌Big Scary Monsters发行，并且比原来自制版本多了一首曲目。而北美版本则由美国厂牌Burnt Toast Vinyl发行。 yndihalda在后摇世界被许多人视为一个耀眼的灯光。但仅在俩年前，几乎没有任何人知道他们的存在。在2005年之前，对于死硬歌迷，yndihalda是站在风口浪尖上的地下乐队，成为这些孩子们继mogwai之后刚刚发现的新天地。Yndihalda的作品也在同行之间赢得好评。并开始得到太多赞誉后摇滚歌迷横跨全球。但是，直到2006年时，《Enjoy Eternal Bliss》正式在美国和英国发行，整个过程将近2年。乐队至今只录得四首歌曲，在这其间，其成员刚好平均20岁。有人指出，在英国，Yndihalda也是一个最好的后摇滚乐队。如果列一个后摇排行榜，他们一定是在名单上的最高水准和未来的最好的后摇滚乐团。 Yndi Halda的音乐仿佛就是一个孤独者的独白呢喃。在充满画面感的，戏剧起伏感与悠扬旋律的乐曲进展中，气势磅礴的吉他音墙与小提琴的优美线条交相辉映，加上丝丝入扣的鼓和bass以及偶尔会出现的人声合唱。仿佛是素描中的阴影，明亮中带着一丝灰暗，交织出一副浑然天成的美景。 与多如繁星强调“大爆炸”的后摇乐队相比，Yndi Halda 所展现出的是更细腻、深邃、精致的风貌。在毫不矫饰、做作的状态下，让旋律本身的美好，直接贯入人心最深处。彷佛对镜般细腻逼真，一切尘嚣早已抛诸脑后，只剩下你自己。然而当音乐逐渐转弱，你以为抵达终点之际，弦乐伴随着吉他以及浓重的鼓点又把人拉了回来，这强烈的戏剧起伏感给予了你新的动力，整个世界都开始盘旋，一切都围着你旋转，风吹着头发和衣服抖动，觉得无比骄傲。 开始曲《Dash and blast》从Godspeed You! Black Emperor式的低沉缓慢中渐渐的开始，小提琴如阳光般温柔却不失伤感的拉奏下显得百转千回，与吉他交替带出令人惊奇的高潮和连续下坠。并最终引爆一个洗净喧嚣欢乐的声音，曙光初现。他们保持了一种感观的高度，在相对缓慢的开端过后变得非常精彩，混合着对立的悲伤和希望，却又捎来舒心的微笑。就像某些人算计着过日子，在另一些人看来是无关紧要一般。17分钟后，享受永恒的幸福的旅程已感到筋疲力竭，但这只是一个开端。 《We flood empty lakes》以大提琴演奏的不断重复的主题开始，之后的吉他爆炸音墙持续了5分钟，然后骤然停滞，依旧是吉他清冽地独自前行。在突然倒退的前景和缓慢发展的新生面前，它如此激烈，急切地想要从那沉睡的湖底涌现出来，以挣脱冰冷的绝望。寂静性质的暴雨过后，温柔变成钟琴、小提琴二重奏，从而成为一个雷鸣般的爆炸，一曲充满力量的"声音"的舞台。吉他流行，鼓蹂躏，而小提琴源远流长。它是一个概括的介绍，引起了广泛的情感。 《a song for starlit beaches》是后来加进去的曲目，与其他三首都颇为引人注目。这首歌开始有一个郁闷的相互作用。小提琴、钢琴，然后慢慢累积起来，但不同于以往的材料是没有吉他音墙。我们欣赏了一场漂亮的，但后劲十足的表演。钢琴慢慢加快速度和小提琴开始尖叫，美丽的小提琴将继续进行第三次尝试。音乐停止后，吉他和小提琴一起关闭了优美的歌曲。情绪几乎总是故意的，是它有一个目标，它逐渐远离了自我实现的那个目标。在生活中，音乐混淆了这个概念，并无直接目的。因此激起情绪的音乐，可以迷失方向，但音乐首先是原始的接触，以唤醒一些自己隐匿的感动。 最后一曲《Illuminate my heart，my darling!》是最精彩的一首，丰富的音响层次，小提琴与单簧管的对弈，以及所有其他乐器的相互交融。周围的音乐空间，弥漫着整个曲子。如果你细心的话，仍然可以听到尖叫声清脆的小提琴。像打了一场败仗之后，以咄咄逼人的吉他，减少大量的混响和延迟。雨过天晴风明媚，一个难以忘怀的平静声波景观。沉重的宛如从深海传来的呼吸声，加强了时间的绵延。完成了对整张作品主题的概括：“无尽的忧伤”或许这时候已经可以去忽略乐器或旋律本身，因为Yndi Halda所营造出的氛围已经让人忘却一切而深陷其中。它会提醒你：你的痛苦记忆何在？小提琴划破了伪装的恬静，悲伤缓慢裂开，渗出一丝丝伤痛的血迹，在毫不退却的吉他面前变得如此脆弱无力。混沌的低鸣渐渐响起，像是要压迫那些赖以生存的自欺欺人，都随着不可避免的未来到来，所有的幻想就此坍塌。吸引我的是那种无处不在的疏离感。 这是一个亮相，乐队的第一次能量释放。每首歌都有着各自美好的时刻，在吉他、贝斯、小提琴等乐器中建立起细微的演变。不同层次的旋涡一波又一波地袭来，因此在这样的繁复多变中倾斜出清净的心潮和宏达的音速背景，而这些又衍化成新生的想象。歌曲是复杂和极具耐心的，由强烈的感情串联而成，Yndi Halda懂得如何创作歌曲，以脱离越来越多技术的限制和无法抗拒的冲动，它将沿着最终的方向驶去。 后摇的问题，在于同一个场景中的界限模糊。范围内分类的边界是公式化的极致。坚持通用公约以一种完全客观的态度。后摇不需要模式也不需要模仿式的杂取。作为情绪的影响，把祝福或诅咒的名词符号化， 听起来不像是一种合并。这是他们发明的影响力。同时代的音乐只有一小撮能打动人的作品，能够使心脏和器乐节奏尽可能完全合拍。 是他们的心境操纵听者的情绪。作为记忆只记得听歌时的想象图景。燃烧的红太阳高过绚丽的大海，无尽的冰川加速融化，扬言要摧毁村庄。既植根于现实，又完全是异想天开。专辑像一部重复的电影。你看过了十几遍，甚至这个时候能说出它一个小时后的情节。从褪色的耳朵里探寻蛛丝马迹。它感到不安，如有些公约已经被打破，不为人知的越过边界，但主要是过瘾。他们在最好的时刻。 来自美国，我们已经有The Sky。日本的Mono吟唱着苦行僧般的长诗呢喃。现在英格兰的爱乐人民表扬Yndi Halda重奏能够震撼灵魂的潮流回响自mogwai的”helicon”days。上述三人都是试金石，但可以肯定的是，yndihalda的以小提琴主导的风格，并不是衍生于某前任。享受永恒的幸福，四首乐曲，一个多小时的专辑，在实践。Yndi Halda缓行于前方飞扬的尘土中。 乐队的Myspace上的评论毁誉参半，一些人说yndihalda乞讨、借贷和偷盗。这些小小的分歧，没有打乱他们的节奏。在一个访谈里yndihalda回应过这个问题。他们说JACK的吉他的确是受Nick Drake的影响，Olly也很赞赏The Arcade Fire的带劲节奏。他们吸收了民谣和独立摇滚有意思的部分，但也确定了自己的声音。坚持长歌不拖，强度维持。他们引起的爆炸在天空，但有较多的器乐的多样性。yndihalda作为一个整体，是一种混合的声音。 yndihalda的唯一明显的缺点是它们接近一路顺风。但就像奥维尔思考的“我们和无数其他的人开始自己的技艺下，严重影响了他们的前辈”yndihalda奠定了坚实的基础。这些家伙证明他们知道自己在做什么以及如何实现最大效果，并正在做一个非常不公正的"业余"身份。 像他们在Myspace上说的。我们在山顶的谷仓表演，打开俩扇门看日出日落。住在谷仓的农场狗都喜欢和我们一起。没有人有老婆，所有人都有父亲。我们不是神的儿子。你们更不需要做神的儿子。 http://www.inblogs.net/kaez

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