mercury_gone的音乐

在我看来，Bella Union，这个由Cocteau Twins的贝斯手Simon Raymond创办的独立公司，它所出版的唱片，或多或少都从某种程度上具有Cocteau Twins的特质，它们从来都不是用语言，而是用音乐，来进行表达的，尽管这些时而舒缓时而湍急的音符对于我们来说，有些抽象。。。 在Cocteau Twins出版第二张专辑的时候，这支乐队就已经完全放弃了歌词作为语言的实际意义，人声只是一种乐器，音乐才是最终的表达方式。我不敢说Bella Union完全秉承了这种音乐理念，毕竟在它的旗下，还有很多诸如Devics、Laura Veir等用人声乃至歌词来进行表达的乐队和艺人，但是我想，像Dirty three，EITS，Departure lounge，Rothko这样的乐队，恐怕才更能代表Bella Union音乐精髓的吧。展现在我面前的这套Series 7 系列唱片，也许正是Simon对自己音乐理念的一次全面诠释（就如同4AD的老板Ivo watts-Russell那样，每隔几年都会召集旗下乐队，做一个This Mortal Coil专辑，来诠释自己的阴暗美学）。 在开始这个专题之前，还是先介绍一下Bella Union公司吧。 　　 Bella Union是在1997年由Cocteau Twins建立，公司建立的初衷仅仅只是给Cocteau Twins发行唱片与合辑。然而在厂牌成立不久，Cocteau Twins就解散了。据厂牌最初的创立者之一、现任老板Simon Raymond说：当时我们都不知道我们究竟在做些什么，然而继续维护这个厂牌似乎是个不错的主意。恐怕这就是Bella Union存在至今的原因。 如果你了解公司老板的艺术取向，你恐怕不难想象到，在Bella Union，乐队和艺人们可以完全按照自己的想法，毫无外界干涉地发展自己的音乐。从早期旗下Dirty three（Bad Seeds乐队的三人组：Warren Ellis, Jim White 与 Mick Turner）、Francoiz Breut 以及 The Czars这些乐队和艺人在业界的成功开始，Bella Union公司逐渐繁荣，并逐渐在业界建立起自己的名声。 事实上Bella Union并不仅仅出版某种特定风格的音乐，这从下面的几支风格迥异的签约乐队/艺人就可以看出来：Kid Loco, Meat Beat Manifesto, Nanaco, Josh Martinez这些乐队和艺人的音乐都是具有厚实的低音、舞曲节拍、声音剪切、hip hop、dub这些类型的音乐素材；Laura Veirs，这个具有西雅图背景的歌曲创作人，她的音乐扎根于民谣与乡村音乐之中，这些都在具有突破性意义的专辑Carbon Glacier中得到完美体现；Lift to experience，这支来自德州，由两个长满胡须且都叫做Josh的男人和一个叫做Andy的男孩组成的三人组合，骑在他们的处女作品The Texas-Jerusalem Crossroads的马背上，带着他们天启似的太空摇滚（Space rock）奔向欧洲；同样还有Explosions In The Sky，他们在专辑The Earth Is Not A Cold Dead Place里端庄雅致，激烈并力量感十足的器乐演奏为他们在欧洲赢得了不少听众；2004年末，The Dears以他们惊人的现场表演为人们所认可，他们的专辑No Cities Left and the 6 piece Canadian一直处于热销之中。 Series 7是2001年Bella Union公司旗下的一个器乐唱片计划，具体的内容是在十八个月内出版七张来自七位不同艺人器乐唱片，每张唱片的长度为七首歌，并且最后将以一张收录这七位艺人每人一首Bonus Track的限量唱片给七系列画上句号。七系列器乐唱片旨在拥护并向大家呈现器乐音乐最好的一面，七张唱片将组成一个充满美妙旋律及氛围化器乐演奏的，革新式并且风格多样的音乐工程。听起来似乎蛮不错的样子，不过至今为止，不知道什么原因，这个系列只出了五张而且貌似不会继续出下去了，这个未完成的Series 7系列，恐怕也成为不少乐迷的遗憾吧。 比较让人好奇的是，为什么是7这个数字呢，原因我不得而知。不过看看Bella Union出版的一些其他器乐专辑吧：Dirty three的“She has no strings Apollo”、“Dirty three”、“Sad and Dangerous”，Mazarin的“We’re already there”还有Explosion in the sky的“How strange innocence”。。。都是7首歌的长度，也许7是一张器乐唱片合适的长度吧。 #1. Gwei-lo “Gwei-lo” “鬼佬”，是不是和王菲的合作让Simon Raymond喜欢上了中国的文化？这个问题我们不得而知，也许这支乐队的名字在签约Bella Union之前就已经取好了呢。专辑的封套是沉重的藏青色和苍白、具有破裂边缘以及骨骼形状组成的诡异字体，上面挖了三个正方形的洞。似乎是在有意让你窥视到里面的秘密。 事实上，就像封套上所揭示的那样，这张专辑的音乐充满了神秘的氛围和鬼魅般浓郁的哀情。 从音乐上，Gwei-lo更加接近于Mogwai或者Explosions In The Sky，不过，专辑的音乐似乎总是不停的在小巧、精致、安静和急风暴雨、躁动这两种音乐段落之间切换，安静的段落精致却让人紧张不安（这种紧张感我觉得很大程度上和鼓的编排有关系），急促的音乐段落激烈却有一种潮湿感，一首歌往往充斥着骤起骤停的节奏变换，让人感觉到的，仿佛不是Mogwai或者EITS的大气，而是一种情绪上的起伏；专辑中间其实是有人声的，而且人声的加入在我看来其实是Gwei-lo的亮点之一（实际上，这些人声起到的不是唱的作用，而是营造氛围、或者是作为一种乐器）。无论是U.R.R开头的旁白以及Homework里的低吟，或是12，Cellsong中和令人眩晕的电子音效缠绕在一起的诡异女声，还是在Annoy最后那一段快放并加电的男声独白，人声的加入更加增添了这张唱片的音乐紧张、沉重、恍若隔世的音乐氛围。 事实上，Gwei-lo的吉他手和灵魂人物Alex Brooker在专辑还未问世的时候就不幸身亡了，这张唱片乐队是其他成员对Alex Brooker的追思之作。作为Series 7器乐唱片系列的第一张，这张唱片背后不寻常的故事，以及音乐中所饱含的哀怨，也许正从某种程度上，预示了这个系列最后半路夭折的命运吧。 #2. Bonnevill “Pelican” 也许Dirty three的乐迷对于这样风格的平面设计会感到亲切，事实上，Bonnevill本身就是Dirty three的吉他手Mick Turner的一个个人Project，而大多数dirty three唱片的封套就出自Mick Turner，当然这张Pelican也不例外。Dirty three的音乐实际上是以小提琴为主的后摇滚，这张专辑同样也有一位小提琴手的参与，那就是Mick Turner的妻子，钢琴/小提琴手：Jessica Billy。 然而Mick Turner并不是想在这张专辑里面做出和dirty three一模一样的音乐。尽管都是吉他+提琴的配置，dirty three更多的是提琴在唱着主角，而在这张Pelican里面，我分不清它们之间的主次，而且似乎吉他的戏份更多一些，没有太多的重奏，提琴的演奏永远都是缓慢且温暖，吉他的音色一如Mick Turner在dirty three那样的清亮，整张专辑的情绪是一致的浪漫与温馨。 关于他们的音乐，我想说的太多并不是一个好的方式，即使是在Instinct Records的官方网页上，提及这张专辑是，更多的也是在介绍Bonnevill的电影是如何如何地采用旅行照片以及喷刷在帆布上的油画作为素材、Jessica或者Mick同哪些艺人有过合作、在绘画方面两个人都具有什么样的专长等等等等同他们的音乐看上去关系不大的东西。也许你会在“Pelican”里联想到鹈鹕在湖边戏水的场景，也许你会在“Lullaby”里享受美梦的香甜，不管怎样，在这一抹温馨中感受到美，是最重要的。 #3. Rothko "In the pulse of an artery" 你永远都不知道Rothko的下一张专辑会在哪家公司推出，因为他们不喜欢呆在一个地方，他们总是欣然的从一家厂牌跳到另一家厂牌，认识不同的人，经历不一样的生活，正如他们所说的那样，待在一个地方会让懒惰和安逸滋生与蔓延，也许这也是如此多的人成为他们Fans的缘故吧。毫无疑问，他们的这种生活态度也反映到了他们的音乐之中，翻出我仅有的两张Rothko CD，“A Continual Search For Origins”还有这个“In the pulse of artery”仔细聆听，如果不是封套上写着的Rothko的名字，我会认为这是两支完全不同的乐队。 Rothko是由三个贝斯手组成的乐队，因此可以想象得到，在这张专辑里面，Bassline是音乐的主要部分，当然这张唱片并不是一张纯贝斯的唱片，Rothko照例请来了不少客座乐手，为他们的音乐添姿加彩，除了吉他、提琴、弦乐，甚至还有以前在他们的音乐中从未出现的打击乐。这些乐手中最著名的就是Bella Union的老板，前Cocteau Twins的贝斯手，Simon Raymond。 Rothko的音乐，无论是这张里面的后摇，或是 “A Continual Search For Origins”里面New age的趋向，“纯净”是最能够代表他们的关键词汇。不过这张专辑里的音乐除了纯净之外，恐怕还得加上一个：“阴暗”。事实上，这张专辑音乐中的大多数Bass line除了让人感到厚重以外，更多的是一种压抑的暗色调。专辑的几首歌中间采用了大量的吉他失真，以营造出一种爆炸或者撕裂的感觉，专辑的第一首 “Pulse of an artery”和第三首 “imprint of leaves”就是这样的例子，失真的吉他加上厚重的贝斯，压得仿佛让人喘不过气。而在 “moments crashed down”以及 “metatonic”这样的歌曲里面的吉他，让人感觉更像是黑暗里墨绿色水藻下面涌动的清泉。值得一提的是，专辑的最后一首歌的名字“Harold Budd”正是当年与Cocteau Twins合作那张“The Moon and The Melody”的挪威钢琴诗人的名字，而这首歌，也同当年的那张 “The Moon and The Melody”那样，充满醉人的诗意。 #4. Departure lounge “Jetlag dreams” Bella Union终于在Series 7的第四张唱片里，跳出了Post-rock的套路。Departure lounge，看名字也许你会认为他们是一支Chillout或者Lounge风格的电子乐队，至少在我从打口店里看到他们的唱片的时候我是这么认为的，但实际上，这是一张充满着早晨金色的阳光、以及能给你带来内心的平静的氛围/梦幻流行唱片。 实际上，Departure Lounge的音乐风格更多的是以indie pop为主，在那张著名的Too late too die young里面，他们用欢快明亮的独立流行曲风向我们展示了海边的美景；Departure lounge并不是一个纯乐器的乐队，但这丝毫不能掩盖他们在这张专辑中的美妙表现。和Series 7的前三张专辑相比，吉他在这张专辑里已经成为了配角，管乐器、钢琴、低音贝斯占据了更多的位置。专辑的音乐没有大多的情绪起伏，仿佛一直处于一种匀速而缓慢的节拍当中，不过这并不代表这张专辑缺乏精彩的细节，听听Equestrian Skydiving结尾部分明媚的吉他，还有Too late to die young中清冽的钢琴solo，还有Purple fluffy haze中充满乡村气息的木吉他、口琴、原音贝斯、跳跃的钢琴和打击乐，在这个文明的城市生活了太长时间的你，是不是能够感觉到一丝的清新和温暖呢？ 有趣的是专辑的文案，上面写道：在2001年春天的Hum Depot以及Marc和Jill在纳什威尔的公寓里，我们花了七天时间来录制这张专辑，在专辑的制作过程中，没有任何动物受到伤害。。。或许，这也是乐队成员对这张专辑中宁静甜美的音乐的一种表达吧。 #5. Jack Dangers "Variaciones espectrales" Bella Union出品的电子音乐听的还真是不多，以这么一张电子专辑作为Series 7的结尾恐怕也是为了照顾到纯音乐领域的各种不同的风格吧。和前面几张不同的是，这张唱片的音乐让人感觉到的氛围的东西比情绪的东西更多一些。专辑自始至终在一种湿漉漉并充满恍惚的氛围中延展开来，这也许归结于合成器空灵的音色和在乐曲中起到很大作用、清晰可辨的贝斯，以及有些细碎的打击节奏。Break beat元素的采用，让这张专辑充满了有趣的节奏细节，但是整体上而言，这张专辑的音乐性还是远远超过其实验性的。（作于2006年9月）

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在我看来，Bella Union，这个由Cocteau Twins的贝斯手Simon Raymond创办的独立公司，它所出版的唱片，或多或少都从某种程度上具有Cocteau Twins的特质，它们从来都不是用语言，而是用音乐，来进行表达的，尽管这些时而舒缓时而湍急的音符对于我们来说，有些抽象。。。 在Cocteau Twins出版第二张专辑的时候，这支乐队就已经完全放弃了歌词作为语言的实际意义，人声只是一种乐器，音乐才是最终的表达方式。我不敢说Bella Union完全秉承了这种音乐理念，毕竟在它的旗下，还有很多诸如Devics、Laura Veir等用人声乃至歌词来进行表达的乐队和艺人，但是我想，像Dirty three，EITS，Departure lounge，Rothko这样的乐队，恐怕才更能代表Bella Union音乐精髓的吧。展现在我面前的这套Series 7 系列唱片，也许正是Simon对自己音乐理念的一次全面诠释（就如同4AD的老板Ivo watts-Russell那样，每隔几年都会召集旗下乐队，做一个This Mortal Coil专辑，来诠释自己的阴暗美学）。 在开始这个专题之前，还是先介绍一下Bella Union公司吧。 　　 Bella Union是在1997年由Cocteau Twins建立，公司建立的初衷仅仅只是给Cocteau Twins发行唱片与合辑。然而在厂牌成立不久，Cocteau Twins就解散了。据厂牌最初的创立者之一、现任老板Simon Raymond说：当时我们都不知道我们究竟在做些什么，然而继续维护这个厂牌似乎是个不错的主意。恐怕这就是Bella Union存在至今的原因。 如果你了解公司老板的艺术取向，你恐怕不难想象到，在Bella Union，乐队和艺人们可以完全按照自己的想法，毫无外界干涉地发展自己的音乐。从早期旗下Dirty three（Bad Seeds乐队的三人组：Warren Ellis, Jim White 与 Mick Turner）、Francoiz Breut 以及 The Czars这些乐队和艺人在业界的成功开始，Bella Union公司逐渐繁荣，并逐渐在业界建立起自己的名声。 事实上Bella Union并不仅仅出版某种特定风格的音乐，这从下面的几支风格迥异的签约乐队/艺人就可以看出来：Kid Loco, Meat Beat Manifesto, Nanaco, Josh Martinez这些乐队和艺人的音乐都是具有厚实的低音、舞曲节拍、声音剪切、hip hop、dub这些类型的音乐素材；Laura Veirs，这个具有西雅图背景的歌曲创作人，她的音乐扎根于民谣与乡村音乐之中，这些都在具有突破性意义的专辑Carbon Glacier中得到完美体现；Lift to experience，这支来自德州，由两个长满胡须且都叫做Josh的男人和一个叫做Andy的男孩组成的三人组合，骑在他们的处女作品The Texas-Jerusalem Crossroads的马背上，带着他们天启似的太空摇滚（Space rock）奔向欧洲；同样还有Explosions In The Sky，他们在专辑The Earth Is Not A Cold Dead Place里端庄雅致，激烈并力量感十足的器乐演奏为他们在欧洲赢得了不少听众；2004年末，The Dears以他们惊人的现场表演为人们所认可，他们的专辑No Cities Left and the 6 piece Canadian一直处于热销之中。 Series 7是2001年Bella Union公司旗下的一个器乐唱片计划，具体的内容是在十八个月内出版七张来自七位不同艺人器乐唱片，每张唱片的长度为七首歌，并且最后将以一张收录这七位艺人每人一首Bonus Track的限量唱片给七系列画上句号。七系列器乐唱片旨在拥护并向大家呈现器乐音乐最好的一面，七张唱片将组成一个充满美妙旋律及氛围化器乐演奏的，革新式并且风格多样的音乐工程。听起来似乎蛮不错的样子，不过至今为止，不知道什么原因，这个系列只出了五张而且貌似不会继续出下去了，这个未完成的Series 7系列，恐怕也成为不少乐迷的遗憾吧。 比较让人好奇的是，为什么是7这个数字呢，原因我不得而知。不过看看Bella Union出版的一些其他器乐专辑吧：Dirty three的“She has no strings Apollo”、“Dirty three”、“Sad and Dangerous”，Mazarin的“We’re already there”还有Explosion in the sky的“How strange innocence”。。。都是7首歌的长度，也许7是一张器乐唱片合适的长度吧。 #1. Gwei-lo “Gwei-lo” “鬼佬”，是不是和王菲的合作让Simon Raymond喜欢上了中国的文化？这个问题我们不得而知，也许这支乐队的名字在签约Bella Union之前就已经取好了呢。专辑的封套是沉重的藏青色和苍白、具有破裂边缘以及骨骼形状组成的诡异字体，上面挖了三个正方形的洞。似乎是在有意让你窥视到里面的秘密。 事实上，就像封套上所揭示的那样，这张专辑的音乐充满了神秘的氛围和鬼魅般浓郁的哀情。 从音乐上，Gwei-lo更加接近于Mogwai或者Explosions In The Sky，不过，专辑的音乐似乎总是不停的在小巧、精致、安静和急风暴雨、躁动这两种音乐段落之间切换，安静的段落精致却让人紧张不安（这种紧张感我觉得很大程度上和鼓的编排有关系），急促的音乐段落激烈却有一种潮湿感，一首歌往往充斥着骤起骤停的节奏变换，让人感觉到的，仿佛不是Mogwai或者EITS的大气，而是一种情绪上的起伏；专辑中间其实是有人声的，而且人声的加入在我看来其实是Gwei-lo的亮点之一（实际上，这些人声起到的不是唱的作用，而是营造氛围、或者是作为一种乐器）。无论是U.R.R开头的旁白以及Homework里的低吟，或是12，Cellsong中和令人眩晕的电子音效缠绕在一起的诡异女声，还是在Annoy最后那一段快放并加电的男声独白，人声的加入更加增添了这张唱片的音乐紧张、沉重、恍若隔世的音乐氛围。 事实上，Gwei-lo的吉他手和灵魂人物Alex Brooker在专辑还未问世的时候就不幸身亡了，这张唱片乐队是其他成员对Alex Brooker的追思之作。作为Series 7器乐唱片系列的第一张，这张唱片背后不寻常的故事，以及音乐中所饱含的哀怨，也许正从某种程度上，预示了这个系列最后半路夭折的命运吧。 #2. Bonnevill “Pelican” 也许Dirty three的乐迷对于这样风格的平面设计会感到亲切，事实上，Bonnevill本身就是Dirty three的吉他手Mick Turner的一个个人Project，而大多数dirty three唱片的封套就出自Mick Turner，当然这张Pelican也不例外。Dirty three的音乐实际上是以小提琴为主的后摇滚，这张专辑同样也有一位小提琴手的参与，那就是Mick Turner的妻子，钢琴/小提琴手：Jessica Billy。 然而Mick Turner并不是想在这张专辑里面做出和dirty three一模一样的音乐。尽管都是吉他+提琴的配置，dirty three更多的是提琴在唱着主角，而在这张Pelican里面，我分不清它们之间的主次，而且似乎吉他的戏份更多一些，没有太多的重奏，提琴的演奏永远都是缓慢且温暖，吉他的音色一如Mick Turner在dirty three那样的清亮，整张专辑的情绪是一致的浪漫与温馨。 关于他们的音乐，我想说的太多并不是一个好的方式，即使是在Instinct Records的官方网页上，提及这张专辑是，更多的也是在介绍Bonnevill的电影是如何如何地采用旅行照片以及喷刷在帆布上的油画作为素材、Jessica或者Mick同哪些艺人有过合作、在绘画方面两个人都具有什么样的专长等等等等同他们的音乐看上去关系不大的东西。也许你会在“Pelican”里联想到鹈鹕在湖边戏水的场景，也许你会在“Lullaby”里享受美梦的香甜，不管怎样，在这一抹温馨中感受到美，是最重要的。 #3. Rothko "In the pulse of an artery" 你永远都不知道Rothko的下一张专辑会在哪家公司推出，因为他们不喜欢呆在一个地方，他们总是欣然的从一家厂牌跳到另一家厂牌，认识不同的人，经历不一样的生活，正如他们所说的那样，待在一个地方会让懒惰和安逸滋生与蔓延，也许这也是如此多的人成为他们Fans的缘故吧。毫无疑问，他们的这种生活态度也反映到了他们的音乐之中，翻出我仅有的两张Rothko CD，“A Continual Search For Origins”还有这个“In the pulse of artery”仔细聆听，如果不是封套上写着的Rothko的名字，我会认为这是两支完全不同的乐队。 Rothko是由三个贝斯手组成的乐队，因此可以想象得到，在这张专辑里面，Bassline是音乐的主要部分，当然这张唱片并不是一张纯贝斯的唱片，Rothko照例请来了不少客座乐手，为他们的音乐添姿加彩，除了吉他、提琴、弦乐，甚至还有以前在他们的音乐中从未出现的打击乐。这些乐手中最著名的就是Bella Union的老板，前Cocteau Twins的贝斯手，Simon Raymond。 Rothko的音乐，无论是这张里面的后摇，或是 “A Continual Search For Origins”里面New age的趋向，“纯净”是最能够代表他们的关键词汇。不过这张专辑里的音乐除了纯净之外，恐怕还得加上一个：“阴暗”。事实上，这张专辑音乐中的大多数Bass line除了让人感到厚重以外，更多的是一种压抑的暗色调。专辑的几首歌中间采用了大量的吉他失真，以营造出一种爆炸或者撕裂的感觉，专辑的第一首 “Pulse of an artery”和第三首 “imprint of leaves”就是这样的例子，失真的吉他加上厚重的贝斯，压得仿佛让人喘不过气。而在 “moments crashed down”以及 “metatonic”这样的歌曲里面的吉他，让人感觉更像是黑暗里墨绿色水藻下面涌动的清泉。值得一提的是，专辑的最后一首歌的名字“Harold Budd”正是当年与Cocteau Twins合作那张“The Moon and The Melody”的挪威钢琴诗人的名字，而这首歌，也同当年的那张 “The Moon and The Melody”那样，充满醉人的诗意。 #4. Departure lounge “Jetlag dreams” Bella Union终于在Series 7的第四张唱片里，跳出了Post-rock的套路。Departure lounge，看名字也许你会认为他们是一支Chillout或者Lounge风格的电子乐队，至少在我从打口店里看到他们的唱片的时候我是这么认为的，但实际上，这是一张充满着早晨金色的阳光、以及能给你带来内心的平静的氛围/梦幻流行唱片。 实际上，Departure Lounge的音乐风格更多的是以indie pop为主，在那张著名的Too late too die young里面，他们用欢快明亮的独立流行曲风向我们展示了海边的美景；Departure lounge并不是一个纯乐器的乐队，但这丝毫不能掩盖他们在这张专辑中的美妙表现。和Series 7的前三张专辑相比，吉他在这张专辑里已经成为了配角，管乐器、钢琴、低音贝斯占据了更多的位置。专辑的音乐没有大多的情绪起伏，仿佛一直处于一种匀速而缓慢的节拍当中，不过这并不代表这张专辑缺乏精彩的细节，听听Equestrian Skydiving结尾部分明媚的吉他，还有Too late to die young中清冽的钢琴solo，还有Purple fluffy haze中充满乡村气息的木吉他、口琴、原音贝斯、跳跃的钢琴和打击乐，在这个文明的城市生活了太长时间的你，是不是能够感觉到一丝的清新和温暖呢？ 有趣的是专辑的文案，上面写道：在2001年春天的Hum Depot以及Marc和Jill在纳什威尔的公寓里，我们花了七天时间来录制这张专辑，在专辑的制作过程中，没有任何动物受到伤害。。。或许，这也是乐队成员对这张专辑中宁静甜美的音乐的一种表达吧。 #5. Jack Dangers "Variaciones espectrales" Bella Union出品的电子音乐听的还真是不多，以这么一张电子专辑作为Series 7的结尾恐怕也是为了照顾到纯音乐领域的各种不同的风格吧。和前面几张不同的是，这张唱片的音乐让人感觉到的氛围的东西比情绪的东西更多一些。专辑自始至终在一种湿漉漉并充满恍惚的氛围中延展开来，这也许归结于合成器空灵的音色和在乐曲中起到很大作用、清晰可辨的贝斯，以及有些细碎的打击节奏。Break beat元素的采用，让这张专辑充满了有趣的节奏细节，但是整体上而言，这张专辑的音乐性还是远远超过其实验性的。（作于2006年9月）

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在我看来，Bella Union，这个由Cocteau Twins的贝斯手Simon Raymond创办的独立公司，它所出版的唱片，或多或少都从某种程度上具有Cocteau Twins的特质，它们从来都不是用语言，而是用音乐，来进行表达的，尽管这些时而舒缓时而湍急的音符对于我们来说，有些抽象。。。 在Cocteau Twins出版第二张专辑的时候，这支乐队就已经完全放弃了歌词作为语言的实际意义，人声只是一种乐器，音乐才是最终的表达方式。我不敢说Bella Union完全秉承了这种音乐理念，毕竟在它的旗下，还有很多诸如Devics、Laura Veir等用人声乃至歌词来进行表达的乐队和艺人，但是我想，像Dirty three，EITS，Departure lounge，Rothko这样的乐队，恐怕才更能代表Bella Union音乐精髓的吧。展现在我面前的这套Series 7 系列唱片，也许正是Simon对自己音乐理念的一次全面诠释（就如同4AD的老板Ivo watts-Russell那样，每隔几年都会召集旗下乐队，做一个This Mortal Coil专辑，来诠释自己的阴暗美学）。 在开始这个专题之前，还是先介绍一下Bella Union公司吧。 　　 Bella Union是在1997年由Cocteau Twins建立，公司建立的初衷仅仅只是给Cocteau Twins发行唱片与合辑。然而在厂牌成立不久，Cocteau Twins就解散了。据厂牌最初的创立者之一、现任老板Simon Raymond说：当时我们都不知道我们究竟在做些什么，然而继续维护这个厂牌似乎是个不错的主意。恐怕这就是Bella Union存在至今的原因。 如果你了解公司老板的艺术取向，你恐怕不难想象到，在Bella Union，乐队和艺人们可以完全按照自己的想法，毫无外界干涉地发展自己的音乐。从早期旗下Dirty three（Bad Seeds乐队的三人组：Warren Ellis, Jim White 与 Mick Turner）、Francoiz Breut 以及 The Czars这些乐队和艺人在业界的成功开始，Bella Union公司逐渐繁荣，并逐渐在业界建立起自己的名声。 事实上Bella Union并不仅仅出版某种特定风格的音乐，这从下面的几支风格迥异的签约乐队/艺人就可以看出来：Kid Loco, Meat Beat Manifesto, Nanaco, Josh Martinez这些乐队和艺人的音乐都是具有厚实的低音、舞曲节拍、声音剪切、hip hop、dub这些类型的音乐素材；Laura Veirs，这个具有西雅图背景的歌曲创作人，她的音乐扎根于民谣与乡村音乐之中，这些都在具有突破性意义的专辑Carbon Glacier中得到完美体现；Lift to experience，这支来自德州，由两个长满胡须且都叫做Josh的男人和一个叫做Andy的男孩组成的三人组合，骑在他们的处女作品The Texas-Jerusalem Crossroads的马背上，带着他们天启似的太空摇滚（Space rock）奔向欧洲；同样还有Explosions In The Sky，他们在专辑The Earth Is Not A Cold Dead Place里端庄雅致，激烈并力量感十足的器乐演奏为他们在欧洲赢得了不少听众；2004年末，The Dears以他们惊人的现场表演为人们所认可，他们的专辑No Cities Left and the 6 piece Canadian一直处于热销之中。 Series 7是2001年Bella Union公司旗下的一个器乐唱片计划，具体的内容是在十八个月内出版七张来自七位不同艺人器乐唱片，每张唱片的长度为七首歌，并且最后将以一张收录这七位艺人每人一首Bonus Track的限量唱片给七系列画上句号。七系列器乐唱片旨在拥护并向大家呈现器乐音乐最好的一面，七张唱片将组成一个充满美妙旋律及氛围化器乐演奏的，革新式并且风格多样的音乐工程。听起来似乎蛮不错的样子，不过至今为止，不知道什么原因，这个系列只出了五张而且貌似不会继续出下去了，这个未完成的Series 7系列，恐怕也成为不少乐迷的遗憾吧。 比较让人好奇的是，为什么是7这个数字呢，原因我不得而知。不过看看Bella Union出版的一些其他器乐专辑吧：Dirty three的“She has no strings Apollo”、“Dirty three”、“Sad and Dangerous”，Mazarin的“We’re already there”还有Explosion in the sky的“How strange innocence”。。。都是7首歌的长度，也许7是一张器乐唱片合适的长度吧。 #1. Gwei-lo “Gwei-lo” “鬼佬”，是不是和王菲的合作让Simon Raymond喜欢上了中国的文化？这个问题我们不得而知，也许这支乐队的名字在签约Bella Union之前就已经取好了呢。专辑的封套是沉重的藏青色和苍白、具有破裂边缘以及骨骼形状组成的诡异字体，上面挖了三个正方形的洞。似乎是在有意让你窥视到里面的秘密。 事实上，就像封套上所揭示的那样，这张专辑的音乐充满了神秘的氛围和鬼魅般浓郁的哀情。 从音乐上，Gwei-lo更加接近于Mogwai或者Explosions In The Sky，不过，专辑的音乐似乎总是不停的在小巧、精致、安静和急风暴雨、躁动这两种音乐段落之间切换，安静的段落精致却让人紧张不安（这种紧张感我觉得很大程度上和鼓的编排有关系），急促的音乐段落激烈却有一种潮湿感，一首歌往往充斥着骤起骤停的节奏变换，让人感觉到的，仿佛不是Mogwai或者EITS的大气，而是一种情绪上的起伏；专辑中间其实是有人声的，而且人声的加入在我看来其实是Gwei-lo的亮点之一（实际上，这些人声起到的不是唱的作用，而是营造氛围、或者是作为一种乐器）。无论是U.R.R开头的旁白以及Homework里的低吟，或是12，Cellsong中和令人眩晕的电子音效缠绕在一起的诡异女声，还是在Annoy最后那一段快放并加电的男声独白，人声的加入更加增添了这张唱片的音乐紧张、沉重、恍若隔世的音乐氛围。 事实上，Gwei-lo的吉他手和灵魂人物Alex Brooker在专辑还未问世的时候就不幸身亡了，这张唱片乐队是其他成员对Alex Brooker的追思之作。作为Series 7器乐唱片系列的第一张，这张唱片背后不寻常的故事，以及音乐中所饱含的哀怨，也许正从某种程度上，预示了这个系列最后半路夭折的命运吧。 #2. Bonnevill “Pelican” 也许Dirty three的乐迷对于这样风格的平面设计会感到亲切，事实上，Bonnevill本身就是Dirty three的吉他手Mick Turner的一个个人Project，而大多数dirty three唱片的封套就出自Mick Turner，当然这张Pelican也不例外。Dirty three的音乐实际上是以小提琴为主的后摇滚，这张专辑同样也有一位小提琴手的参与，那就是Mick Turner的妻子，钢琴/小提琴手：Jessica Billy。 然而Mick Turner并不是想在这张专辑里面做出和dirty three一模一样的音乐。尽管都是吉他+提琴的配置，dirty three更多的是提琴在唱着主角，而在这张Pelican里面，我分不清它们之间的主次，而且似乎吉他的戏份更多一些，没有太多的重奏，提琴的演奏永远都是缓慢且温暖，吉他的音色一如Mick Turner在dirty three那样的清亮，整张专辑的情绪是一致的浪漫与温馨。 关于他们的音乐，我想说的太多并不是一个好的方式，即使是在Instinct Records的官方网页上，提及这张专辑是，更多的也是在介绍Bonnevill的电影是如何如何地采用旅行照片以及喷刷在帆布上的油画作为素材、Jessica或者Mick同哪些艺人有过合作、在绘画方面两个人都具有什么样的专长等等等等同他们的音乐看上去关系不大的东西。也许你会在“Pelican”里联想到鹈鹕在湖边戏水的场景，也许你会在“Lullaby”里享受美梦的香甜，不管怎样，在这一抹温馨中感受到美，是最重要的。 #3. Rothko "In the pulse of an artery" 你永远都不知道Rothko的下一张专辑会在哪家公司推出，因为他们不喜欢呆在一个地方，他们总是欣然的从一家厂牌跳到另一家厂牌，认识不同的人，经历不一样的生活，正如他们所说的那样，待在一个地方会让懒惰和安逸滋生与蔓延，也许这也是如此多的人成为他们Fans的缘故吧。毫无疑问，他们的这种生活态度也反映到了他们的音乐之中，翻出我仅有的两张Rothko CD，“A Continual Search For Origins”还有这个“In the pulse of artery”仔细聆听，如果不是封套上写着的Rothko的名字，我会认为这是两支完全不同的乐队。 Rothko是由三个贝斯手组成的乐队，因此可以想象得到，在这张专辑里面，Bassline是音乐的主要部分，当然这张唱片并不是一张纯贝斯的唱片，Rothko照例请来了不少客座乐手，为他们的音乐添姿加彩，除了吉他、提琴、弦乐，甚至还有以前在他们的音乐中从未出现的打击乐。这些乐手中最著名的就是Bella Union的老板，前Cocteau Twins的贝斯手，Simon Raymond。 Rothko的音乐，无论是这张里面的后摇，或是 “A Continual Search For Origins”里面New age的趋向，“纯净”是最能够代表他们的关键词汇。不过这张专辑里的音乐除了纯净之外，恐怕还得加上一个：“阴暗”。事实上，这张专辑音乐中的大多数Bass line除了让人感到厚重以外，更多的是一种压抑的暗色调。专辑的几首歌中间采用了大量的吉他失真，以营造出一种爆炸或者撕裂的感觉，专辑的第一首 “Pulse of an artery”和第三首 “imprint of leaves”就是这样的例子，失真的吉他加上厚重的贝斯，压得仿佛让人喘不过气。而在 “moments crashed down”以及 “metatonic”这样的歌曲里面的吉他，让人感觉更像是黑暗里墨绿色水藻下面涌动的清泉。值得一提的是，专辑的最后一首歌的名字“Harold Budd”正是当年与Cocteau Twins合作那张“The Moon and The Melody”的挪威钢琴诗人的名字，而这首歌，也同当年的那张 “The Moon and The Melody”那样，充满醉人的诗意。 #4. Departure lounge “Jetlag dreams” Bella Union终于在Series 7的第四张唱片里，跳出了Post-rock的套路。Departure lounge，看名字也许你会认为他们是一支Chillout或者Lounge风格的电子乐队，至少在我从打口店里看到他们的唱片的时候我是这么认为的，但实际上，这是一张充满着早晨金色的阳光、以及能给你带来内心的平静的氛围/梦幻流行唱片。 实际上，Departure Lounge的音乐风格更多的是以indie pop为主，在那张著名的Too late too die young里面，他们用欢快明亮的独立流行曲风向我们展示了海边的美景；Departure lounge并不是一个纯乐器的乐队，但这丝毫不能掩盖他们在这张专辑中的美妙表现。和Series 7的前三张专辑相比，吉他在这张专辑里已经成为了配角，管乐器、钢琴、低音贝斯占据了更多的位置。专辑的音乐没有大多的情绪起伏，仿佛一直处于一种匀速而缓慢的节拍当中，不过这并不代表这张专辑缺乏精彩的细节，听听Equestrian Skydiving结尾部分明媚的吉他，还有Too late to die young中清冽的钢琴solo，还有Purple fluffy haze中充满乡村气息的木吉他、口琴、原音贝斯、跳跃的钢琴和打击乐，在这个文明的城市生活了太长时间的你，是不是能够感觉到一丝的清新和温暖呢？ 有趣的是专辑的文案，上面写道：在2001年春天的Hum Depot以及Marc和Jill在纳什威尔的公寓里，我们花了七天时间来录制这张专辑，在专辑的制作过程中，没有任何动物受到伤害。。。或许，这也是乐队成员对这张专辑中宁静甜美的音乐的一种表达吧。 #5. Jack Dangers "Variaciones espectrales" Bella Union出品的电子音乐听的还真是不多，以这么一张电子专辑作为Series 7的结尾恐怕也是为了照顾到纯音乐领域的各种不同的风格吧。和前面几张不同的是，这张唱片的音乐让人感觉到的氛围的东西比情绪的东西更多一些。专辑自始至终在一种湿漉漉并充满恍惚的氛围中延展开来，这也许归结于合成器空灵的音色和在乐曲中起到很大作用、清晰可辨的贝斯，以及有些细碎的打击节奏。Break beat元素的采用，让这张专辑充满了有趣的节奏细节，但是整体上而言，这张专辑的音乐性还是远远超过其实验性的。（作于2006年9月）

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在我看来，Bella Union，这个由Cocteau Twins的贝斯手Simon Raymond创办的独立公司，它所出版的唱片，或多或少都从某种程度上具有Cocteau Twins的特质，它们从来都不是用语言，而是用音乐，来进行表达的，尽管这些时而舒缓时而湍急的音符对于我们来说，有些抽象。。。 在Cocteau Twins出版第二张专辑的时候，这支乐队就已经完全放弃了歌词作为语言的实际意义，人声只是一种乐器，音乐才是最终的表达方式。我不敢说Bella Union完全秉承了这种音乐理念，毕竟在它的旗下，还有很多诸如Devics、Laura Veir等用人声乃至歌词来进行表达的乐队和艺人，但是我想，像Dirty three，EITS，Departure lounge，Rothko这样的乐队，恐怕才更能代表Bella Union音乐精髓的吧。展现在我面前的这套Series 7 系列唱片，也许正是Simon对自己音乐理念的一次全面诠释（就如同4AD的老板Ivo watts-Russell那样，每隔几年都会召集旗下乐队，做一个This Mortal Coil专辑，来诠释自己的阴暗美学）。 在开始这个专题之前，还是先介绍一下Bella Union公司吧。 　　 Bella Union是在1997年由Cocteau Twins建立，公司建立的初衷仅仅只是给Cocteau Twins发行唱片与合辑。然而在厂牌成立不久，Cocteau Twins就解散了。据厂牌最初的创立者之一、现任老板Simon Raymond说：当时我们都不知道我们究竟在做些什么，然而继续维护这个厂牌似乎是个不错的主意。恐怕这就是Bella Union存在至今的原因。 如果你了解公司老板的艺术取向，你恐怕不难想象到，在Bella Union，乐队和艺人们可以完全按照自己的想法，毫无外界干涉地发展自己的音乐。从早期旗下Dirty three（Bad Seeds乐队的三人组：Warren Ellis, Jim White 与 Mick Turner）、Francoiz Breut 以及 The Czars这些乐队和艺人在业界的成功开始，Bella Union公司逐渐繁荣，并逐渐在业界建立起自己的名声。 事实上Bella Union并不仅仅出版某种特定风格的音乐，这从下面的几支风格迥异的签约乐队/艺人就可以看出来：Kid Loco, Meat Beat Manifesto, Nanaco, Josh Martinez这些乐队和艺人的音乐都是具有厚实的低音、舞曲节拍、声音剪切、hip hop、dub这些类型的音乐素材；Laura Veirs，这个具有西雅图背景的歌曲创作人，她的音乐扎根于民谣与乡村音乐之中，这些都在具有突破性意义的专辑Carbon Glacier中得到完美体现；Lift to experience，这支来自德州，由两个长满胡须且都叫做Josh的男人和一个叫做Andy的男孩组成的三人组合，骑在他们的处女作品The Texas-Jerusalem Crossroads的马背上，带着他们天启似的太空摇滚（Space rock）奔向欧洲；同样还有Explosions In The Sky，他们在专辑The Earth Is Not A Cold Dead Place里端庄雅致，激烈并力量感十足的器乐演奏为他们在欧洲赢得了不少听众；2004年末，The Dears以他们惊人的现场表演为人们所认可，他们的专辑No Cities Left and the 6 piece Canadian一直处于热销之中。 Series 7是2001年Bella Union公司旗下的一个器乐唱片计划，具体的内容是在十八个月内出版七张来自七位不同艺人器乐唱片，每张唱片的长度为七首歌，并且最后将以一张收录这七位艺人每人一首Bonus Track的限量唱片给七系列画上句号。七系列器乐唱片旨在拥护并向大家呈现器乐音乐最好的一面，七张唱片将组成一个充满美妙旋律及氛围化器乐演奏的，革新式并且风格多样的音乐工程。听起来似乎蛮不错的样子，不过至今为止，不知道什么原因，这个系列只出了五张而且貌似不会继续出下去了，这个未完成的Series 7系列，恐怕也成为不少乐迷的遗憾吧。 比较让人好奇的是，为什么是7这个数字呢，原因我不得而知。不过看看Bella Union出版的一些其他器乐专辑吧：Dirty three的“She has no strings Apollo”、“Dirty three”、“Sad and Dangerous”，Mazarin的“We’re already there”还有Explosion in the sky的“How strange innocence”。。。都是7首歌的长度，也许7是一张器乐唱片合适的长度吧。 #1. Gwei-lo “Gwei-lo” “鬼佬”，是不是和王菲的合作让Simon Raymond喜欢上了中国的文化？这个问题我们不得而知，也许这支乐队的名字在签约Bella Union之前就已经取好了呢。专辑的封套是沉重的藏青色和苍白、具有破裂边缘以及骨骼形状组成的诡异字体，上面挖了三个正方形的洞。似乎是在有意让你窥视到里面的秘密。 事实上，就像封套上所揭示的那样，这张专辑的音乐充满了神秘的氛围和鬼魅般浓郁的哀情。 从音乐上，Gwei-lo更加接近于Mogwai或者Explosions In The Sky，不过，专辑的音乐似乎总是不停的在小巧、精致、安静和急风暴雨、躁动这两种音乐段落之间切换，安静的段落精致却让人紧张不安（这种紧张感我觉得很大程度上和鼓的编排有关系），急促的音乐段落激烈却有一种潮湿感，一首歌往往充斥着骤起骤停的节奏变换，让人感觉到的，仿佛不是Mogwai或者EITS的大气，而是一种情绪上的起伏；专辑中间其实是有人声的，而且人声的加入在我看来其实是Gwei-lo的亮点之一（实际上，这些人声起到的不是唱的作用，而是营造氛围、或者是作为一种乐器）。无论是U.R.R开头的旁白以及Homework里的低吟，或是12，Cellsong中和令人眩晕的电子音效缠绕在一起的诡异女声，还是在Annoy最后那一段快放并加电的男声独白，人声的加入更加增添了这张唱片的音乐紧张、沉重、恍若隔世的音乐氛围。 事实上，Gwei-lo的吉他手和灵魂人物Alex Brooker在专辑还未问世的时候就不幸身亡了，这张唱片乐队是其他成员对Alex Brooker的追思之作。作为Series 7器乐唱片系列的第一张，这张唱片背后不寻常的故事，以及音乐中所饱含的哀怨，也许正从某种程度上，预示了这个系列最后半路夭折的命运吧。 #2. Bonnevill “Pelican” 也许Dirty three的乐迷对于这样风格的平面设计会感到亲切，事实上，Bonnevill本身就是Dirty three的吉他手Mick Turner的一个个人Project，而大多数dirty three唱片的封套就出自Mick Turner，当然这张Pelican也不例外。Dirty three的音乐实际上是以小提琴为主的后摇滚，这张专辑同样也有一位小提琴手的参与，那就是Mick Turner的妻子，钢琴/小提琴手：Jessica Billy。 然而Mick Turner并不是想在这张专辑里面做出和dirty three一模一样的音乐。尽管都是吉他+提琴的配置，dirty three更多的是提琴在唱着主角，而在这张Pelican里面，我分不清它们之间的主次，而且似乎吉他的戏份更多一些，没有太多的重奏，提琴的演奏永远都是缓慢且温暖，吉他的音色一如Mick Turner在dirty three那样的清亮，整张专辑的情绪是一致的浪漫与温馨。 关于他们的音乐，我想说的太多并不是一个好的方式，即使是在Instinct Records的官方网页上，提及这张专辑是，更多的也是在介绍Bonnevill的电影是如何如何地采用旅行照片以及喷刷在帆布上的油画作为素材、Jessica或者Mick同哪些艺人有过合作、在绘画方面两个人都具有什么样的专长等等等等同他们的音乐看上去关系不大的东西。也许你会在“Pelican”里联想到鹈鹕在湖边戏水的场景，也许你会在“Lullaby”里享受美梦的香甜，不管怎样，在这一抹温馨中感受到美，是最重要的。 #3. Rothko "In the pulse of an artery" 你永远都不知道Rothko的下一张专辑会在哪家公司推出，因为他们不喜欢呆在一个地方，他们总是欣然的从一家厂牌跳到另一家厂牌，认识不同的人，经历不一样的生活，正如他们所说的那样，待在一个地方会让懒惰和安逸滋生与蔓延，也许这也是如此多的人成为他们Fans的缘故吧。毫无疑问，他们的这种生活态度也反映到了他们的音乐之中，翻出我仅有的两张Rothko CD，“A Continual Search For Origins”还有这个“In the pulse of artery”仔细聆听，如果不是封套上写着的Rothko的名字，我会认为这是两支完全不同的乐队。 Rothko是由三个贝斯手组成的乐队，因此可以想象得到，在这张专辑里面，Bassline是音乐的主要部分，当然这张唱片并不是一张纯贝斯的唱片，Rothko照例请来了不少客座乐手，为他们的音乐添姿加彩，除了吉他、提琴、弦乐，甚至还有以前在他们的音乐中从未出现的打击乐。这些乐手中最著名的就是Bella Union的老板，前Cocteau Twins的贝斯手，Simon Raymond。 Rothko的音乐，无论是这张里面的后摇，或是 “A Continual Search For Origins”里面New age的趋向，“纯净”是最能够代表他们的关键词汇。不过这张专辑里的音乐除了纯净之外，恐怕还得加上一个：“阴暗”。事实上，这张专辑音乐中的大多数Bass line除了让人感到厚重以外，更多的是一种压抑的暗色调。专辑的几首歌中间采用了大量的吉他失真，以营造出一种爆炸或者撕裂的感觉，专辑的第一首 “Pulse of an artery”和第三首 “imprint of leaves”就是这样的例子，失真的吉他加上厚重的贝斯，压得仿佛让人喘不过气。而在 “moments crashed down”以及 “metatonic”这样的歌曲里面的吉他，让人感觉更像是黑暗里墨绿色水藻下面涌动的清泉。值得一提的是，专辑的最后一首歌的名字“Harold Budd”正是当年与Cocteau Twins合作那张“The Moon and The Melody”的挪威钢琴诗人的名字，而这首歌，也同当年的那张 “The Moon and The Melody”那样，充满醉人的诗意。 #4. Departure lounge “Jetlag dreams” Bella Union终于在Series 7的第四张唱片里，跳出了Post-rock的套路。Departure lounge，看名字也许你会认为他们是一支Chillout或者Lounge风格的电子乐队，至少在我从打口店里看到他们的唱片的时候我是这么认为的，但实际上，这是一张充满着早晨金色的阳光、以及能给你带来内心的平静的氛围/梦幻流行唱片。 实际上，Departure Lounge的音乐风格更多的是以indie pop为主，在那张著名的Too late too die young里面，他们用欢快明亮的独立流行曲风向我们展示了海边的美景；Departure lounge并不是一个纯乐器的乐队，但这丝毫不能掩盖他们在这张专辑中的美妙表现。和Series 7的前三张专辑相比，吉他在这张专辑里已经成为了配角，管乐器、钢琴、低音贝斯占据了更多的位置。专辑的音乐没有大多的情绪起伏，仿佛一直处于一种匀速而缓慢的节拍当中，不过这并不代表这张专辑缺乏精彩的细节，听听Equestrian Skydiving结尾部分明媚的吉他，还有Too late to die young中清冽的钢琴solo，还有Purple fluffy haze中充满乡村气息的木吉他、口琴、原音贝斯、跳跃的钢琴和打击乐，在这个文明的城市生活了太长时间的你，是不是能够感觉到一丝的清新和温暖呢？ 有趣的是专辑的文案，上面写道：在2001年春天的Hum Depot以及Marc和Jill在纳什威尔的公寓里，我们花了七天时间来录制这张专辑，在专辑的制作过程中，没有任何动物受到伤害。。。或许，这也是乐队成员对这张专辑中宁静甜美的音乐的一种表达吧。 #5. Jack Dangers "Variaciones espectrales" Bella Union出品的电子音乐听的还真是不多，以这么一张电子专辑作为Series 7的结尾恐怕也是为了照顾到纯音乐领域的各种不同的风格吧。和前面几张不同的是，这张唱片的音乐让人感觉到的氛围的东西比情绪的东西更多一些。专辑自始至终在一种湿漉漉并充满恍惚的氛围中延展开来，这也许归结于合成器空灵的音色和在乐曲中起到很大作用、清晰可辨的贝斯，以及有些细碎的打击节奏。Break beat元素的采用，让这张专辑充满了有趣的节奏细节，但是整体上而言，这张专辑的音乐性还是远远超过其实验性的。（作于2006年9月）

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