Jamie的音乐

拿到这张专辑挺长时间了，翻来覆去不知听了多少遍，却一直没有动笔的心思──只因实在太喜欢～剥离了虚无的都市化与电气化，更“原声”、更“纯粹”的Dido同学为自己洗尽铅华，回到了最初所追求的“地下专辑”状态，只不过，“地下室”对如今的她来说太小太小了──无论如何，就个人感觉而言，这是Dido完全表现自我的专辑～无论嗓音还是歌曲本身。 一开始听着其实并不顺，心里有疙瘩，只怪《Don't Believe In Love》不属于自己一见钟情，而是日久生情的类型，何况是以最直接的方式表达最婉转的心绪──后半段的BASS相当出彩，一遍遍地反复使得原本的哀怨演变为坚持和信奉，事实上却是对相反情结的渴望；沉稳厚重之后迎来属于“Dido式的ballad”──清爽欢愉的《Quiet Times》，Dido同学也第一次展现了自己架子鼓上的功夫──稳当的发挥+稳当的旋律，靠谱又保险。 相当欣赏《Never Want to Say It's Love》的副歌部分，主曲调靠拢开场曲。虽不是最低调的，却是最不容易回忆的一首，或许低音号的出现是唯一的亮点罢～其后追思父亲的《Grafton Street》，可以听到Dido同学在副歌高潮时用假声呼唤“finally found”时的无奈与无助──就曲调而言，个人不太喜欢，何况原本就是不准备公开的歌曲。不过，对于特殊意义事物的好恶与品评，往往是很苍白的。 也许是为了一扫心头之哀伤，《It Comes and It Goes》开场以铿锵的鼓点与钢琴带人走出忧郁的心境，以强劲而超然的态度前行着，即便中途所有器乐全部偃息，清唱的人声依然坚定。 一来一去，专辑又一次回归Dido式的简约与精致，于是便有了第一首亮相的单曲：《Look No Further》～无论淅淅沥沥的颤音，还是沉寂的钢琴，一种Dido之前的作品中从未有过的大气应运而生，个人感觉是最能展现专辑封面意境的一首歌：浩翰的、飘渺的、纯净的，就包含在这些简短的乐句中。在此，营造替代了诉说。 伴随轻快吉它扫弦与手鼓的小调《Us 2 Little Gods》，会让你情不自禁跟着节奏点头，嘴里哼着“Mmm...HmHmm...”，听着Dido同学不停地说着“就这样吧，啥都不要了”。有时候，维持比追求更难；《The Day Before the Day》的延音调调感觉不太适合Dido的嗓子，不过虚弱得却很舒服，缓和的起伏引领的主基调充满着过渡曲的感觉，仿佛翻越了延绵缓和的山脉，望着头上飞鸟盘旋似的嗓音，一种言不尽然的广阔与遥远，穿越了声音本体，满溢时间与空间的容器。 手鼓起拍，一丝中东弦音调味的《Let's Do the Things We Normally Do》，弦乐衬托下掺杂着诡异合成器点缀，最初清晰的嗓音逐渐后退，淹没于器乐与合声回音的漩涡中，余下略显嘈杂的延音断后～类似《Burnin Love》这样摇摆式的节奏也是之前从未有过的体验：清新悠闲，不紧不徐地晃荡着，调皮的弦音于鼓点节奏的空隙间跳跃，犹如暮日照耀下闪烁的暖黄，显眼却不扎眼。 机械的节奏旋钮被调至呆板与紧张的交界处，反而容易被人忽视。《Northern Skies》或许是专辑中最电子的，却也染上了温馨的基调，不似往常那样冰冷，包括那些呈颗粒状回旋起伏的电音。 由节奏开始的，最终也由节奏画上休止符──不光这首歌，整个专辑也是。 弦乐的加重与电音的弱化，配上简洁的曲式，Dido同学的女中音唱起主角来显得更深沉唯美。回归也好，重生也好，都不必在意，毕竟听到的是真实的、自我的。 精于心，简于形。飞利浦的广告语，正适合现在的她。

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以下文字只是我对这张专辑最感性的认识与意象～ 1…1…121…1…1…121…(铿锵的脚步愈来愈清晰) …HALT！八度琴键的敲击犹如开膛的火炮，落地爆裂般的鼓点，电吉他飘忽渐强的延音仿佛俯冲式轰炸机的咆哮，一位绝望到满是幻想与希望的人置身于这一片漫天火海的漩涡之中，仰头嘶喊，为这地狱般的梦魇，也为心中的奇迹虔诚祈祷；挣扎前行的回旋音层层叠进，或许只是短暂的平息，或许是永恒的拨云见日……刹那间，肆虐的火光与巨响清醒了知觉；惘然间，唯剩满目疮痍的狼藉；抬起头，烟火交替的灰色暗衬着逍遥远去的罪魁，及其投下的恐怖与毁灭──没有矛盾，没有纠结，没有幻想。 原以为起初的猛攻仅是示威，谁知却已动了真格──无名的扭曲充斥着化为残骸的此地：终结？抑或重生？看似美妙的夕阳勾勒出的光影，一动一静中昭示着模糊不清的答案，无奈之下，草草收场。 又是一轮日出。与往常相比，平添了一丝暖意。空灵的巴洛克式键盘，飘渺的声音回荡，眼前一片薄雾，于晨曦中仿佛轻盈的薄纱随风起舞，直至阳光般和弦的拨弄才让人重新看清这一片使人压抑到窒息的黑森林，原来只是心中深埋已久的忏悔。 可惜，随之而来的却是另一阵疾风骤雨──狂轰滥炸之后的残存记忆重新被唤醒，久久回荡：反复，反复，反复，反复…禁不住，无法承受的，撕心裂肺的痛苦， 挣扎着，徘徊着，还是被推上了顶峰，爆发！吼叫，吼叫，无助地吼叫！无形中失去了庇护，从上至下被剥得一干二净──既然无法全身而退，那就把所有的遮掩与伤疤一齐淹没、同归于尽吧！ 蜕变？ 似乎已经平静，似乎不再波动，似乎唯有落水后激起的层层涟漪。殊不知，却是对最后残余的一次清洗，缓缓地一如身置海面，在浪花的冲击和翻腾中崩溃、支离、破碎、散落，直至吞没，溶化，消失。 就这么的，伴随着渐弱的回音，画上了未了的休止符。 带着昔日的狂躁，又开始了新的旅程──引人驻足与注目的神秘地带，在一片模糊而嘈杂的行进中，逐步走出覆盖已久的阴霾～十足的爆发力或许是压抑已久的佐证～诡异的低音线串联着一阵又一阵间歇性的发作，或许是唯一理性的部分──只可惜，在强烈地甩动下，也禁不住关闭了自律的电源，赶上最后的暴怒与宣泄，着实失控了一把：冲击！冲击！再冲击！ 几番洗刷动荡，或许真的累了。上升得太急促，下坠时却显得如此优雅从容：迈着华尔兹的步法，轻盈曼妙的弦音伴随着隐隐和声，犹如羽毛般翩翩起舞……晃晃悠悠间，抖颤的电音替代了清新的曼陀林，选择了剥离──本体与灵魂背道而驰──前者终于着陆，仰视着后者相行渐远。 妖娆与灾难并存的回归，可能是泯灭，也可能是重生──在拉赫玛尼诺夫的感召下，Matt选择了再次爬起。一次现代钢琴协奏曲的演绎，成就了作品中最富感染力的乐章：沉稳的古典构架，璀璨华丽的钢琴铺垫与点缀，律动饱满的BASS，上扬的声线始终与乐器保持距离，却不远走高飞，指挥引领着前行的起起伏伏…繁星闪烁间，高楼广厦拔地而起，以身叙述浴火重生的凤凰涅槃，一切都在琴键的过往反复中实现：现在，就是属于你们的时刻。 晃荡的飞行，依然无碍其专注地望着地面那一片曾经的熔炉──当然，现在也是，只不过狂躁不安的不再是难民本身，因为他们已经学会了生存，明白了前行中的自己才能永不后退。 那么方向呢？也许这是放缓脚步的真实原因：懂得走路，却不清楚该跨那条腿。好吧，暂时歇下，伴随着机械碰撞的节奏，在安详地氛围中沉思──真正的安详，一切都是那么明了与美好。褪去昔日奢华的外衣，探寻尚不得知的彼岸。 加速，加速，再加速！摆脱信仰的重负，远离忏悔的感伤，如今需要的是简洁与直接的表达──当手中的电吉他第一次奏出如此亮眼的三连音时，我就明白了此时此刻抛开断壁残垣的意义──毫不犹豫的迈进，毫不吝惜的冲刺！加速，加速，再加速！ 是不是抵达心中的终点了呢？ 低声地、浅浅地吟唱着，整个身心完全浮在半空中，被暖暖的空气包围着，飘着，飘着，飘荡着……砰！鼓槌和钢琴的突袭使人回到了最初目睹灭亡惨剧的那一刻，却不再害怕，心灵的裂痕也在和弦的反复轻抚之下逐渐愈合：叹口气，遥望重新站立起来的自我，再一次仰视。 繁华散尽，鹅毛坠地，昔时的鼎盛与残存好似过眼云烟，一切的一切最终寻得了归宿，安息。

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趁着MAC大会还没开始的空档写写Travis的新碟～总体感觉一句话：毫无招架而又情理之中的变革。如果你欣赏他们是从《The Man Who》或者《The Invisible Band》开始的，可能会感到不适应～ 回顾Travis的历年专辑封面时就觉得很有趣，因为诚实，因为音乐的匹配性，因为四位同学的贪玩～从最初的《Good Feeling》跳到《12 Memories》可谓一脉相承；其间成功转型的《The Man Who》与《The Invisible Band》，直到《The Boy With No Name》的回归，不光标志着与唱片公司的合约履行完毕，在音乐上应该说也是完满的句号──或者说，所谓Travis式的飘渺与清新暂时落下帷幕（个人以为是暂时的）。 如今的《Ode to J. Smith》，重新开始了，也重新回来了。 然而， 从封面设计到音乐本身，虽然一如既往地搭调，但这样的变化却是让人始料未及的，至少对我来说是这样。原先发行《J. Smith》的时候，自己还以为不过是首单曲而已，谁想却串出了十几首歌～而且只用了2个星期就录完了，加上3周的后期混音～当然，时间短并不等同于粗糙，事实上有许多地方是这四位同学从未涉足的，因此可以说这是张半实验性的专辑～毕竟他们发碟并没有太多的外界压力。 Travis摆在Oasis面前始终有种乳臭未干的感觉，或者说Oasis向来没有Travis“好动”。要我说，也许这次是这两队人马彼此最接近的一次，无论发碟时间还是曲风转向～开场便显露了他们求变的决心──中国元素的渗入，虽不纯粹，却也难能可贵～和上一张的欲扬先抑相比更坦率、直接，同Oasis一样。歌曲本身显得中规中矩，只是对Travis而言略显嘈杂──当然了，这只是开始的信号。 《J. Smith》，无名氏，人多，合唱──这样的推论似乎最符合他们谱写时的逻辑～如果没有这一桥段的话，只不过是首不朗朗却上口的摇滚小品罢了。所谓变化，不求繁多，只求效应，无论如何对他们是种有益的尝试～曲毕留下浅尝辄止的意犹未尽给下面的歌，包括始终伴随的躁动。 一路带着四位同学以往少有的铿锵行进着，从《Something Anything》、《Long Way Down》，直到《Broken Mirror》稍事休息，重新拾起操练娴熟的步伐，却不按以往的步点走，相比更多了一份迷醉与慵懒（听起来真像磕过药了）～因此到了《Last Words》伊始Neil敲了几下鼓槌，抖擞精神；Andrew更是操起了老伙计班卓琴，只是还未完全清醒，所以时不时换把电吉他吼个几嗓子（个人感觉这首歌是最靠近上张专辑风格的了）～ 蹒跚了没多久几位哥们又想起正事儿了，继续实验～《Quite Free》的清爽、《Get Up》的律动、《Friends》的安定，各有千秋，不在话下～之后的《Song to Self》却让人为之一振，仿佛在迷雾森林里兜了许久后终于抵达海岸，一种宽广与豁达的感觉油然而生；何况游离于音墙之上的那一丝丝电吉他泛音使我不禁想起一个名字：The Verve。 欢呼过后带来的宁静与大气完全融于结尾曲《Before You Were Young》之中：钢琴搭建的构架之下，Francis Healy面向大海般的引吭高歌，尾随阵阵浪涛般的嚓片声，加上云彩般飘浮的吉他，由滚奏的叠鼓引向高潮，最终层层海水化作悬崖边的泡沫，平静而不拖沓地逝去，没有修饰，没有留恋。 有目的，有手段，Travis此次完成得利落而有效率。似乎由于掩藏于内心的“Oasis情节”始终挥之不去的缘故，事业的转折点也选择了一种“Oasis的方式”，总之不管怎么样，这次他们做到了，也自圆其说了，至少对他们自己而言。

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“Oasis出新专辑了。”已经忘了是谁告诉我的，低调得之前自己一点都不知道，不管怎么样自己还是兴冲冲地上了Oasis的myspace，乍听之后感觉略有陌生，始料不及的变化，却也在情理之中～从之前的独立单曲《Lord Don’t Slow Me Down》中已经嗅到了类似的味道。一开始并没有写点什么的打算，因为已经被全身心地吸引了，直到听了三十几遍之后才缓过神来，试着客观一下。 通常自己对于刚到手的新碟往往很没耐心──过了主打曲之后跳跳跳到能让我停下的前奏，一旦拖沓则继续跳，直到结束──Coldplay的《Viva La Vida or Death And All His Friends》就是这么跳了好几遍才陆续听完的。而对于这张碟，从第一遍起，自己就没跳过一首歌。或许《The Shock Of The Lightning》相比Oasis之前的成名曲都略逊一筹，但乐队对音乐整体走势的把握使我一直没有想跳的冲动，乖乖地从头放到尾。 节奏、节奏、节奏──似乎由于Ringo Starr的儿子“雇佣兵”的性质决定了Gallagher兄弟俩的音乐走向──既然花钱请来了干嘛不用个痛快？哈，说笑～不过确实，鼓的比重之大远远超过自己的预期，恐怕许多喜欢《Champagne Supernova》的同学要失望了──整张专辑所谓慢歌也就《I'm Outta Time》算得上（《(Get Off Your) High Horse Lady》由于曲调原因被本人摈弃），开始还想Noel同学会写更多类似《Stop Crying Your Heart Out》的曲子，谁知老顽童那是越老越想玩，也越老越会玩～ 记忆中《Bag It Up》是自《F**kin' In The Bushes》之后又一直白的开场，没有飞机没有停顿没有数拍没有渐强音～如果照以往的编排可能会把主打《The Shock Of The Lightning》提前，因为引子般的电音。无论怎么说，自己欣喜于这种变化──更直接的，更坦率的，反而是这种老牌乐队所必需的。当然了，该有的所谓“Oasis式”的调调也实在挤不出什么来了，就像Linkin Park一样：玩够了，咱换个口味。 听到第二首《The Turning》让人觉得在编排上还真是像极了《Standing On The Shoulder Of Giants》──后来有天晚上自己恰巧乘车，伴随着鼓点行驶在高架桥上，忽然有种似曾相识的感觉──没错，就是《Go Let It Out》。连MTV都是这么拍出来的哈～如果你觉得开场曲太嘈杂来得太快，那么这首正好能降温，无论钢琴还是节拍都给人一种喧嚣而繁华的气息，虽然歌曲本身透着一股子冷漠。 照例前四首之中必有Noel同学亮嗓的歌，这次也不例外──《Waiting For The Rapture》，听这踏步般的厚实吉他就知道这位老兄要登场了～歌曲本身无甚可说之处，延续一贯复古作风，所幸这次没怎么唱走音，哈～ 一开始并不觉得《The Shock Of The Lightning》像主打，理由很简单：没气势。听听《D'You Know What I Mean?》、《The Hindu Times》甚至《Lyla》，一把Gibson一个和弦扫下去感觉就有无穷的纵深感，加上力量十足的riff和solo，霸气也好痞气也好，无限大的空间感油然而生，而这也是Oasis的绝活；这次怎么压扁了似的，节奏虽不慢但却平稳，吉他饱满而单一，Liam同学就站在这结实的基础上稳稳地吊嗓子，加上中间短暂的变奏，不到十几秒又被拉回来了──听完整张专辑之后，才觉得也只有这首曲子主打最合适：它作为信号的意义远大于音乐本身～平稳的同时似乎在说，这是最原始的Oasis，也是转型中的Oasis。应当说自己对它的喜好程度超过了同类型的《Supersonic》～没有过度起伏，没有Noel同学的Solo，匀化原本的空隙与高潮──内敛而有力量，就Oasis而言并不常见。 紧接着两首很有意思，一个正一个钝，一个很旋律一个很节奏，一个相对流行一个相对复古，一个很Liam一个很Noel。唯一让我好奇的是这两首歌好像是交叉创作的──老哥写的老弟唱，反之亦然。 到了《Falling Down》有点The Stone Roses的味道了～其实早在《Part Of The Queue》里这种趋势就初露端倪了，似乎每张专辑都会有此类曲风存在，而且也很适合Noel同学的嗓音，就是要来点虚无飘渺的感觉～于是乎，下一首自然就是Liam同学的了，却没想到如此Liam～听到锡塔琴的声音就让我想起Beatles的《Love To You》：迷幻的嗓音和曲调，清醒的鼓点和BASS，使人不至于迷醉和沉沦，相比《Gas Panic!》的Hip-Hop节奏而言似乎总觉得欲说还休，言不尽然，有种推一把后又拉一把的反复与踌躇～何况在还没决定的时候，人家已经落幕了，四分半钟的时间对于迷幻来说也忒短了点。 留下的遗憾待Liam同学来帮你解决──我敢肯定《Ain't Got Nothin'》出自他的笔下：短小精悍，泾渭分明。也是，Liam酷哥的嘴向来不喜欢多废话，只喜欢说大话。自己向来就对三拍的曲子有偏袒，更何况是以干脆利落的形式。 接近尾声，Noel同学似乎刹了下车，留下空间与听者对话，《The Nature Of Reality》就是这么一首曲子。仿照传统布鲁斯曲子那样一唱一弹，背后有标准的鼓点搭建的骨架，仿佛工业厂房改造居住的Loft，一个能让人自由发挥的“安全地带”。没有失误，没有亮点。 终于走到最后，如果要说我最喜欢的曲子，第一是《The Turning》，第二绝对是这首《Soldier On》。不同于历年专辑的柔情完场，这次Oasis走得刚毅而洒脱。铿锵有力的军鼓配上低浅呻吟的吉他，烘托出Liam及其回音的飘逸，使我感到惊艳的是最后登场的风笛（个人猜测，也可能是布鲁斯口琴）以及淡淡的合成器营造的逝去都氛围，不然还真不知这么一直踏步走能走到几时哈～ 鼓，如果没有鼓，很难想象Oasis这张专辑的模样～可以没有吉他，可以没有钢琴，甚至人声，却少不了架子鼓。看来Zak Starr的到来着实改变了Oasis的走向，即便他还不是正式成员之一。当然，Noel老大当惯了，或许是他刻意追求的效果也不一定，何况他也能打鼓～无论如何，还是要为这几位老江湖的转型而喝彩～闯荡十数载，还能玩得风声水起，实属难得，亦为幸事。

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