Lua的音乐

The Soundtrack of Our Lives（TSOOL）这支来自瑞典的乐队，一向不缺乏自己的主张和幽默感。在他们的第5张录音室专辑《Communion》里，他们把这种旺盛的创造力发挥到了极致，24首歌曲，94分钟的时长，使之超越了the Who的《Quadrophenia》和Pink Floyd的《The Wall》，成为摇滚史上又一长篇巨作。专辑内页选用了图片社购买的行片，印刷上反思当今世界种种困境危机的歌词，对西方社会主流宣传的粉饰太平进行了嘲讽。 然而歌曲数量上和编曲配器上的极大丰富也使专辑受到了评论界的质疑，“难于消化”、“缺乏能被传唱的金曲”是主要的论点。但是对于TSOOL里的5名瑞典顶尖录音室/现场乐手（除主唱Ebbot外）来说，编写如碟2的《Lifeline》那样简单动人的歌曲从来都不是问题，也难以被任何一种风格所限制。 《Babel On》充满神秘氛围的intro来自哥德堡三人电子组合Midaircondo，她们是来自这个城市的又一大音乐奇观，除了唱片首曲之外，她们的声音还零星地穿插在其它作品间，成为构建《Communion》整体性的重要元素。《Universal Stalker》、《Utopia》是TSOOL这次想要打造的典型曲目：体现编曲功力，凸显多样乐器各自的音效特质的交响诗般的作品。当然他们也没有丢掉自己一向的激情所在——《Ra88》、《Thrill Me》、《Mensa’s Marauders》、《The Fan Who Wasn’t There》，The Who、The Kinks，甚至The Band的影子在其中闪现，每一曲都携带着60年代传统摇滚和70年代迷幻摇滚的基因而来，这是乐器演奏者们学习参照的好范本。 传说中专辑的24首歌曲各自代表一天中的一个小时，这个说法也许是他们在创作完成之后的提出的宣传概念，但这碟2里《Everything Beautiful Must Die》、《Without Warning》、《The Passover》等等典型的TSOOL受Brit-Pop影响而作的抒情曲目，有着Ebbot温和感性的嗓音，还有吉他手 Mattias Barjed和键盘手Martin Hederos寂寞动听的琴音，确实比碟1更适合在午后到夜晚间聆听。《Utopia》是先于专辑发行的单曲，由打击乐器和吉他回授制造的神秘氛围，对这张唱片起着窥斑见豹的效果——来自宇宙和历史的博大之音，最是适合主唱具有时空穿透感的歌唱。 专辑以一首对命运转变进行思索的《The Passover》结尾，1分钟的沉寂之后，以管风琴和古钢琴为主的隐藏曲目曲目出现、渐强、渐弱、淡出，给看上去似乎欲言又止的歌曲画上了未完待续的省略号。

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科恩本不是一个“体育场馆”型的歌者，2008年7月17日的这一夜，他填满了两万人的体育场，让前排那些比他的曝光率更高的音乐界、文化界名流们：“平克•弗洛伊德”（Pink Flyod）的David Gilmour，英国的前文化秘书Chris Smith等人虔诚聆听他的演唱，保持着当一根针掉到地上都能被听见的沉默。 开场的曲目是《舞到爱的尽头》（Dance Me To The End Of Love），科恩作品中节奏较为轻快的一首——在他小跑着上台之后。这是他阔别多年之后，首度回到英国演出，回想当年，科恩说“大概是在14年或者15年前，我还仅仅是一个怀着疯狂梦想的，60岁的孩子，那之后，我用了各种抗抑郁的药，也很深地研究过哲学和宗教，然而快乐总是时不时造访。让我告诉你们一件很难被反驳的事吧，”科恩像在路边的钢琴酒吧中一样对台下的观众交谈，衔接着下一首曲目的到来——“那就是，《爱是无药可救的》（Ain’t No Cure For Love）”。 这些在歌曲之间穿插的，听似随意说出的话，每一句都有着让世界动容的力量，是来自科恩现场录音的珍贵馈赠。他说：“当世界的其他地方还深陷黑暗和混乱之中时，我们感到如此荣幸能够一起让此情此景在此地发生。让我们敲响那些还能够鸣响的钟，忘记你完美的想法，所有的事物都有裂纹，所以光明才可以照进来”——话音刚落，《Anthem》感人至深的12弦吉他旋律响起，听者的心早已被想哭的冲动胀满。如果要在世界上寻找一种声音，可以让灵魂得到救赎，让心伤得到治疗，科恩一定不会辜负这样的期望。 现场的乐手共有9名，科恩把自己的名字和他们一起，用一样的字体、大小排列在专辑内页上。现场演出的过程中，科恩始终以“我们”作为自我称谓，他以超乎寻常的频率，数次介绍台上的乐手，将这一夜的荣耀归于舞台上才华横溢的群体。他们每一个人，从舞台最深处的鼓手，到伴唱的女歌手，都身着正装，举手投足都保持着科恩式的优雅，他们发出的每一个声响仿佛都经过了精密的计算，Solo、即兴的部分很少——一切无懈可击的专业演奏都为了烘托出科恩温暖低沉的嗓音。 演出中最让人情绪化的时刻，来自科恩对《A Thousand Kisses Deep》的朗诵。伴奏键盘音色如烟雾般飘缈缭绕，O2两万人体育馆只有科恩一个人的声音在回响，“我只是另一个雪人，站在雨中，爱你，以我冰雪封冻的爱情……”，一个74岁的老人，平静地说出这些不顾一切的浪漫的话，台下那些聆听的心啊，早就如雪人一般融化了。 这一晚的演出持续了3个小时，返场共4次，而科恩只在中场时做了短暂的休息。演出曲目中包括了《Hallelujah》、《I’m Your Man》、《Bird On The Wire》等科恩的名曲，当然，也少不了他的音乐生涯中第一次登台演出的《Suzanne》，当年那个因紧张而颤抖得如秋天树叶的年轻诗人，如今已经成为乐坛传奇。“我记得，小时候曾经和钢琴老师聊天，算起来他现在已经120多岁了，当时，他70多岁，他跟我开玩笑说：‘很抱歉，你要原谅我这个老不死的啊！’这也许正是我现在想跟你们说的。”台下的观众笑了，感谢上帝，因为科恩想要抱歉的，正好人们想要看到的事。

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2006年加入张亚东的东乐唱片之后，“果味VC”乐队一直没有发表自己的专辑，那些期待听到中国的英式乐队精英与流行乐制作高手合作成果的人们，只在2007年9月发行的《东乐园》合辑中听到了VC贡献出的变化并不太明显的两支单曲。一直到今年12月，距离上一张专辑发行3年之后，“果味VC”才将这张打磨已久的第三张录音室专辑《Great Restoration》奉上。 这是一张不会让他们的乐迷感到疏远，又将为他们赢得新的听众的唱片。“熟悉”的部分是制作上沿用了在前两张专辑中合作过的粟野敬三和宋一彬进行母带处理和录音/混音，此外，还特别运用了如今已经非常罕见的“开盘”设备，添加一轨线性录音，使唱片音色听上去更复古、更温暖。而“新”的部分，则渗透在每一首作品当中。 第一支单曲《1978》，承第一、二张专辑《双重生命》和《来自VC的礼物》的英伦摇滚血脉而来：吉他噪音点燃了蜿蜒而出的贝斯引线，吉他扫弦顺势奔流，当鼓声坚定地打通前路，随之而来的就是主唱孙凌生优雅空灵的歌声。四大件在58秒左右凝结于一点，整体呈螺旋状上升，到1分26秒处，冲破情绪对流层，滑向另一个相对平缓的音景当中。这样的走向在接下来的一分钟内被打碎、拼贴、不规则复制，直到一段吉他噪音以最黑暗的形式结束这片混沌，3分04秒之后，一切皆是光明。这是整张专辑中结构相对最复杂、考究的一曲，足以完成“果味VC”对自己长时期蛰伏的交代。 接下来，人们期待的“果味VC”在《沙滩绅士》、《午后三点》中回归，“沙滩男孩”（The Beach Boys）、“披头士”（The Beatles）、“果酱”（The Jam）等早期英伦摇滚乐队也在其中被一一回顾、引申，VC依然是国内乐队中能够让人听得心情愉悦、嘴角上扬的一支。“如同被一双巨大的手臂拥抱”——这句他们的歌迷用来形容自己听觉感受的话，将在重新混音的《夜空多灿烂》中再度得到验证。不管是在音乐上、外形上，“果味VC”都是崇尚美的，在很多人看来，这种对美好的追求甚至有些偏执和自恋，所以即便是在名为“伟大的失落”的歌曲《The Great Disappointment》中听到的，也更多是骄傲的孤芳自赏，而非放弃一切的沮丧。 尝试和突破是《Great Restoration》的一大主题，其中包括《午后三点》中对管乐的运用、《柔光》中加入印度弦乐Sarangi的演奏、《The Great Disappointment》结尾处对环境人声的采样和变形。或许还有人会从《木偶剧》中听出模仿的影子，但那些来自“剃刀光芒”（Razorlight）的吉他段落，最终还是被刘韬的阴柔嗓音消解成了V式情歌中的点缀。专辑的收尾曲《罗素广场》，是这张专辑中的一支五星级催泪单曲：“如果你的微笑属于我，我感到无数彩虹在夜空”——这是“果味VC”式的情怀，如同焰火一般在歌中忧伤而绚烂地绽放，孙凌生那句多愁善感的“告诉我，I will be right there, you could say...”还未尘埃落定，冬季里那些依旧孤单的人们已然泪奔。 本文已刊登在《音乐时空》12月号

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