独行狼的音乐

水货翻译：独行狼 The Flaming Lips 的《Embryonic》也许会成为2009年内最让人意想不到的一张唱片。 从1999年的那张《The Soft Bulletin》开始，十年间，作为目前为数不多的Alt-rock团之一，他们也非常满意自己目前的状态。气宇轩昂的华丽赞歌和场景一直在它们的作品中被呈现得淋漓尽致。2006年，他们发行了唱片《At War With the Mystics》，尽管仍有一些闪光之处，但却零散得有些漫无目的，让人不免有些失望。在随后的一段时间内，The Flaming Lips行程安排得满满当当，让人不免有些怀疑他们还能否在音乐上挑战之前所取得的成绩。好在，他们还有一些早前写的好歌保保底，他们仍然会表演几场还不赖的SHOW，他们也会玩票性质的拍拍电影（2008年的《Christmas on Mars》），然后拿出它的原声带交差。也许，对于他们自己来说，这样已经足够了，因为并不是每支乐队都需要不断重塑自我。 在这种情况下，没有人会想到，在2009年，The Flaming Lips会带着他们艺术生涯内最有挑战意味的一张作品回归到大家的视线。《Embryonic》中，满是黑暗、冲突和抽象的意念，它并没有迎合那些把他们过去那些经典之作（比如Alt-rock典范之作）奉为圣经的歌迷。相反，这张唱片更像是一场有些许初生牛犊不怕虎气质的迷幻探险。目前，一边倒的赞誉之声也算是对它的莫大肯定。 在电话采访中，主唱Wayne Coyne也聊起了他们的这张新作。比如它的创作过程、创作路向的变化、以及从他们的老家俄克拉何马州开始的巡回演出。 P：Pitchfork WC:Wayne Coyne P：这张唱片也算和你们前两张作品风格划清界限。不论是整体情绪，还是从中发出的声响，都算是大换血，我很好奇这种新的灵感是在什么时候，在一种什么样的状态下产生的呢？ WC：我想你会认为当一件事物想进入一种全新状态时，一定需要拥有某些刺激的体验。其实不然。我们进入状态的方式很简单，就是不断写歌、前期制作、录DEMO。当脑子里有些想法，就会将它们列入手头工作，经过不断打磨，这些想法就变成了不错的音乐。但是在大部分时候，做这些事情是没有预见性的，你不能开始就指望它的结果会让你多么振奋。做这张唱片的时候，一步一步走下来，我们每个人渐渐清楚我们想要做的是一张Double Record。Steven和我首先只准备录9到10首歌（差不多已经收好），可到后来，我们又想做一些（9到10首）更反常更颓废的东西，但是我们还不清楚该怎么做，只知道那些点子让我们都很兴奋。 当我们在制作那些已经收集好的歌曲时，有时录了几分钟之后，我们会比较肯定的鼓励一下自己：“Yeah, that one‘s good.”但紧接着我们又分身进入另一种更加歇斯底里的状态，录那些我们从未尝试过的东西，这时我们又会说：“Dude, what is that?”，那是一种更加兴奋更加迫不及待的状态，就像突然又回到了我们做第一张唱片时或者是做类似《Zaireeka》那时的感觉，那是一种凭直觉做事的感觉。在录音的过程中，我们也经常失去方向，比如有些想法，一开始并不是那么的有趣。但是到了某个时刻，却显得那么的与众不同，这也就是维持这张唱片根基的一些关键所在。 我们最先录的一首是。这首歌本来有10到15分钟，但是从头到尾，我们都在试图理清它的脉络，弄到最后，只抽出了其中一小部分，其它部分都没采纳，Steven当时很兴奋地叫道：“Man that was cool,What is that？”。接下来我们就着手录制最后定案的这几分钟。不过制作期间我还是有过做之前的那个长版本的念头，比如在其中加些即兴演奏之类的。但是按这种套路来做，也就回到了我们过去那些歌曲的走向模式，所以最后还是放弃了。毕竟我们现在是想弄些新鲜的、不太Flaming Lips的东西出来，感觉只有这样才能让我们更加疯狂和进入状态。 P：你们当时准备这一切时，是不是还是在Steven的旧房子里面？（混音师Steven在俄克拉何马州的旧房子，准备卖掉。） WC：确实如此。等到经济危机有缓解迹象的时候，Steven就准备把它卖掉。 P：建议你们可以在房子前面立个碑，然后注明：”This is where 《Embryonic》 was conceived.”。 WC：呵呵，不错。不过我们还得观望大家对这张作品的反响如何，因为现在还很难预测是好还是坏。不过五年的时间也足以允许我们立个碑了，然后在上面标记：”Yeah that was recorded here!”。 P：这张唱片里面很多地方听上去就像是在一个房间里非常即兴弄出来的。你们有没有把最初的一些Demo直接放到唱片里，还是所有东西最后都重新录制了？ WC：有些作品我们是在用Demo的形式做。我想说的是：这张唱片至少有四分之三的部分是用一些极简的片段组成，这些都是在Steven的房子里做的。我认为：当我们每次说“Live专辑”的时候，不应该那么狭隘，其实每张唱片都有“Live”的表现形式。比如在房间角落放支麦克风，摆两个鼓和一把贝斯，就做到了。不过可能最后的音乐听上去可比这些复杂得多。有些最后出来的声响其实是很意想不到的，我们之前做的很多唱片听上去就不像任何东西（乐器），但是确实就是很简单的东西混合出来的——声音、演奏和一些很奇妙的化学时刻。 我提到这首歌是因为它是这张唱片的开头，也是我比较满意的一首。Steven在做Demo母带的时候，差不多就把我们第一次录的东西照搬上去了。当我提到我们是凭直觉来做我们想要的效果时，这首歌也算一个不错的例子。因为录制之前我们并没有太周密的考虑，完全时跟着感觉走。当我们把Demo带到 Dave的录音室时，我们不知道他是否会认为它非常棒，或是糟糕透顶到需要重新录。听完以后，他可能会说”Well these are great; let’s work on these.“。也可能会说”This sounds like shit. What are we gonna do?”[笑]。但是我不得不说，最后是Dave强烈要求我们把这首Demo录成正式歌曲的。 其实我并没有太多顾虑说五年这么长的时间需要交出怎么样的好作品，那是对创作的亵渎，比如你创作一首作品之前你就仔细考虑这首作品会有怎样特别，怎样有特殊意义。我们当时做《Zaireeka》的时候，同样也不知道该按怎么样的模式往下做。其实这样做一点影响都没有，因为做着做着，你自然就会知道你下一步该怎么弄了。 P：恩，那也就是让我很佩服的原因。因为这张听上去和你们之前任何一张作品都没有交集。这是张焕然一新的作品。 WC：我认为是这样。我想有些听众也完以后也可能会说：“这几个老家伙又回到了90年代”，其实我也没啥意见。 P：我完全不那么认为。 WC：我想他们也许会认为：这张听上去仅仅比《Yoshimi Battles the Pink Robots》更注重了吉他或是乐队即兴感。 （待续）

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在过往的印象中，Andrew Bird已经不仅仅停留在民谣歌手的范畴。作为一位具有深厚古典音乐底蕴的音乐人，多种乐器在他手下自然是玩得很转，而最主要的是，这位很有亲和力的口哨爱好者脑袋里却藏着不少深远复杂的想法，这在之前呈现的一些结构有些蹊跷的作品和同样有些晦涩的歌词中可以淋漓尽致体现出来。 尽管最初发行的几张个人作品的成绩都令人印象深刻，在民谣、爵士等多种曲风之间的自由转换则证明了他游刃有余的音乐功底和口味。而最最巩固他地位的则是2007年发行的那张唱片《Armchair Apocrypha》，它成功尝试营造的独立摇滚气氛为这位曾经还哼着小调的音乐人找到了一个全新的突破口，那年这张唱片成为了很多年度榜单中出现频率相当高的名字。 本以为他会趁热打铁，朝这个乐评人近几年最爱的方向继续进发，哪想到，在这张2009的开年大作里，他有些大跌眼镜的顿时收回野心，绕了一个小弯以后又乖乖的转回原向。不过，肯定是没有回到原点。有了之前成功的转型经验，不管日后是否作出改变，他便能更加自如把握自己的创作路向了。 不是说这张新唱片就没有花心思，只是在旧作《Armchair Apocrypha》里可以明显听得出来编曲部分的考究，那是一张以他过去很少用的电吉他主导的作品，它将那些原音器乐穿插在一起，形成了一张华丽而密不透风的网，很多地方都令人叫绝，在这其中，制造出了一个个情绪高点，但是也就是在这些地方，隐约可以听到一些思考和雕琢后的痕迹。 今年发行的《Noble Beast/Useless Creatures》是他的第五张个人唱片，从表面来看则抛下华丽外衣，简单平和了许多。不过，这样做肯定是存在潜在危险因素的，因为不能保证每位寻求听觉刺激的人都有足够耐心将它琢磨到令自己满意的程度。实际上也确实是这样，全碟最初浏览下来，大部分歌曲的结构都处于一种很游移松散的状态，找不到支撑点，似乎让人一开始找不到进入其中的入口。 但是，不用花太多时间，便发现这是一张让人叫好的慢热回温之作,花的心思也不比上一张少。开篇曲《Oh no》，中间器乐曲《ouo》和结尾曲《oh no!》在名字上小玩一把花招，《masterswarm》是首很沉得下去的中长度作品，从头至尾的不紧不慢让它成功进入本年度最闷骚曲目侯选清单。《fitz&dizzyspells》属于多个场合出现的专辑主打作品，这首歌倒还是保留了独立摇滚的精髓。《tenuousness》中的节奏和某些字句的尾音则让人有些奇怪的联想到与之气质完全不相同的Jack Johnson，不过厚实许多。放在两首间奏之间的唯一一首重点作品《not a robot, but a ghost》是最看得出花费了心思也最承接上张唱片气质的。而最深得我心是另两首作品。《Effigy》中探讨了如何面对一个人的孤独这个问题，从前奏开始就注定它是一首很能动容的隽美歌曲，打头炮的小提琴有预热效果，紧接而来的原音吉他弹拨是真正的杀手锏。《the privateers》尽管平静起步，而往后却逐渐昂扬起来，一步一步调动情感。至于整张配器部分，有几样仍是不离不弃，口哨声和木吉他注入的肯定是一丝丝田园气息，而一如既往古典乐器的点缀给其中频添高雅氛围，两者看似有些矛盾，结果却搭配得有条有理，串联这一切的就是那一把稳重又自得的婉转唱腔。 Andrew最近的两张唱片封面都把主题投向了青葱开阔的自然场景，我想这是有原因的，他近几年都生活在自己的偏远农场里，周围的生活气息自然会让其耳濡目染。同样，在这样的环境中进行创作，带来的作品不免带有自省的意味，它们也更适合在较私人的环境下去感受。 无论过往还是现在，Andrew 的作品之中都隐隐有些厚重折中之气。虽然鲜见那种琅琅上口的旋律，但是歌曲都保持了一定的跳跃流畅性，虽然快速挑到一击即中的歌曲也不是一件容易的事，看似没有出现多少高点，但总能从多处细节部分找到讨巧动人之处。从整体基调来看，Andrew的作品既不明快也不阴暗，从聆听感觉来看，温润又有些苦涩，用饮料来对号入座，那就是一杯绿茶。 当然如果感兴趣，也推荐去看一下他的一些Live视频，便会发现，口哨是他多么引以为傲的一件身体乐器啊。

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这张唱片最近占据了我的耳朵很长时间．诚然，在拾起它之前我对这支来自西雅图的乐队一无所知，因为他们之前就只默默无闻发过一张EP[Sun Giant]．所以这张是不折不扣的debut.Fleet Foxes是来自盛产高质量独立摇滚乐队的厂牌Sub Pop,所以唱片的整体依然是独立摇滚的范儿，除了曲调相当圆润悦耳之外，他们的最大特色是融入了许多南欧传统民间音乐的元素，给整张唱片成功的注入了新鲜的血液，而要知道有时候将不同牛马不相及的风格混搭在一起还是需要勇气的，因为这往往是桩吃力不讨好的活儿．主唱Robin Pecknold的声音真实、质朴而嘹亮，搭配这洋溢其中的民间乐器（特别是鼓器）及和声采样，自然而然增加了辽远开阔感，也在不经意间小小触动你一把．而歌词部分顺应编曲，取材于许多民间的事物，就仿佛是一位阅历丰富的歌者在讲述一个个逝去的不老传说． 如果要我用一个词来形容这张唱片，那就是真实．

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入夜，关上灯，躺在床上，戴上耳机，将这张唱片在耳边开启，然后进入你的音乐世界。这并不是我刻意营造的一个矫情的环境，而是这张唱片必须这么听。唱片发行于05年，但算是我在08年初听到的一张比较惊喜的唱片。 　　Track1[dammerung]以一段细碎的钢琴开始，一种流动的情绪自然而然从你脑海中出现，而后随着逐渐发力的琴键铺陈开来，短短一分多钟的暖场已经可以让人对这张唱片的质量放心。Track2[am morgen]轻轻拍打的鼓器开始，一个极其富有磁性的男声以低吟的姿态出现，刚毅但不失温柔，算是唱片的亮点之一。而这在后面的五首作品里面也有完美的延续。结尾部分Track8[seelenthron]也只有一分多钟，是开头部分的回应，依然是钢琴声，只不过这回是渐行渐远。完美谢幕。 　　出色的旋律和配器是这张唱片的最大亮点。从头到尾由远及近的钢琴演绎，让你感觉身处一条从悠远的深处平静流淌过来的小河旁，而原音吉他的弹奏则在某种程度上体现了民谣的气质，温暖而质朴。在某些细节处合成器以及弦乐的运用，增加了音乐的开阔性。除此以外，还有一些生活场景的采样，比如Track5[im lauf der zeit]开头和结尾处的雷声采样和Track7[heimkehr]中间部分的甜美的少女吟唱，这些都提供了一副副真实的生活画面。比如天空或草地，清晨或黄昏。这正好和昏黄的封面和牵手的儿童相得益彰。 　　在某种程度上甚至可以说这张唱片的人声是为旋律作辅助，尽管这样说是有点不适当的，因为男声的部分同样令人印象深刻。但是当你听过以后，你会发现唱片给你的想象空间更多的是旋律和编曲部分给你提供的。而歌者的演唱和在某些时刻的独白则轻微的游离于旋律之外，更像是搭配着这些音乐部分的优美诗句。如果身边有个会德语的人就更完美了。 　　Heimkehr是来自德国的一支Neofolk乐队，近些年Neofolk风格的乐队在德国可不算少数，在某种程度上说，这种风格也非常好的体现了德国音乐的风格。忧郁，古朴又有点黑暗，带着浓郁的古典美，而古典音乐一向也算是德国音乐的主流。但究竟什么是Neofolk风格，也不是仅仅用新民谣几个字就可以概括，也没有必要，因为听觉是属于主观感受的。如果真要说，那就是这种音乐可以营造在传统民谣音乐之上更有张力，更能刺激感官想象的民谣吧，恩，这仅仅是我的理解而已。也许以后可以把一些听觉视野投放在更多德国音乐上。 　　整张唱片从开始到结束也不到30分钟，却很饱满，很立体。不过千万不要被Neofolk所谓的忧郁所吓倒，在伤感的音乐世界中，你依然可以感受到隐约浮现在其间的欧式浪漫和跳跃。 　　

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