powerbird的音乐

在经历一次濒临死亡的车祸之后，一个伟大的newage音乐家诞生了。当我最早从《世界上最动听的歌》上读到这段到时候，我很好奇一次传奇的经历对一个人能有多大的改变。我不清楚他在国外的声望怎么样，但是在国内，很少有人知道他的名号，即便在newage的玩家中，他也算是个小众。于是我有这样的感觉，他像是刻意回避将自己的名号宣扬开来，而换之以karunesh这个生命感悟的代号——名利之事，早已置之度外。所以，纵观newage的各个名家，有些人像是为了兴趣而作曲，有些人像是游戏一般地混搭，有些人甚至像是做作的表演，但Karunesh是与众不同的，他是用极其严肃的心态来做音乐的，每一个音符似乎都是他生命流淌出的旋律。 豆瓣Newage小组有一个关于谁是你心目中的Newage代表人物的讨论。于是我开始思考对于我来说，什么样的音乐是我心目中的newage，我不倾向于把新古典和新民乐归于newage，如果说只是把旋律弄得很动听，这种new并与其他类别的音乐没有根本上的区别。就像当初刚开始听《世界上最动听的歌》那两张cd的时候，像Enigma，karunesh给我的印象，要远超过其他的“流派”。在思考这个问题的时候，我就很自然的想到了《Global Spirit》这张专辑，这就是我心目中newage的完美体现之一。 2000年，千禧年之际，Karunesh以这样一张专辑，表达了他对于Global Spirit的思考。虽然他是德国人，音乐却没有西方音乐的那种匠气，也没有东方音乐的晦涩。他使用了全球各个地区的典型乐器和多种变化的乐曲风格，实现了全球范围内的音乐融合。但这张专辑其实很简单，而往往简单的东西最有力量。听这张专辑，没有任何的压抑、纠结、或者宗教、哲学高度的反思，而是很直接地想到了生命的质朴和单纯。曲子所散发的精神是积极向上，充满阳关的。也许是我们太多人根本就没有机会好好享受简单的人生，这种纯净的生命价值反而让人觉得非常超脱，所以，Karunesh不枉鬼门关前走一遭的哲思。 最后再说点题外话，《Global Spirit》这张专辑是Karunesh旋律最平易近人的一张作品。像Earth Song向来被发烧友奉为音箱杀手。鼓、笛子、二胡、风铃以及很多都不知道名字的经典乐器，让这样专辑成为绝对的听觉盛宴。我个人将Karunesh奉为笛子旋律的大师，他总是在音乐呢喃很久之后突然抛出一段悠扬的旋律，瞬间让人销魂。

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大多数和平之月的专辑都会以一个字来概括音乐所要表达的主题，而且对于绝大多数的专辑来说，这一点都做得相当到位，让人看到这个字就可以大概把握音乐的气质。对于《幻》这张专辑来说，这种把握多少让人摸不着头脑，到底什么是幻？就如幻这个字给人的印象和联想一般，的确是比较虚无的，或者更准确地说，就是虚幻。从这个角度来说，“幻”这个主题的确是非常切题了。 再说音乐本身，电声混音加上宗教元素，无论在直观上还是在内涵上，也都有了“幻”的味道。这种命题和尝试本身是一种比较危险的探索，作曲面临如何将一个空洞的概念具象化的挑战，如果做得不到位，很可能给人的感觉就是肤浅和狭隘的。当砰然的节奏和电声的处理手法相结合，我第一时间联想到了迪厅的灯红酒绿，可以说这种旋律给人一种迷幻的感受，让人头脑晕晕的……这就是所谓幻么？也许对有些人算是吧，但正如我之前所说，在我看来这种尝试让这个字眼变得很敏感了。如果说音乐本身是对现代文明的这种迷幻色彩致敬的话，我觉得反而有必要从哲思的角度来想想这种表达的意义。东方音乐向来以表达平和的意境见长，世俗的生活，让这张专辑名副其实的另类了。 不知恰当与否，我想用“堕”这个字眼来表达我对于这种世俗节奏和旋律的感受。在这个层面上，音乐中的宗教元素则似乎代表着另外一种向上的超脱，或许可以称之为“赎”，一种向下，一种向上的精神博弈在音乐中展开，让音乐变得有些意思了。 如果说这样来评价这张专辑，可能会有人问我既然达到了这种高度，为什么反而是三颗星呢？我想，一方面，这个星数代表了我听完音乐的感受，这张专辑可能境界很高，但是我听完了不舒服。音乐的内部是矛盾冲突的，也许这很好地体现了幻的感觉，但是这种斗争的目的是什么呢？我在纠结中听完了所有的音乐，最后留下一颗不平和的心……或许是我的要求过分，但至少如果没有做好纠结的准备，我并不推荐听这张专辑；第二方面，这张专辑的高度是刻意为之的，还是歪打正着，这个问题可能就不好说了，从手法上将，Newage中的电声混音流派并不是我喜欢的类型，大多数时候，作曲更像是因为有这种表现手法，所以拿来试一试。比如著名的《Deep Forest》到现今引发热议的萨顶顶，都是这种风格，据说DF的当家还相当fan萨顶顶，这就说明这是一部分作曲的品味追求了。我就没觉得《Deep Forest》的音乐内涵像它的名号一样有空间，充其量就是个尝试，或许好听，或许连好听都算不上，听一次还可以，慢慢品味就算了吧。 作为一种尝试，这种方法是值得肯定的，作为艺术追求，我觉得这条道路走不了太远，毕竟newage的特质是引发精神享受的，以感官快感为追求的话，这就和pop没有太大的差别了。不推荐这张专辑的第二个突出感觉就是，听过一次之后，我没有欲望再听第二遍，假如你在为T太走秀选择合适的背景音乐，这张专辑也许蛮合适的。

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作为一个大男人，听音乐流泪是一件很不可思议的事情，而且我也不是那么善于动情的人。幼年的我看到妈妈因为看电影而流泪，都会在旁边扮鬼脸，从而招来一顿不痛不痒的巴掌……长大后，我终于发现，随着自己经历的增加，人对于外界的感受竟然是越来越敏感的。 但是我相信，这种细腻地感受是属于用心去生活和品味生活的人的。艺术，所有的艺术都是人类情感的表达，优秀的艺术作品是创作者用尽心力的作品，因此，唯有用心才能体悟他们的诉说吧。 第一次听音乐流泪，是在去年7月，身心疲惫我的决定独自去西藏透透气。在拉萨的第一晚，旅行社组织我们看藏族艺术表演《喜马拉雅》，当身着雪白藏胞的姑娘站在神鹰的后背放声歌唱，坐在黑暗中的我灵魂为之震颤，不禁然间，大颗的泪珠滚落脸庞。 为什么在这里要提到西藏呢？我想宗教，或者说信仰的题材，在这两次经历中是一个重要的共同点。藏传佛教的虔诚自不必说，而《祭》的题材，则似乎在给我们诉说从遥远的年代开始，那个海岛上的人民是如何敬畏自然，与自然抗争，并通过祭祀的仪式来表达这种微妙的人与自然的互动的。这是一次原始的回归，也许是现在的人经历的太多，不相信的东西反而太多，于是简单与纯净，就成了我们灵魂中最缺失和最向往的东西。祭祀是人类最古老的社会行为之一，与其说是愚昧无知的体现，我个人觉得更重要的是这里面体现出了人对于生存的思考，抛开科学的进步不谈，生存中依然有很多问题没有结论，所以我们依然会思考下去，从这个意义上，祭的题材，就如同生命之歌一样了。于是，当你静下心来听这张专辑的时候，应该能感受到自我和自然的融合、共鸣。 再说扶桑之国，这个岛国除了近代与我国的恩怨瓜葛之外，自古却是一衣带水的友邦。假如说从战争的背景来解读日本的心态的话，拮据的生存环境恐怕也是要占据一席之地的重要理由。日本人的宗教体系是典型的多神信仰，有所谓八百万众神之说，山鸟鱼虫，举目所及之物，都可算是神明之物了。所以，这个国度对于自然的态度是很不一般的。另外他们毫无疑问受到中华文化的深刻影响，很鲜明就体现于对于龙虎的崇拜。反映在音乐上，龙虎就是本张专辑中很重要的两个图腾元素，成为了形式的载体，而从音乐的气质来说，那种浑然和大气，明显在向我们传达着大自然的神性。 另外不得不提的一个图腾是鲸，这就是日本海洋文化的一个重要符号，是他们鲜明的文化符号。可以想象，庞大的体型使这种动物自然成为了海神一样的存在。音乐是一种很有意思的东西，凭借一个音符，我们完全可以感受出鲸的那种庞大和舒缓的行动。《鲸传说》给我们描绘了在辽远海洋中时隐时现的鲸神形象，而《巨鲸大祭》，似乎就在给我们描绘大群的日本岛民，在近滩的海水中扛着祭祀的校龛呼号，祈求海神赐福的场景，在男男女女有节律的号子声中，音乐的高潮将我们带入了一个温暖光明的世界，那一刻，仿佛海上日出，万里云破，鲸鱼在海水中喷吐巨大的水柱，自然向善良勤劳的人们做出了回应一般。 鼓是人类最原始的乐器，始于祭祀场合，也是最简单却最能动人的东西。作曲吉田洁从来善于编写鼓乐，其成名大作《打》，就是一张融合了现代旋律的鼓乐大作。当然在我听来，以太鼓为主旋律的专辑，多数都属于意识层面的对话。吉田洁的另外一个擅长，就是历史题材。我没有听过他最新写给NHK的专辑，但是《日本人的遥远旅行》已经足以证明他在此方面的造诣，浑厚、视觉化的场景，以及和和风的呼应，似乎可以完美在线日本劳动人民的那些经历和故事。这张专辑，可谓集合他的两大擅长，并结合尺八、三味线以及人声，将和风气质发挥到了极致。 至于为什么会感动？我想，是我从音乐中听出来勇敢的勤奋、不屑的努力和辉煌的成绩。生存不易，当自强不息，我崇尚敢于打拼的人生，欣赏付出后获得的回报，那一刻，我为人的生命自豪。

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James Hornor明显成为了一个作曲专才，相似的旋律、乐器和气场，从Brave Heart到Titanic，在到今天的Avatar，（尤其是后两部作品还是和同一个导演合作的）有种强烈的似曾相识感。虽然演唱者本不一样，但我听I see you的时候第一反应竟然是My heart will go on…… 我不否认本张专辑作为ost的水准，但是个人认为从艺术创作的角度来说，James Hornor似乎也太没有追求了一点，不知道是他不愿意突破自己还是不能突破自己，更或者是害怕突破自己。 从这个角度，我觉得这张作品充其量是张商业大碟而不是艺术大碟，正好，和Avatar的完美的契合。

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