Alejo的音乐

解构《邁式微笑》背後的后波普爵士乐 作者：文卿 聽黑胶唱片的妙处就在於，通過翻轉唱盤，可以還原兩日的录音程式。翌日是收官時刻，樂團成員整裝待發，著手錄製餘下的三首作品，其中的兩首均不是現役樂團成員的創作。首先聽到的“Dolores”依舊是威恩舒特的作品，他對於整張唱片的貢獻，客觀評價應當是他的創造力和實踐性，以及完全服從老邁的合作精神。“Dolores”與“Orbits”有許多的相似之處，無論在主題還是动机，都按照相同的模式進行，卡特絮叨的撥弦是抓住樂曲主線的方法之一，獨聲樂器的主次一目了然，老邁和舒特的銅管樂器對奏是重頭戲，漢考克爲了跟上前兩位的思路，他堅持以單手演奏，也許這樣才能符合后波普樂跳躍的形態。雖然整曲的亮點不多，但卻是踐行后波普的鼎力之作。如果某君不甚瞭解此類樂，把这曲放給他聽，自然迎刃而解。 隨後聽眾將受到——在爵士樂史中舉足輕重的作品——“Freedom Jazz Dance”的洗禮。作為后波普樂的權威作品，老邁和他的新樂團無私付諸彼此的灵感和才華，淋漓盡致的即興渲染，以及配合完美的語章，讓這部作品有了嶄新的生命力和社會地位。原作者是頗有名氣的愛迪哈里斯，這位從爵士跨界放克然後回歸波普的音樂人，通過自己的才華創造了唱片的百萬銷量。“Freedom Jazz Dance”是其創作于1965年的作品，他將這首樂曲描述成“一系列同頻率的節奏串聯起來的可供聽者跳舞的爵士樂”。在老邁拿來重新灌錄之後，此曲成為現代爵士樂史的標準曲目。作為先鋒派與節奏派的融合之作，樂手間的互動如影隨形，聽眾的感官反映應接不暇，老邁長達兩分半鐘的獨奏，是波普與酷派兩種風格的精彩表達，收放均恰到好處，而且音色異常清晰。舒特的薩克斯風由低沉開始起伏結束，情感的表述娓娓道來，有著明顯的溫度，調性功力可見十足。年輕的漢考克處事不驚的態度難能可貴，難怪老邁評價他的鋼琴像兔子一樣活躍、難以捉摸，他的琴聲出現的時刻往往總是能夠撩撥聽眾心弦。樂曲最為精彩的當屬後段老邁和舒特的合奏，一個詞形容是天衣無縫，兩者的配合簡直叫絕，悠長緊促的音符，竟然氣息幾乎相同，著實讓人稱快。此刻，樂迷已然會給《Miles Smiles》打出了高分。 老邁在唱片最後選擇了前團員、薩克斯風手“小鳥”吉米海斯創作的“Gingerbread Boy”。海斯不僅是位優秀的樂手也是位出色的作曲，他曾跑到老邁的死對頭查特貝克那裡，為後者的名作《Playboy》創作了多首曲子，又輾轉到亞特佈雷克的郵差樂團獻上作品。短暫替代因吸毒被開除的約翰科川位置，成為邁爾斯戴衛斯一帶五重奏樂團的一員，並在林肯公園上演了重要的爵士音樂會。可惜，老邁對他的演奏不以為然，認為他格格不入，無法促進團隊統一，未待良久便被掃地出門。不過似乎老邁對他的作曲才華很是欣賞，尤其是他的批判性態度，這首“Gingerbread Boy”足以說明。對於發散思維的作品，老邁很是謹慎，因為調性架構容易被忽視，所以此曲和之前的“Freedom Jazz Dance”都需要一個人來維護結構，便是鼓手托尼威廉姆斯，老邁稱他為“樂團的拋錨手”，由他的鼓槌做網兜，樂手很難脫離調性。 《Miles Smiles》在42分鐘處落下帷幕，一張經典的爵士名盘，便刻印在聽者的印象之中，作為后波普改良運動的革命者和先行者，老邁又一次證明自己的慧眼如炬和團隊精神，石破天驚的理論付諸于切實可行的實踐，登上了搖滾時代來臨之前的爵士巔峰。整張唱片的計劃、創作和錄製過程，讓我聯想到法约尔的一般性管理原則，領導力和創造力是事務順利發展的核心內涵， 老邁以完备和人性的管理模式，达成了共赢的局面。《Miles Smiles》获得爵士权威杂志《Downbeat》頒发的1967年最佳爵士专辑大奖，也成为爵士乐迷唱片陈列架上显眼的一枚收藏。

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解构《邁式微笑》背後的后波普爵士乐 （上） 作者：文卿 1966年十月的一天早晨，邁尔斯戴维斯踱入位于曼哈頓的第三十街區錄音棚，重回這個讓其功名遠播的寶地，他的心情似乎很是不錯，依然是香煙不離手，悠閒地等待着他組建的第二個樂團的成員到來。他計劃在這裡完成一場新的革命。樂團成員陸續到來，他們是次中音薩克斯風手韋恩舒特，鋼琴手赫比漢考克，低音大提琴手榮卡特以及鼓手托尼威廉姆斯。這顯然是一隻壯年軍，平均年齡正值風華，且各個前途有為，老邁慧眼識珠的本事可見一斑。 樂團調試樂器，音響師測試環繞佈局，醞釀一年的理論即將賦以實踐。1965年老邁新樂團的首部作品《E.S.P.》已初見端倪，不同於以往的編排和風格，硬波普的樣子發生了明顯的不同，所謂開啟后波普的新理念，這自然吸引了諸多爵士樂評家的關注。老邁希望在新的作品中要更大膽一些，更具探索性，讓理論逐步概念化。此時，對其幫助最大的自然要數韋恩舒特，他的前瞻性和創造性對於老邁有著重要的啓發，他的《Speak No Evil》是硬波普向后波普革新時期的重要作品。在縱深意義上講，兩者是互為老師，是天才與貴人的互捧、經理與董事長的互信。在老邁的藝術道路上，擔任伯樂和始作俑者的次數要遠大於被崇拜的次數，這也是爵士樂迷稱他為梟雄的緣由所在。值得一言的是，與同時代的自由爵士風格不同，老邁顯然不想讓后波普爵士脫離調式結構，在他看來，這既是對波普樂的背叛，更重要的是對自身的否定。人人都知曉他是調性理論的老闆。 樂團準備就緒，錄音馬上開始，“即兴”與“調性”這兩個詞語被老邁著重標注在樂曲的總譜上，然後的大片空白就完全交付給樂手們盡致的展示，后波普爵士樂的巔峰之作《Miles Smiles》即將應運而生。首支曲子是韋恩舒特創作的“Orbits”，開篇之作充滿動感，開頭明義毫無拖泥帶水之意，兩把吹奏樂器一起做了酣暢淋漓的主題陳式，在一連串动机呈現之後，進入調式架構下的即興演奏，老邁和舒特輪番搶佔你的聽覺領地，一種強烈的快感凸顯。這才剛剛開始，驚奇蘊藏後部，年輕時的赫比漢考克真不愧天才稱號，僅用一分鐘的時間，就讓世人充分肯定了他的演奏技藝，他令人驚奇地省略了左手的和弦，只使用右手彈奏調式主題，卻呈現出精妙的層次感，且與和聲部的節奏搭配精確。隨後，老邁和舒特領銜複述主題，在錯落有致的合奏中結束樂曲。聽罷首曲遂已讓聽眾大呼精彩。 緊接著，第二首作品是老邁創作的，也是整張唱片中唯一的老邁作品。如果想知道，后波普樂對於他是怎樣的認識，聽“Circle”一曲就能找到答案。在他的理念中，后波普沒有太多的強硬，不僅要隱含情感的激烈還要擁有心志的靜默，應當循序漸進，在統一的架構里，逐步昇華和探究感受的縱深發展，如曲名一般，后波普是周而複始、微笑釋然的。通過這支近6分鐘的曲子，我們彷佛聽出老邁的一種追憶舊日的感覺，調式的延伸更寬泛，包容性和自省性更突出，如果沒有舒特的薩克斯風，我們很容易產生酷爵士時期的錯覺，只是不夠犀利清晰。老邁的偏愛與自身演奏的音色有著關聯性，他的小號總是以中音域為主，所以次中音的薩克斯和鋼琴成為映襯老邁的最佳拍檔，同時也與老邁中年的隱逸思想頗為相稱。所以整首“Circle”的主題是低迴沉默的，他將小號加以弱音器，用以維持黑暗的氛圍。情感的宣洩是隨著主人公作繭自縛般的獨飲漸漸麻醉消沉，而不是纵然的快樂和放縱。聽罷此曲，每個人都有所感染，而且都來自于往事。這或許是老邁在告誡聽眾，真實的情感無法擺脫禁錮。著名爵士評論雜誌《Downbeat》用“一支精緻的爵士樂华尔兹，承載了弱音小號的抒情性”來評價這首作品。 經歷了老邁的情感洗禮，聽眾對於樂團的進展更為著迷。于經典中探究歷史的益處就在於，可以找到明確的答案。第三支曲子是舒特早前發行于自己的唱片《Adam’s Apple》中的“Footprints”，相較于老邁編配的新作，旧作顯得略微保守、合作性不甚強。虽然时隔仅8个月，但后者已经接近“杰作”的范畴。形式上的宽容，解放了节奏部的束缚，完善主次的共同进阶。让作品生辉得当属鼓手托尼威廉姆斯，他的表现是后波普风格打击乐种的突破，他的鼓声更为的自由不羁，但并非鹤唳突兀，而是在统一架构里完全放任和即興，是节奏和隨性的對立融合。當老邁進行第一個即興獨奏的時候，威廉姆斯和大提琴手榮卡特用四分音符为一拍每小节六拍的节奏来作配，讓聲部呈現出張弛有度的不確定性。這樣一個节奏組的改变，使得主音樂手也放開手腳，在节奏上大做文章，尤其是漢考克用一連串飛揚的琴音劃出整部作品的輪廓，完整得重現樂曲的原聲音樂。編制上雖仍是兩把樂器做主題陳式，但從整體上來講，樂手之間的對話是緊湊的，使得曲子異常飽滿，几乎不存在空隙，所以聽眾的被動引導就十分普遍，再加以不確定感，便感知到具有十足的進攻性，讓聽眾猝不及防。所以“Footprints”一曲註定是“難以忘記”、“神秘”以及“難以對付”的。也是《Miles Smiles》中傳播最廣泛的音樂。 今日的錄製任務隨著老邁的一聲“解散”結束，樂團準備稍事休整，明日再來錄製其他的三首作品。老邁的老搭檔特奧馬切羅對樂團表現給予高度評價，作為錄音棚里唯一的白人，他的意見是老邁頗為重視的。爵士樂從不乏卓越的製作人，往往一部經典的爵士唱片的背後是理念的權衡，只有樂手與製作人達到和諧才能統一，前者注重內涵，後者傾向音效。

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一张用厚厚的硬纸盒包装的唱片，带来了鲍勃·迪伦依然健在的思维，虽然听着是玩笑话但却如所述般的惊奇。鲍勃·迪伦的3年来的最新创作专辑【Together Through Life】悄然推出，带来新的路上思潮，一部关于游离美国南部的小说，以及向来错综复杂的生活新概念。 纸盒装里包含着3张碟片，一张歌曲cd一张dvd还有一张Bob Dylan担任dj的一期节目。之所以超值，当然是体现在音符、视觉和唱片价钱上。鲍勃·迪伦的音乐向来就是具有争议性的，本以为奥巴马的新美国主义可以让这位老人变得负有安全感，但鲍勃还是那个鲍勃，迪伦也还是那个迪伦。从唱片封面开始，他便登上到争议的风头浪尖，或许在他的思想中美国人还在缺失，或许缺失的就是自由与人性。标题处，红白蓝的配色象征着美国。记得鲍勃·迪伦曾经说过他的音乐就是给美国人听的。不置可否。 专辑制作人名单上还是那个使人看到便会发笑的Jack Frost，没想到这个玩笑时隔8年鲍勃·迪伦还在使用。 首支歌曲《Beyond Here Lies Nothin》承袭钱一张专辑【Modern Times】的风格，在重打击乐、嘈杂配器、贯穿始终的手风琴想融合的形式中还原到六七十年代的摇滚乐风，显然鲍勃·迪伦并不像让听众忽略他最真实部分——歌词，用他破锣嗓音清晰的发出每一句话，告诉听者旅程的基调和目的地。 第二首歌《Life Is Hard》让人一听便知暗藏玄机，平滑舒缓的节奏藏不住歌词的忧郁之情。如同鲍勃·迪伦的喃喃自语，又如同不言不快的动力，配合“南部”主题的音乐质感，期间瑟瑟的曼陀铃如同孤傲简陋的心灵，将这些深深忧郁深深伤感的歌词提升到一个新的高度——活生生。生活苦不苦，自己最清楚。听说这首歌也是鲍勃·迪伦即将上映的关于旅途的电影主题歌。 第三支歌《My Wife's Home Town》是鲍勃的自我追溯，芝加哥蓝调曲风对他的影响十分大，这首歌也正是这一去曲风的一次重温，一段跨越44年的重温，如同1965年初啼此风的一样纯真和新鲜。这一点上，正是鲍勃·迪伦这些年一直在强调的布鲁斯影响力：底层的呼声充满辛酸和挑逗，吉他是灵魂的化身。 第九首歌《I Feel A Change Comin On》依然是典型的节奏布鲁斯曲风，但是可以听到白人布鲁斯的元素，某些桥段的处理上非常像90年代末的Eric Clapton的音乐，深沉与流畅并存，听着感觉像一首充满渴望与憧憬的歌，不过鲍勃·迪伦的歌真是晦涩难懂，真是不清楚他到底是高兴还是嘲笑。 最后一首《It's All Good》很具杀伤性，因为它的针砭时弊，鲍勃·迪伦这一操心就操了半个世纪，政治和外交一直是他的抨击对象。这首歌里把公众、政治家以及社会环境都有涉及，估计要是放到40年前又要成为一首美国游行抗议的歌曲。尖锐突兀的电吉他充撑起没有歌声的段落，象征着敏感与冲突，仿佛分庭抗礼迫在眉睫，颇为动人心魄。在专辑的最后用这样一首来作总结，我想鲍勃·迪伦是说他的路还没有走完，他还将继续说下去、唱下去、骂下去。 鲍勃·迪伦，这个老头永远不知疲倦，他那双重性格的良心还真是让人无法把他归结为政治音乐家，因为他平庸起来充满自私，但是坚持的时候像位勇敢的战士。用了一天和一晚上来听这张唱片，简单得说了一些微小的感受，待日后时间充裕再与大家交流。

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一张用厚厚的硬纸盒包装的唱片，带来了鲍勃·迪伦依然健在的思维，虽然听着是玩笑话但却如所述般的惊奇。鲍勃·迪伦的3年来的最新创作专辑【Together Through Life】悄然推出，带来新的路上思潮，一部关于游离美国南部的小说，以及向来错综复杂的生活新概念。 纸盒装里包含着3张碟片，一张歌曲cd一张dvd还有一张Bob Dylan担任dj的一期节目。之所以超值，当然是体现在音符、视觉和唱片价钱上。鲍勃·迪伦的音乐向来就是具有争议性的，本以为奥巴马的新美国主义可以让这位老人变得负有安全感，但鲍勃还是那个鲍勃，迪伦也还是那个迪伦。从唱片封面开始，他便登上到争议的风头浪尖，或许在他的思想中美国人还在缺失，或许缺失的就是自由与人性。标题处，红白蓝的配色象征着美国。记得鲍勃·迪伦曾经说过他的音乐就是给美国人听的。不置可否。 专辑制作人名单上还是那个使人看到便会发笑的Jack Frost，没想到这个玩笑时隔8年鲍勃·迪伦还在使用。 首支歌曲《Beyond Here Lies Nothin》承袭钱一张专辑【Modern Times】的风格，在重打击乐、嘈杂配器、贯穿始终的手风琴想融合的形式中还原到六七十年代的摇滚乐风，显然鲍勃·迪伦并不像让听众忽略他最真实部分——歌词，用他破锣嗓音清晰的发出每一句话，告诉听者旅程的基调和目的地。 第二首歌《Life Is Hard》让人一听便知暗藏玄机，平滑舒缓的节奏藏不住歌词的忧郁之情。如同鲍勃·迪伦的喃喃自语，又如同不言不快的动力，配合“南部”主题的音乐质感，期间瑟瑟的曼陀铃如同孤傲简陋的心灵，将这些深深忧郁深深伤感的歌词提升到一个新的高度——活生生。生活苦不苦，自己最清楚。听说这首歌也是鲍勃·迪伦即将上映的关于旅途的电影主题歌。 第三支歌《My Wife's Home Town》是鲍勃的自我追溯，芝加哥蓝调曲风对他的影响十分大，这首歌也正是这一去曲风的一次重温，一段跨越44年的重温，如同1965年初啼此风的一样纯真和新鲜。这一点上，正是鲍勃·迪伦这些年一直在强调的布鲁斯影响力：底层的呼声充满辛酸和挑逗，吉他是灵魂的化身。 第九首歌《I Feel A Change Comin On》依然是典型的节奏布鲁斯曲风，但是可以听到白人布鲁斯的元素，某些桥段的处理上非常像90年代末的Eric Clapton的音乐，深沉与流畅并存，听着感觉像一首充满渴望与憧憬的歌，不过鲍勃·迪伦的歌真是晦涩难懂，真是不清楚他到底是高兴还是嘲笑。 最后一首《It's All Good》很具杀伤性，因为它的针砭时弊，鲍勃·迪伦这一操心就操了半个世纪，政治和外交一直是他的抨击对象。这首歌里把公众、政治家以及社会环境都有涉及，估计要是放到40年前又要成为一首美国游行抗议的歌曲。尖锐突兀的电吉他充撑起没有歌声的段落，象征着敏感与冲突，仿佛分庭抗礼迫在眉睫，颇为动人心魄。在专辑的最后用这样一首来作总结，我想鲍勃·迪伦是说他的路还没有走完，他还将继续说下去、唱下去、骂下去。 鲍勃·迪伦，这个老头永远不知疲倦，他那双重性格的良心还真是让人无法把他归结为政治音乐家，因为他平庸起来充满自私，但是坚持的时候像位勇敢的战士。用了一天和一晚上来听这张唱片，简单得说了一些微小的感受，待日后时间充裕再与大家交流。

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