神不能法式湿吻的音乐

如果上一张《沧浪星》是蜕变，那么这张《1911》便是进化。下一张会是涅槃吗？ 开放下载没多久，我想就我的初听印象作下简评。 其实我相信还是有一些人对沼泽在器乐摇滚里加入古琴的动机是颇有微辞的。事实上海亮也承认，古琴也是他后来才去学的，只不过他的谦虚和勤奋弥补了先天的不足。在古琴加入沼泽器乐摇滚的初期，生涩是不可避免的，自然引起一些人认为古琴在沼泽的后摇滚里只能是噱头和哗众取宠的装饰。但海亮和他沼泽一直低调地在学习，摸索。直到上一张《沧浪星》，一切开始变得不同。古琴在后摇滚里的融会贯通令很多人刮目相看，一时赞誉四起。 而我当时给沼泽的评价是：有进步，但还不够完美，不够打动人。首先就是曲目中编排中古琴时常被音墙盖住，反倒细辉的吉他音墙熠熠生辉。开始我都以为是录音的缘故，后来发觉这就是沼泽的不足。沼泽过去的创作误区便是将古琴作为曲目的主心骨来架构全篇，使得整体效果出来都有点不得要领。即便在上一张专辑古琴开始转变角色为全篇的提纲挈领、起转传承，虽然取得相当的成果，但依然不能攫取更多资深后摇乐迷的心。包括我，一直在想，沼泽在中国只是一支好的后摇滚乐队，那么究竟他们离优秀和伟大还有多远？当我听到《1911》时，发现最大的不同便是古琴早已功成身退，成为全篇穿针引线的一环，而不再身居显耀的位置。当你听到这张专辑的时候，它的宏大叙事吸引你，史诗般的篇章扣人心弦，你首先都不会想到这是一张古琴后摇专辑，而是一张美妙的器乐摇滚专辑，我想这才就是沼泽的成功之处。只有听到细微处，你才会发现古琴的穿插其中犹如同鱼戏莲叶，怦然心动。 记得《沧浪星》的时候海亮撰文称这只是刚刚开始，当时的专辑文案也昭示说必将成为沼泽作品里的一个重要的分水岭，果不其然，《1911》一推出就让人击赞不已。沼泽在后摇滚里融入古琴，需要经历几个阶段，首先是熟能生巧，其次是融会贯通，接着是水乳交融，如今的沼泽才是走到水乳交融的阶段。就如《1911》第四回里开篇氤氲气氛到渐入佳境，中间的停顿而又骤然响起的段落，拿捏和挥洒皆自如，细节已经彰显成熟和大气。 至于专辑里篇章在每个人梦里会形成一个什么样的景致，我就不再赘述我的哈姆雷特了。有理由相信，沼泽有能力谱写史诗。要知道，在中国，你期望一部史诗作品是多么奢侈而又遥不可及的一件事。 原文选自：《2011后摇专辑鉴赏》http://www.douban.com/note/195559000/

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锅碗瓢盆，柴盐米油酱醋茶，鸡蛋碰碗檐，叮叮咚咚。火生起，油落锅，炊烟袅袅。那个穿白马褂的老人凝望着灶台中的火苗燃烧着影影绰绰的世界，等待着锅底生热。尚未被煎熬的的世界就像碗里被搅拌过的蛋黄，没有经过温热的炙烤你永远看不到它的另一个面目。晌午的天空，阳光寂静，云朵幽幽，没有风吹过屋前的香樟树。院里的摇摆藤椅一动不动，酣睡的小狗蜷睡在旁边，它在做着怎么样的一个梦呢？一只鸟雀在它头上扑腾扑腾，挠醒它的美梦。恼怒的它追了出去，爬上路边的电线杆，试图捉住栖息在电线上的鸟儿。当它孤零零地立在电线杆的顶端时，它绝望了。任凭它如何试探，都无法抓住五线谱上的音符，只能心生郁闷地在蓝天底下张望。 放学回家的孩子，下班的工人，从田地里务农归来农民，他们匆匆经过电线杆，关于头顶上的正在发生的一幕情景，无人知晓。 我的梦是只小狗。 狗儿的梦在沉寂中忽然被一啖炊香诱醒，睁开眼睛，旁边是正在吃的津津有味的少主人，以及满是享受啧啧喝着浓汤的凤凰山老人。 后来，这个梦进行得很缓慢很缓慢，好像慢慢步入了炎炎夏日。琴声悠悠，悠悠，把日子拉得很长很长，把思绪和记忆拉得很长很长。你可以看见那条倒影没有尽头。 午梦过后，咖啡机还没煮开，打开老式唱机，一支充满欧陆风情的女声之歌在寝室蔓延。钢琴述说着这个午后藏在一个女人心中的故事。这个故事听起来是那么忧伤。我掐掉了这支忧伤的歌曲，这个充满风情的女子忽然一步步地向我走来。她慢慢靠近我的身体，鼻子近乎贴上我的脸庞。我感受到她那让人窒息的呼吸，她身上散发出来的迷人气味，让我眩晕又无法忍受。很显然，她是在嘲笑我的腼腆和不知所措。她伸出手来，向我邀舞。 我鼓起勇气，握着她的手，扶着她的腰，我们在彼此的眼睛里看到了懦弱和孤寂。于是，我们在这狭小的房间里跳起舞来。一曲佛拉门戈，我们旁若无人地旋转，窗边的一株水仙从不说话。她随着音乐唱歌，边唱边欢笑，笑得那自己的疯癫，笑这个世界轻狂。唱罢这个下午的所有艳遇犹如一帘幽梦。 我的梦是一个男人和一个女人。 阵阵厚重的大鼓，敲开了神秘偏远村寨的大门。长廊古道，峭壁千仞，通明的圣火照耀着蜿蜒小路，指引我走向西凉古道。幽幽笛声点燃了篝火，通红的火苗映着黝黑的脸庞和质朴的眼睛。族人让我莫要害怕，说我是他们远道而来的客人，请我尽情享受他们的热情款待。他们为我献上美酒和佳肴，围着篝火的舞蹈和浑厚歌声在夜晚轻盈的风铃和流转的水声里渐行渐远。我醉了。我坠入了另一个深远的梦。我听见了远古的山歌。我不是那往来的河西古道的贾商，而是走在孤惶边缘的梦中人。天亮后，我的马队就要启程。我看到启明星在镶在天的另一边。 烟雨蒙蒙，古道西风瘦马。踏雨而行，泥土松软。 我的梦是一匹瘦马。 我总是尝试着拼贴这些璀璨而飘渺的梦，却也无章可循。 那些略带慵懒的曲调像是夜晚的呓语，随着都市的霓虹灯忽明忽灭。异乡的思绪总是在寂寥城市的上空升腾。我忆起旧时的乡村大院，飘着扑鼻的稻香，秋高气爽。 此刻，我置身于深圳郊区的农民楼里。悠悠笛箫声是异乡的思绪在响起。落地窗外车水马龙，万家灯火，小雨淅淅沥沥。钢琴和铃声将我从远古的梦中唤醒过来。我睁开双眼，望着条形玻璃吧台上的如火红酒，恍若隔世。我仿佛乘坐着摇篮曲从娘胎出来，告别温暖的子宫，睁眼看到这个世界的第一眼光芒……经过少小童年，经过青涩年华，经过不谙世事，经过喜怒哀乐，经过你们，经过此刻明亮的客厅，清澈的钢琴声交织着清朗的吉它，诉说着一个城市孤独者的梦。 我的梦是一面城市。 孟婆汤是用人间烟火熬煮出来的。所谓忧来自何处，就去自何方。想要忘却，就要喝下它，让它在身体里消化。生老病痛，概莫能外。 我的梦是一碗苦茶。 当音乐曲毕，梦不再萦绕，从哪里来，就往哪里去。

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这张专辑听了将近两个月，一开始并没有让我喜出望外，也没能获得我惊赞的眼光。也许是专辑里的众多曲目已经在不同的现场听过不同的版本，新鲜感消弭。也许是对沼泽比较熟悉，让我不敢对这张专辑轻言赞许。更重要的原因是，这张专辑里的录音和我内心的期望还是有些许落差的。当然，我知道这张古琴摇滚专辑在录制的过程遇到很多设备和技术上的问题，也有人评论认为将古琴融入摇滚能做到如此天衣无缝在录音效果上已实属不易，诚然如此，我对沼泽还是有更高的期许。大凡音乐有三种类型，一种是录音室音乐，作品只在录音室创作，通过CD等载体传播，但是因为各种问题限制无法实现现场演出的；第二种是现场音乐，通过CD或Mp3等载体试听你很难领略它的精髓，获得美妙感受，但它的音乐生命却在现场却有无穷的表现力，让你啧啧称奇；第三种音乐就是无论是录音室还是现场作品都能做得很出色，并且两种不同形式能给人不同的震撼。沼泽的现场在向来做得都比较敬业，出色。他们能给我们浮想的空间，制造一个悬浮宇宙，让我们漂浮，坠入浩瀚繁星……但我希望有一天听着他们的CD也有这种体验。但是很难。 回忆平时在沼泽现场听到的段落，再细细与专辑中录音室版本做对比，发觉与以往古琴在现场大放异彩相比，此次新专辑的古琴的角色在于全篇的提纲挈领，接转传承，因此曲子的段落衔接显得更加自然，圆润。这也是沼泽逐渐成熟的地方。像《飞天猪》一曲距我第一次在2008年的根据地音乐节上听到，已经时隔两年了。这首曲子经过两年的沉淀，剔除掉了一些繁复的枝节，已经变得更加洗练，整体结构上的格局和层次感已经更加分明。 《落木》是最多人喜欢的曲子，也许是这首曲子的写意太过贴题了。开端古琴的弦音犹如“无边落木萧萧下”的写意展开，随着后面的吉他音墙翻江倒海倾泻而下，大有“不尽长江滚滚来”的气势。应该说，这首曲子是这张专辑里结构最完美的作品，干净利落，一气呵成，不拖泥带水。 “幽音变调忽飘洒，长风吹林雨堕瓦”。《声声急》里，中段古琴和吉他的慢板solo唱双簧，犹如粼粼水纹，随后渐入佳境，又如风吹雨扫。古琴的恣意凌乱，让沼泽渐渐梳理出它本身具有的韵味和古意，告别了过去 “人猿星球”里的电子魔幻与 “未来水世界”般海市蜃楼的幻想。 其实每首曲子并不是完全洋溢着浓浓古意。《打捞星星的少年》，便是一种典雅的怀旧方式向青春致敬。这也是我特别喜欢的一首曲子。 反复细听之下，《过客》这样的短板小篇也让我愈加喜欢。口琴的悠悠划过，“梦里不知身是客。” 如果要说缺点，那便是感觉少了现场的那种放任和洒脱。也许是录音控制上的制约，海亮也反复提到古琴录音的难题。我相信很多看过沼泽现场的人听了专辑一遍之后就觉得不过如此，和现场差距太大。我觉得有的乐迷缺乏耐心，其实反复咀嚼，还是比较耐听的。只是部分噪音的处理似乎被抑制住了，如《飞天猪》中后段古琴与效果器的轰鸣就过于混浊，远没有现场那么润耳，那么身临其境，听觉上感觉耳朵没有翅膀飞不起来。这也是我开头所说的，录音还是有待提高。 但总体来说，这张专辑比以前进步还是非常大的。作为一张中国的后摇滚唱片，它应该是要被载入史册的。因为沼泽将古琴加入后摇滚已经从尝试到实验阶段再到水乳交融的境界，这也是令人称道并且值得致敬的事情。

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这张专辑的旋律在耳朵回旋了一个星期，在还未和曾檐做一次促膝长谈式的访问之前，我想先对这张专辑写一些初步的感受。因为第一时间的感受才是新鲜和直接的，不会因为有先入为主的东西来占据我的思维和客观感受，并且一张唱片从商业市场角度来说，好不好听和喜不喜欢往往都是听众在一瞬间决定的。 我听完这张唱片后的第一个感觉就是：唱片公司推出这样一张充满概念意义的专辑是需要极大的勇气和惊人的魄力的。在形式上，这是一张用12首歌隐含一个凄美迷幻的童话故事构成的概念专辑。确切地说，整张专辑就是一个逐梦少女的梦境和内心世界的真实呈现，《爱梦游》便是她用音符语言来描绘的一个童话旅程，所以并不是下载党从网络上Down下来mp3就能听出清晰的故事脉络和它所蕴含的韵味来的。在内容上，专辑的12首正式曲目当中只有《期盼》一曲是中文填词，而其它曲目不是用藏语、彝语和羌语来演绎就是用曾檐独创的“梦语”来歌唱。用“梦语”来诠释《爱梦游》这张专辑的“奇幻”、“深邃”的梦境元素，确实十分大胆和前卫。作为一张主流推广的专辑，从制作这张专辑的形式和内容来说都是不受主流和传统所束缚的路线与方式，对市场的试探性意味可见一斑。 从曲风上来说，这张专辑可谓丰富华美。作为专辑的词曲创作人和制作人，曾檐行走于民谣、民族、流行、摇滚与世界音乐之间游刃有余，可以媲美美声和民族唱法的声线让人惊叹她的音乐天赋如此全面。尽管歌词的制约对传唱度有一定的影响，但应当说这张专辑的可听性和流行度还是比较高的。可听性是就音乐性而言，旋律迷幻唯美，民族元素丰饶，美声唱腔和民族和声交相辉映出一幕幕舞台剧情境；流行度则是音乐的时尚和现代元素的体现，电音和乐队器乐的编配让旋律优雅而不失流行小调。《爱梦游》这张专辑的市场空间定位可以是在小资阶层，星巴克分子，精英白领之中，也可以在文艺青年和对民族风情有独钟的长者之间，而绝不是要和《爱情买卖》一较高下。 虽然在某些宣传标签上是曾檐被归类于“世界音乐”，但我觉得这个定义仅仅只能是作为唱片发行的一个宣传标签而已。“世界音乐”对曾檐来说不过是一个过于严谨的定义，况且其实大部分音乐人是不愿意被“风格”这样的条条框框来束缚自己的创作思维和理念的。专辑里的诸多民族元素，比如民族乐器琵琶萧笛的运用，少数民族语言的歌词演绎，美声民族唱腔，并不同于当下诸多流行作品对“中国风”和“民族风”的趋之若鹜。曾檐强调自己从来不是写实派，因此她的音乐不是用民族元素去呈现出民族风光和情怀。这些元素不过是她描绘音乐梦境时信手拈来的画笔而已。曾檐用感性的，纯粹的，天然的音乐色彩和魔幻笔调，毫不矫饰地描绘一个遨游于幻想中的世界和爱情故事，并不是用流行和商业元素来包装文化躯壳，更不是某些艺术家的风格尝试和混搭猎奇。 曾檐在创作初期曾经遭受到创作上的质疑，比如有人批评她的音乐没有表层的音乐元素，比如她创作民族音乐没有足够的民族音乐采风等等。对此曾檐也有过暂时屈服和失语，毕竟她还是那么年轻，对自己的音乐方向和态度还没那么明确。不过经过思考曾檐很快就找到答案，于是在专辑的Intro里曾檐的一段独白阐述了自己的音乐态度：“如果连幻想都可能被现实嘲讽，那我至少可以去梦境中感受；我就是这样，一个爱做梦的女孩。”就是这段独白拉开这张专辑充满魔幻民族风情的音乐梦境的序幕。这是曾檐历经数月游历多个偏远山寨采风采撷下来的一颗奇异果，将现实与梦想之间那个渴望爱与向往自由的少女踏上梦幻旅程的故事融入了一张唱片之中。 整张专辑除了《乐园》一曲在曲风上稍显突兀之外，整体风格还是比较统一的。乐队架构的编配令整张专辑的音乐营造了很强的现场感和舞台感，就像一部曼妙的舞台音乐剧正在眼前深情上演。相信每个听完唱片的人都会对曾檐的LIVE演出产生有很高的期待和向往。专辑中运用到的琵琶、笛子、箫、唢呐、羌笛等民族乐器并不是一味的器乐演奏，也不是向猎奇的老外展示民族文化，而是为音乐故事里营造雪山、部落、草原的氛围作烘托渲染。比如在《呼唤》一曲开头一袭悠远的笛声就勾勒出来一片美丽的山野村寨风光，歌声里的少女来到这里寻找她的爱人。同时民族器乐在专辑里对音乐剧情的情感表现也有着重彩浓墨的作用，如《惑》一曲结尾那段肝肠欲断的唢呐演奏，诉说了历经曲折和饱受现实摧残的少女踏上西藏这块土地上时，在一望无际的草原和蓝天雪山之间内心充满悠远的无助和无尽的困惑…… 这几天回味这张专辑，总让我觉得某些地方似曾相识。后来才发现，这张专辑的风格和龚琳娜《走生命的路》颇有相似之处，特别是曲风和声乐方面。而专辑蕴藏着一个故事的创意和散发出的袅袅韵味和冷酷仙境的早期作品《迷路的新娘》也有异曲同工之妙。这几张专辑都是我非常喜欢的唱片，他们都有自己细致之处之美，各有千秋。曾檐和他们最大的区别也许就在于她的音乐更加贴近契合现代年轻人的心境和心灵追求。 看了曾檐的简历，才发觉她的首张专辑能做得如此丰腴完美并非灵光乍现。在她的出道履历上，曾檐早已是两部电影的音乐监制，甚至还为内地音乐人首度拿下金马最佳原创电影歌曲奖。曾檐过往也创作出各种不同风格的作品给不同的歌手演绎，你很难想像到她才25岁，她对音乐有着独到的想法，对音乐的驾驭能力也是得心应手，未来难以估量。作为一位创作歌手，现场音乐也应当是一位出色音乐家展现生命力和创造力的地方，所以，我们有理由期待，在某一天某个神秘的舞台上，曾檐将我们身临其境地带入她编织的一幕幕奇幻旅程。

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