[已注销]的音乐

Freetempo可以說是由半沢武志發起的以音樂為概念新的名稱,這個人是位來自日本仙台的Club DJ,說到仙台,那麽喜歡日本HipHop的朋友或者是喜歡Jazzy HipHop的朋友一定會有所耳聞,因爲Gagle ガグル的小組成員裡,那位最有名氣的製作人DJ Mitsu The Beats就是來自這裡 Freetempo在零一年的時候參加了意大利唱片公司Irma Records所發行的一張名為《La Douce Party 5th Anniversary》的Various Artists,他的那首《Montage》就被收錄在其中,只是一年后,在零二年就發行《Love Affair》的個人專輯,而更了不起的是在零三年《World Is Echoed》專輯發行后,使得Freetempo在全日本Hmv唱片行榮獲獨立音樂藝人連續七周第一的記錄,而這也恰恰正是Freetempo的人生轉折點,兩年之後Freetempo帶著《Oriental Quaint》爲自己獲得了另外一個名譽,那就是創造了日本CD店銷量第一的記錄,而零七年又分別帶給我們《Harmony》跟《Sounds》兩張專輯 Freetempo的音樂其實是以電子風格爲主,但並不是全部,作爲一名Club DJ,接觸大量的音樂是專業基礎,而也正是這個原因讓Freetempo的音樂更加充實與飽滿,融合了更多色彩,你會在聽到House的音樂中摻入Bossanova的元素,除此之外你也會聆聽到那節奏歡快明亮又充滿動感的Latin風,總體來說Freetempo的音樂抓人心弦,一個是優美,柔和,浪漫的旋律,另外一個就是大量的男女聲來做歌曲的跨刀,而兩者之間的融洽搭配,往往起到畫龍點睛的效果,讓歌曲錦上添花,Freetempo是位不需要文字來修飾與表達的優秀音樂藝人,他只運用曲風之間純熟的編排,就能讓你為之心服與贊嘆,而他更把那些動人的旋律熟練的組合在一起,用音符與音符之間搭配出優美的聲音來告訴那些听音樂的人,好聽的歌曲是不會隨著年代而久遠,也不會隨著時代的潮流而過气 那其實有不少听過Freetempo的朋友都在討論著他,説他的音樂從小衆範圍逐漸延伸到大衆,音樂也漸漸開始融入主流,音樂雖然好聽,但卻失去原來的個性,但我想,任何音樂都有好有坏,任何音樂也有被接受與拒絕的權力,好聽動人的音樂不在于是大衆還是小衆,主流還是自我,而是音樂人對于音樂的態度,對于正真追求音樂的情感,不論怎麽樣,出音樂終歸爲了賺錢,不論這個音樂人如何説自己熱愛這項工作或者愛好,那回來繼續説,當人們質疑Freetempo的時候,零七年秋天這張《Sounds》有力的還擊了那些産生疑問的絕大部分人,當听到這張專輯也就明白,音樂的旋律就像心靈間的溝通,絕對不會摻假,而美妙音樂出現的那一刻,耳朵也做出了本能的反應,告訴我們這一切都是真的 衆所周知,Freetempo的專輯中一定會請來大量的藝人來進行跨刀演唱,而這裡我們也看到了賦有磁性的男生Ogurusu Norihide,有Paris Match的成員之一,這位來自日本愛知縣名古屋的女歌手Mari Mizuno,她的日文名字是ミズノマリ,也有電子二人組的Kaleido,還有女歌手Arvin Homa Aya跟Kaori Natori又叫名取香り,以及日本的聲優兼歌手的Nami Miyahara,日文寫法是みやはら なみ,中文則叫做宮原永海,也正是這些人的到來,讓Freetempo的這張《Sounds》專輯中,那些飽滿且豐富的旋律外又鍍上了一層價值昂貴的純金封面 《Sounds》的音樂內容就像專輯封面一樣,當你聽到歌曲后,就會感覺相互對應一般,那種感受就像封面上的一對男女爲中心,也許他們相互談論著感情,也許一方追逐一方的戀愛攻城戰,而遠方的太陽映襯著屬于這兩人世界,綠色的植物,色彩斑斕的蝴蝶,美麗的花朵,還有以巨嘴鳥爲首的各種鳥類,完全帶大家進入了一個多姿多彩的夢幻世界中,而多元素的音樂給你的聽覺衝擊也正是如此,如果你仔細觀看會發現這些場景同樣對應著這專輯中部分的歌名,例如《You And Me》就好比那對被陽光烘托下如影子般的男女,《Birds》則是以巨嘴鳥爲首的鳥群,《Flowers》,《Sunshine》,《Trees》這些如圖所示,拼湊起來不剛好是那張專輯所描繪的嘛,也不正好是下一首《Dreamings 》的意境嘛, 當然拋開這些我無聊的猜測跟覶掰之外,就這張專輯而言,不論是獨自品位,或是跟親密的愛人一起聆聽,還是衆人分享,都是不錯的選擇 第一首《You And Me》Ogurusu Norihide略帶沙啞的嗓音伴隨著低沉有力的節奏共同演繹著這段歌曲的故事,中途,Ogurusu Norihide唱著"ever"不斷的repeat,像是回音一般增添了歌曲的故事性,隨之附和鋼琴聲有意無意的響起,碎拍也賦有戲劇性的在歌曲的高潮處有層次感的起伏著,尤其是在最後的結束部分十分明顯,跟最初那段不緩不慢的鋼琴形成巨大反差,也使得這首歌曲帶著一點點傷心,一點點迷幻 第二首《Birds》本首歌曲拋開了之前的那種憂愁,帶來的則是歡快明朗的曲風,在電子樂演奏樂下,Arvin Homa Aya那清澈而透亮的歌聲中就像一束太陽的光綫,穿透了外在,直入那心中,蕩漾起層層激情的漣漪 第三首《Flowers》名取香り沒有了Arvin Homa Aya那種清澈透亮的歌喉,但取而代之的是像爵士女伶般渾厚慵懶的嗓音,歌曲也應和著歌名,輕巧的拍子,搭配Freetempo那淡淡的電子風,編排出一段段柔和優美的旋律,讓人真的感覺掉進了花的海洋 第四首《Sunshine》重點放在了濃濃的House領域上,那咚咚咚的拍子,飽滿有力的砸在歌曲的縫隙之間,就像在Club舞池中扭動著身體跟隨著節奏而跳舞般的情景,Bird歌聲隨著這股節奏,漸漸拉長,漸漸遠去 第五首《Rain》Freetempo個人的表演歌曲,前奏的鋼琴輕輕響起,就像雨的開始,打落在房屋上,淅淅瀝瀝的,但隨著電子樂跟拍子進入并加速,鋼琴也隨著它們一起擺動,就好像雨開始上演著自己的故事,越下越大,歌曲本身起伏并不是很大,持續一種狀態Loop著,但是雨總會結束,歌曲也是如此,最後嘎然而止 第六首《Trees》又一次听到Ogurusu Norihide那沙啞低沉的令人傷感的歌聲,歌曲本身能透露著第一首的影子,但除去略帶少許的傷感外,壓抑少了些,歡快多了點兒 第七首《Dreamings》前奏靈動的鋼琴,實在抓人耳朵,讓人听了一遍就會記得這種動人的旋律,每一次彈奏起就仿佛心中過了電流,讓人感覺麻麻的十分舒服,Nami Miyahara歌聲有些尖銳,但强有力的拍子,仿佛是她的舞伴,牽引著她的歌聲走出每一步優美的舞姿,相互搭配融洽,就像給大家展示了一段高超且完美的國標舞 第八首《Brasil》鏗鏘有力的電子音樂又一次上演,Ride Cymbal(吊鑔)的出現讓節奏有了層次上的凸顯,Kaleido的歌聲慵懶渾厚,遠遠透露出一股股Bossanova的韵味,讓整首電子音樂中也能顯露出爵士輕鬆優雅的感覺 第九首《Stars》初听前奏的鋼琴那一瞬間以爲又回到了第七首《Dreamings》的旋律中,但接下來卻發現,他們有著各自不同的美,如果《Dreamings》是像舞蹈般有著華麗的外表,那麽《Stars》就透發著一股淡淡的低調,雖然同樣是電子,但這裏的節拍卻多少顯的有些無力,因爲Mari Mizuno深情的歌聲力度,完全的蓋過了拍子的律動,讓你在聽覺上與上一首形成鮮明的對比 第十首《Moon》第二首沒有Vocal來參與的歌曲,正如其名,歌曲充滿了數不僅的迷幻色彩,就好似淡淡的月光染亮夜空,映襯著黑夜下那正流動的霧氣,那種朦朧的美,讓人看的到卻抓不到 第十一首《Kindly》Mari Mizuno深情的演唱,在還沒有離我們遠去之時,又一次靠柔和輕快,優美又洋洋盈耳的旋律與歌聲把我們再一次俘獲到她的身旁,雖然歌曲有六分鐘左右的長度,可從頭到尾听下來也不會感到沉悶,反而被悠揚的曲風深深吸引住,就像看到生命中篤定的戀人一樣,那顆心久久不能放下 第十二首《Sounds》作爲沒用跨刀系列的三部曲的最後一部,悅耳的伴奏終于響起來了,像三角鈴般的聲音,有條不紊的跟隨主旋律慢慢前進,鋼琴也在歌曲的高潮若隱若現的出現了,之後融入在悠揚的曲調中,慢慢的持續到最後,這也是本張專輯旋律最過平穩,最能讓心情安靜下來的作品

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對于陶喆,我相信有太多太多朋友都能隨後就能說出他的身世背景,所出過所有的專輯,血形,生日,星座,身高,不論是從一開始追隨陶喆音樂的Fans慢慢累計對他的瞭解,還是中途加入的,通過朋友介紹也好,靠著强大的網絡搜索資料也好,總之關于陶喆,無需我來廢話 但是爲了整體性還是要囉嗦一番,陶喆原名陶緒忠,陶喆現在能走上音樂這條路除了自身對于音樂的新愛,我想跟他的家庭也有非常大的關聯,父親陶大偉是橫跨電影,電視,音樂三棲明星,母親王復蓉,是位京劇女伶,曾跟顧正秋出演《白蛇傳》飾演小青一角,而母親會選擇唱京劇也跟陶喆的外公王振祖有關,誰讓他外公也是唱京劇的呢,而爺爺陶一珊則是以前的台灣省警務處處長,你想想這樣的家庭出一個當代歌手也不是沒有可能 陶喆回台發展音樂很多原因其實要歸于九三年春天那次在洛杉磯的一家唱片行與王治平相遇(如果對台灣音樂有研究的朋友,尤其是對幕後的,那麽王治平一定不會陌生,這位台灣一綫的製作人,製作過很多膾炙人口的作品,而現在正紅的台灣女歌手王若琳正是他的寶貝女兒),就是因爲語言障礙,陶喆熱心上前幫忙翻譯,就這樣王治平也對于陶喆有了一個大概的瞭解,半年后則請陶喆回到了台灣開始參與給周葆元的唱片製作歌曲,從此一發不可收拾,如果陶喆不在十五歲前往美國上學,又恰巧沒有熱心的幫助王治平,也許我們不會看到今天的陶喆,當然這個只是猜測,在一切看似巧合的道路中也充滿了太多選擇,最後要說的是陶喆其實在上學時候主修的是電影跟心理學,而非主攻音樂,更有意思的是畢業后曾在美國當了18個月的警察 在前面提到93年因爲與王治平相遇,同時也開啓了陶喆在國語音樂的道路,在幕後擔任多年的製作人,終于在時隔四年后出現在台前,九七年陶喆的處女專輯《David Tao》問世了,這張同名專輯是在當時國語音樂中的一大突破,陶喆把華語音樂元素結合了西洋風格,在少年時陶喆就前往了美國上學,在文化與文化的踫觸中給陶喆産生了太多靈感,一種全新的曲風也因此誕生,在當時保守的音樂中,誰會有想到結合黑人Rnb的音樂元素呢,誰有敢這麽大膽去做呢,九七年陶喆給台灣音樂甚至華語音樂注入了這股新鮮的血液,驚世駭俗般的讓人們注意到這個不太帥氣且眼睛很小的歌手,陶喆 沒錯,陶喆,整張專輯在給人第一印象絕對是一種驚艷的感覺,當今很多人説周杰倫帶動了全新的中國風,那麽我想說華語樂壇第一個結合流行音樂,把西洋文化融入中國味道音樂就是出自陶喆之手,如果你想否定我的話,那麽去聽聽那首《望春風》,閩南話開啓了音樂的開頭,不斷的響指作爲Tempo,讓人立刻被吸引住了,在之後則是把國語用Rnb的風格來演繹著,陶喆曾經調侃的說到Rnb其實就是尾音處再隨便轉幾個音,其實不論專業與否我也想説,這是陶式Rnb,這是真正屬于他自己的唱腔,也許嚴格來說《望春風》幷不是真正的中國風,但它却是開創了這方面的靈感,所以我們才會在第二張裡聽到那首《夜來香》,與最初李香蘭版本相比,陶喆在這裡完全的把自己陶式風格演繹的淋漓盡致,可以説真的是中國風的雛形 下面我來說說我自己對于這張專輯的感受還有理解 第一首《Airport Take Off》雖然短暫的只有十一秒鐘,却告訴我們一個故事開始了,它就發生在飛機場中,也許是一種提前的離開 第二首《飛機場的十點半》陶喆的哼唱,拉開故事的序幕,一句簡單不能在簡單的口白"我好想妳",表達出對于另外一個人的思念,也就是説這個故事必定與感情有關,細膩婉轉的歌曲伴隨響指與陶喆優美的唱腔,透露出一絲傷感,從個詞我們看出這是一次漫長的等待,等待著感情的歸來,等待著與愛人相遇在一起,可是事與願違,女主角最終沒有出現,當我們聽到陶喆唱到"我想妳已經做了最後决定,我已經失去妳"時,結束了,故事尾聲臨近了,本首歌曲陶喆深情的演唱著,不斷的轉音,大量的轉音技巧就像感情中的變化,而他只有無奈深情的演唱著那些曾經的感情,唱著那些對于過去美好的留戀與現實的無奈,也許感情最難不是開始的相遇,而是在相處中如何繼續,如何彼此在一起時不在猜疑這段感情,也許真的在擁有后才容易失去,最後要感謝娃娃寫的一首好詞,也許她的風格幷不華麗,也沒有方文山的優雅文筆,但却是最真實的情感,樸實的流露,那麽就足够了 第三首《Airport Arrival》機場大廳不停的響著David Tao的名字,可身知故事的我們,明白主角早已傷心的離去,這段故事也終于悲傷的謝幕了 第四首《愛,很簡單》其實創作這首歌曲最初版本是英文的,可惜發布出來是國語,但好處是多年后的現在,它依舊膾炙人口,那英文版本去了哪里呢?你聽到王若琳的專輯時候就明白了,與《飛機場的十點半》有了比較大的反差,愛情很簡單,彼此喜歡對方也許就是那一瞬的感覺,別去想的太多,別讓這種單純感被破壞,想愛就去愛,簡簡單單,如果有喜歡的人像告訴他/她,這首歌曲是個不錯的選擇 第五首《沙灘》被我認爲陶喆歌曲中經典中的經典,不僅只是它榮獲了最佳歌詞與歌曲,而是一種感覺,陶喆在優雅的歌曲中,靜靜的演唱著,把一種吐露心聲的感情展現出來,這種意境就像赤脚漫步走在沙灘,舒緩,看著藍色深沉的海水,憂鬱,但却一往情深,真是一首好作品 第六首《王八蛋》大陸正版好像給切掉了,具體原因我給忘了,好像是當時文化部覺得這個不太正面所以給切了,不過還好在零三年樂之路中收錄了,在國內的盜版盤中跟網上也能找到這首歌曲,所以大家幷不是沒有沒聽到,這首歌曲滿好玩的,因爲個人原因不太喜歡,所以不多說了 第七首《望春風》在前面多多少少説了不少,現在少說點,陶喆的這首<望春風>其實是來自台灣民謠,也是非常出色幷且經典的一首老歌,只不過用全新的方式來演繹了,同時這首歌曲也是本張專輯裡陶喆轉音最出色的 第八首《十七歲》又是一段感情,十七歲是一個人生經歷的一個階段,未滿十八,我們還都在充滿活力的青春,未經處事的我們,情竇初開,那時候我們想得很少,想得很單純也很簡單,只是單純的想彼此在一起,傻傻的,在成長中,我們彼此明白傷害,明白感情的複雜,想回到那當初時,却發現早已遠去,對于感情,是你變了,還是我忘了,十七歲是一段故事,關于情竇初開那些快樂的記載,初戀的美好或許就是在于第一次的發生,在于那种快樂的單純 第九首《是是非非》感情中的是是非非,誰有能説誰對誰錯呢?彼此煩惱彼此開心彼此相愛,如果還不明白或者不開心,這首歌推薦給你,本首歌曲值得一提的是中間部分加入的口哨讓人眼前一亮,陶式音樂充滿輕鬆愉快 第十首《流沙》依舊是陶式情歌的特點,慢拍的節奏搭配深情的演唱,還有甚麽不能唱進你的心裏呢,"愛情好像流沙,我不掙扎,隨他去吧"陶喆這樣唱著,當然我們遇到愛情就像掉進流沙,越掙扎下去的越快,還不如順其發展,因爲我們拿它是沒有辦法,依舊是娃娃那深情款款般的歌詞,讓人可以反復咀嚼其中的味道,是甜是苦? 第十一首《Take 6 Minus 3》很短很好玩的一段,其實這是下一首<心亂飛>的前奏,可以看似在彩排一樣,你把兩首歌曲連在一起听 第十二首《心亂飛》在前面類似排練的調侃下開始了,與之前形成巨大對比,Na Na Na的哼唱營造出了愉快與輕鬆,整首歌曲搭配上活躍的節奏,就像一個充滿活力且有些壞壞味道的男生在用無賴的口吻講著他與她之間的那些事情,歌曲最精彩部分就是在最後陶喆用假音來彪,讓人聽完有種釋放的感受 第十三首《再見以前先說再見》響指又一次登場,作爲Tempo的它,在這裏卻十分亮眼,陶喆就像自言自語,雖然是與感情有關,卻因為響指還有歌曲搭配,嘗不出傷感,但是卻聆聽到那點點的無奈,歌聲就像在嘆氣,響指就像在搖頭,相互搭配,心中吐露出少許沉悶 第十四首《沙灘 鋼琴版》鋼琴乾淨而有力的彈奏,點綴著陶喆那飽滿的嗓音,他不緩不慢,時輕時重,的深情演唱,隨著歌聲我心醉了,帶著一絲憂鬱帶著一點傷感與無奈,醉了 第十五首《Answering Machine》內容如名字一樣,只是一些簡短的留言,關于陶喆自身還有專輯的事情,最後一個對話很邪惡,注意听哦,內容如下"解拔毛?鶏巴毛,What 毛" XDDDD 最後要說,本張專輯會被衆多人說為經典是有他的道理,在多年后還可以去回味,還可以有新的感受,讓人一遍遍去聆聽那其中的滋味,也許因爲懷念那些曾經的時光,也許是想听最初最真摯的聲音,歌手出唱片永遠無法擺脫步入大衆的行列,也許慢慢變得俗氣,也許作品沒了特色不在高産,這都是音樂人必須經歷的,市場的原因,唱片公司的原因,總之很多,陶喆也把自己定位成商業音樂人,就說明他的音樂雖然會大衆化卻不會低産,我們看看他出唱片的進度,就可想而知,做音樂其實不在乎甚麽定位,而是如果看待它的態度與想法,也許《太美麗》的轉型不太成功,但是我們可以回味曾經,陶喆大紅在第二張《I'm Ok》,大紫在《黑色柳丁》,也許第一張的平常讓陶喆理解音樂在市場的定位,可無論怎樣,它依舊是無可取代的好歌手,好的創作歌手 說了陶喆絕對不能不說娃娃,他們關係其實滿像周杰倫與方文山,前三張專中幾乎所有歌詞都是出自娃娃,娃娃也許名氣沒有林夕那麽大,也沒方文山那麽火,但她的歌詞卻真的有內在,女人對于感情理解總比男人細膩,更深刻,這也就是爲什麽她的歌詞值得品味,值得去想,也同時可以感動人,樸實無華的文字才是最細膩優美的,好的音樂需要好的歌詞來相互搭配,娃娃做到了最好,不然會有太多歌曲成爲不暸經典

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在一九二九年的八月十六號,位于美國New Jersey東北部的Plainfield市,出生了一個小Baby,而這位Baby原名叫William John Evans,如果看到這裡你還未清楚此人是誰,那麽我來告訴您,他正是爵士音樂裡面的一條標志性的大旗,鋼琴大師Bill Evans,不過這位著名的爵士鋼琴大師,他因心髒病于一九八零年九月十五號在美國東岸的New York City與世長辭了,年僅五十九歲 那麽回來説説Bill Evans一生在音樂上所留下的那些脚印,Bill Evans除去他音樂上之外,讓你有甚麽最初也是最深的印象?我想例如黑框的眼鏡,白色的皮膚,抹著髮油的栗色背頭,這些不都是嘛,在爵士音樂從一九一零年誕生后,直至五六十年代甚至七八十年代,讓人印象最深的也是黑人膚色演奏出來的黑色爵士音樂,而Bill Evans的音樂卻告訴我,音樂的好壞不需要依靠膚色來劃分 在那個年代,白人的家庭條件相對比大部分黑人都要優越,Bill Evans出生在中産家庭中,從小就接受良好的教育並學習鋼琴培養基礎,之後他進入了位于美國西南部的Louisiana大學,在大學期間Bill Evans在長笛樂器方面有著不錯的表現,而獲得獎學金,Bill Evans并不單一只是玩弄樂器,而他也曾參加的美式足球,幷且以四分衛的位置就任隊中一員,,最後獲得聯賽的冠軍,大學畢業之後應徵入伍,成爲一名軍人,在經歷了50年代初期到中期這將近六年的磨練與經歷后,Bill Evans的音樂之門才開始漸漸打開,一九五六年首次與Tony Scott一起在紐約舞臺上演出,之後該年還發行了個人第一張專輯《New Jazz Conceptions》,正如該專輯的名字一樣,Bill Evans的音樂讓衆多爵士愛好者眼前一亮,沒錯Bill Evans帶著爵士新概念在那個時代開拓出全新的爵士領域,從此Bill Evans也在爵士音樂的樂壇中嶄露頭角 一九五八年,這是Bill Evans個人生涯重要的一年,或許説是爵士音樂重要的一年,那就是加入另一位爵士巨頭Miles Davis的Sextet中,獲得一蓆之地,作爲當時還不算巨頭的Bill Evans,這無疑是個非常好的成長經歷,同年,Bill Evans參與了《Kind Of Blue》錄音跟製作,幷且擔任這張專輯的編曲以及鋼琴手,一年之後,也就是一九五九年,Bill Evans被廣泛注意,幷與貝司手Scott La Faro以及鼓手Paul Motian合作,直到一九六一因爲貝司手Scott La Faro車禍喪命,從這時候起,爵士樂壇不僅少了鐵三角版的組合也同時失去了一個重要的貝司手,而Bill Evans也暫停了這一年的所有演出,而酒精跟海洛因幾乎是他全部的生活 不過這三年Bill Evans爲河岸(Riverside)唱片也留下了不少珍貴的作品,例如之前他跟貝司手Scott La Faro以及鼓手Paul Motian合作的《Sunday At The Village Vanguard》,《Explorations》以及《Waltz for Debby》跟《Portrait In Jazz》,還有跟鼓手Philly Joe Jones,貝司手Sam Jones的那張《Everybody Digs Bill Evans》,最後是個人的那張《New Jazz Conceptions》 Bill Evans在一九六二年重新回到音樂的舞臺裡,找來了低音大提琴手Chuck Israels進行合作,幷發行了《Moonbeams》,《How My Heart Sings!》兩張專輯,該年七月Bill Evans與小號手Freddie Hubbard,吉他手Jim Hall,鼓手Philly Joe Jones以及低音大提琴手Percy Heath,錄製了那張《Interplay》,而這張恐怕也是Bill Evans在老東家的最後一張,當然不算上那張《Bill Evans Trio At Shelly's Manne Hole》的現場版 一九六三年Bill Evans從老東家河岸唱片轉站到了神韵(Verve)唱片,幷錄製了《Conversations With Myself》,而《The Solo Sessions,Vol.1》就是該年為老東家河岸唱片製作的最後三張唱片之一,但可惜的是發行公司幷不是河岸而是挂在Milestone名下,所以這也就是前面我説《Interplay》恐怕就是Bill Evans在老東家的最後一張,而《The Solo Sessions,Vol.1》也是Bill Evans難得的Solo專輯之一 接下來繼續説Bill Evans在神韵唱片裡的故事,前面提到因爲Bill Evans像許多爵士音樂人一樣吸食毒品,幷且對酒精上癮,導致身體跟精神都從好的方面急速下滑,這當然也是還未從貝司手Scott La Faro陰影中走開的緣故,所有這段時間Bill Evans作品低産,心情低迷,精神恍惚,而也是這些原因導致Bill Evans的音樂過早結束,從這裡看出,不論經歷多大的苦難與挫折或者傷心往事,都不要以醺酒跟毒品來度過,在醉生夢死的世界裡幷不會真的忘掉那些曾經,在毒品后的麻痹下,幻覺終歸是幻覺,現實最會告訴你,那一天會醒來的 Bill Evans輝煌我想就是在他跟Miles Davis合作直到貝司手Scott La Faro去世時,Bill Evans的音樂風格正如他個人一樣,自戀,優雅,幷不凸顯的鋼琴卻能奏出空靈的樂感,輕巧的拍子搭配靈活的節奏,無憂無慮且自由自在,這種自由的風格卻獨具一派, 不被定型,而Bill Evans對鋼琴上的把握以及手法更是被後人所效仿,學習的 今天沒有太多想說跟想寫的,簡單説説Bill Evans這張個人Solo專輯《The Solo Sessions,Vol.1》 第一首《What Kind Of Fool Am I?》鋼琴聲輕輕的響起,不帶有一絲雜音,那種感覺就像過濾的蒸餾水般透徹而純粹,而整首歌曲听下來,節奏十分舒緩,鋼琴依舊靈巧的演奏著,Bill Evans很好的爲大家營造出夜晚該有的場景,听完這首,困意也隨之到來,真的很想説聲Good Nigth 第二首《Medley: My Favorite Things,Easy To Love,Baubles,Bangles And Beads》長達十二分鐘的歌曲,也許多少讓你覺得有些漫長,但其實這是多首歌曲編制在一起的,Bill Evans運用他多次讓歌曲升華的手指頭去彈奏出各種不樣的味道,在本首歌曲中我們從最開始跳動活躍的鋼琴過度到幽靜的旋律中,最後又從幽靜的鋼琴聲回到了充滿爵士零騷味道的音樂中,Bill Evans正在用魔術般的雙手給我們安排了一場巧妙的音樂演出 第三首《When I Fall In Love》鋼琴略顯低沉,偶爾的停頓下,讓歌無疑表現的十分緩慢,最後也在淡淡的哀傷中結束 第四首《Medley: Spartacus Love Theme,Nardis》我的最愛,如果你這幾年有關注日本HipHop或者Jazzy HipHop的話,那麽Ino Hidefumi絕對是位你不能忘掉的音樂藝人之一,也是因爲他的原因才會讓我更去追《Spartacus》的原曲,而另外一位爵士音樂吉他手Earl Klugh就曾經彈奏過此曲,而Bill Evans正是這首歌曲的最初演奏家,這個版本沒有了Ino Hidefumi混入新元素電子琴的效果,沒了那種新世紀的節奏感,當然與Earl Klugh相比,鋼琴總會使得歌曲沉浸在深沉的方位上,如果Earl Klugh的版本透徹著輕鬆悠閑,那麽Bill Evans版本則是演奏出一種內心的語言,鋼琴每次彈奏的旋律無疑都在與心中的感覺相互對應,我相信大部分朋友聽到這首歌曲都會為之心動的 第五首《Everything Happens To Me》又再一次體現了Bill Evans的特點與風格,如果你熟悉Bill Evans的音樂,輕柔的風格,靈巧輕盈的鋼琴,以及旋律之間連貫的穿插,都不在是陌生的,反而覺得只有這種味道才是真正屬于Bill Evans自身的魅力所在 第六首《April In Paris》因爲這是Bill Evans個人難得的鋼琴獨奏專輯,雖然少了曾經那些依靠貝司,鼓來做策應的音樂,但乾淨的鋼琴聲無疑讓很多鋼琴迷或者爵士迷,更能認識到Bill Evans個人魅力以及他的鋼琴技巧上的才華所在,本首歌曲鋼琴在彈奏出輕巧,靈動,在很多歌曲的小節處,都有微妙的變化,讓人听起來不會那麽乏味

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DJ Deckstream是位來自日本東京的音樂人,幷且也是這几年日本HipHop裡比較火熱的音樂人,經過他混過的歌曲,都有了新的味道跟全新感受,其實説到DJ Deckstream就不能不說下Nujabes,衆所周知的是Nujabes在涉谷有一家唱片行叫做Tribe,幷在這間Tribe唱片行下成立了Hyde Out Production唱片公司,而DJ Deckstream正是Hyde Out Production當時的專屬DJ,最後在這裏説下DJ Deckstream早期的藝名叫做Monorisick,所以那會不知道他也不奇怪 DJ Deckstream作爲Hyde Out Production當時的專屬DJ,當然也有所表現,他參與的作品是九九年的時候,Funk Dl發布的那首《Peoples Don't Stray》,擔任歌曲中的Scratches,熟悉Nujabes的估計會覺得歌名多少有些眼熟,因爲這首歌曲收錄在零三年那張《First Collection: Hydeout Productions》專輯裡,DJ Deckstream在這張專輯中大展伸手,除了負責三首歌曲的Scratches外,還包辦了兩手歌曲的製作跟一首Remix,看到這裏對于DJ Deckstream不是特別瞭解的朋友也漸漸有些眉目了吧 本張專輯叫做《Sweet 90's Blues Remix》,顧名思義,當然是混了九十年代那些歌曲,讓我們來看看都是從那些藝人當中選出來的吧,有Nine,Nas,Mobb Deep,Bahamadia,INI,Das Efx,Kool G Rap,Common,Pitch Black,Camp Lo以及The Beatnuts,出自這些個人或者團體經典的歌曲都足够讓你有興趣去聽聽由DJ Deckstream之手重新混過后味道,也對比之間的不同,我想其實也有不少忠于原作品的朋友會覺得還是原汁原味听起來更貼切更舒服,新的東西只會搞瞎那些經典,當然每個人欣賞角度都是不樣的,有人喜歡也會有人討厭,所以要不要听這張專輯還是要看個人的想法,不過從這裏看出,我個人覺得在日本HipHop圈裡的DJ Deckstream,也是出于個人對HipHop的喜愛以及對那些經典歌曲的懷念迷戀與尊重,所重新混音,來以全新的方式再次讓人記得那些藝人那些曾經的經典,再次可以通過這種作品去回味那些當年的聲音,但也有可能是唱片公司考慮到經濟利益所迎合目前市場而産生的想法也說不定 那下面就本著這張《Sweet 90's Blues Remix》專輯而說說感受,因爲只是Remix,歌詞是不會改變的,所以只能簡單的説説全新的歌曲風格與老式味道之間的不同 第一首《Make Or Take》出自Nine在九六年發行的那張《Cloud 9》,原版中是由Rob Lewis製作的,歌曲以管弦樂器加上重重賦有節奏感的拍子營造出一股冷色調的風格,只是在管弦樂器搭配下少了特有的陰冷感,這位名叫Nine的饒舌歌手,他來自New York City最北邊的布朗克斯區,初聽他的嗓音可能會誤認爲是Dmx,只是他沒有Dmx那種覶吼式的風格,反而跟著拍子賦有律動的押韵著,與原版相比,DJ Deckstream加入了鋼琴,電子琴等較爲新鮮的元素,開頭的鋼琴介入讓原本Hardcore風格披上了一層爵士的味道外衣,Nine的Flow在這裏也沒了原來那種緩慢沉重而密實的感覺,反而被加入全新的管弦樂器味道帶動的顯示出急促與澎湃 第二首《3 Tha Hard Way》出自Bahamadia在九六年發行的那張《Kollage》,原版中是由DJ Premier製作的,歌曲中沉重陰冷的拍子加入時而響起的Scratches(搓碟),就搭建了這首歌曲的根基,熟悉DJ Premier的朋友都清楚,他不會加入過多元素讓自己歌曲劃上華麗的等號,只靠著那强勁的旋律搭配賦有力量的鼓點就能製作出讓人贊嘆不絕的好Beat,而來自美國東南部Philadelphia的Bahamadia,更是女饒舌歌手中的佼佼者,這全是在于她充滿思想性的歌詞與熟練的說唱技巧,而在這首《3 Tha Hard Way》下,Bahamadia仿佛故意配合DJ Premier的製作一樣,聲音略顯低沉,進行著時而安靜時而凶悍的表演,DJ Deckstream除了與DJ Premier有著相同性質卻處理不同的Scratches之外,在歌曲中加入不少靈動的鋼琴,讓原來本應該沉重陰冷的風格消失了,換來的是以鋼琴爲主旋律的歌曲,撇去歌詞不談,DJ Deckstream製作的歌曲透出一股淡淡的哀傷,我想這或許是加入鋼琴的緣故吧 第三首《Fakin Jax》出自InI在九六年發行的那張《Center Of Attention》,原版中是由Pete Rock擔任製作的,這位從小就迷戀靈魂樂與放克樂的製作人,一定會在自己以後的作品中滲透這些元素,而本首歌曲《Fakin Jax》,Pete Rock配用上老式的拍子,讓人利馬回到了九十年代初期的感覺,在配上靈巧的曲子,使得歌曲有了不樣的味道,DJ Deckstream的改變加入了大量的爵士元素,讓原本一首有著老式節拍風格的歌曲轉換成了爵士說唱 第四首《Real HipHop》出自Das EFX在九五年發行的那張《Hold It Down》,原版中依然是出自DJ Premier之手,本首歌曲除了運用了DJ Premier標志性的那個有力的鼓點之外,還特地搭配上弦樂器進行演奏,讓歌曲顯的更具有節奏上的層次感,DJ Deckstream雖然也用上强而有力的鼓點,但布局的十分分散,讓本首歌曲充滿了Soulful式的風格,而管弦樂器則自覺的擔任了配角一職 第五首《Fast Life》出自Kool G Rap在九五年發行的那張《4, 5, 6》,原版中是由Buckwild擔任製作,當歌曲響起的一瞬間,就算不知道出自那位藝人的作品,也可以聽出它是來自東海岸的聲音,歌曲充滿了輕鬆的味道,使得听起來全身透著一股輕盈感,DJ Deckstream再次啓動他那充滿Soulful式的風格,又一次上演了九十年代中期的"异變" 第六首《Shook Ones Part II》出自Mobb Deep在九五年發行的那張《The Infamous》,原版中如果沒有記錯應該是由Havoc與Prodigy一起完成的,這首歌曲也是Eminem在出演電影《8 Mile》中,最後在舞臺上Battle中所用的Beat,《Shook Ones Part II》本首歌曲,沒有像Dmx般的式的大喊大叫,也沒有吵雜激烈的金屬踫擊,有的只是低沉的鼓點與陰冷的鋼琴點綴,使得整首歌曲都充滿了Hardcore最標準的氣息與氛圍,DJ Deckstream的Remix則使得整首歌曲顯的急促,鼓點與鋼琴都快了一拍,仿佛在給大家的聽覺上營造出一股股的緊張感 第七首《Show & Prove》出自Pitch Black發行的那張《Show & Prove》同名黑膠,原版中是由D.I.T.C.(Diggin In The Crates)的Lord Finesse擔任製作,歌曲中低沉的鼓點來構造歌曲的骨架,加入了鋼琴來貫穿全局,而DJ Deckstream的出現,則是歌曲形成巨大反差,再也沒有了陰冷,多出來的只有類似電音般的味道,麻麻的震動著耳膜 第八首《Life's A Bitch》出自Nas在九四年發行的那張《Illmatic》,原版中由L.E.S.製作,整首歌曲充滿了東海岸的氣息,輕鬆悠揚的Beat,鼓點輕巧且有節奏的跟隨著,告訴你來自QB(Queens Bridge)的Nas帶給你不只是那充滿Hardcore的强硬,而最後結尾處Olu Dara(Nas的父親)那段獨奏爵士味道的小號也讓人拍案叫絕,DJ Deckstream改觀了這種現狀,他加重了鼓點,并融入鋼琴,讓它進行靈巧的彈奏,使得成爲本首歌曲的主綫,而最後也沒有了那段小號Solo 第九首《Luchini aka This Is It》出自Camp Lo在九七年發行的那張《Uptown Saturday Night》,原版中由Ski擔任製作,Ski在歌曲中營造起輕鬆的氛圍,管弦樂器搭配輕巧的鼓點,奏樂出一股股爵士的味道,DJ Deckstream的出現則是更好的把Ski的風格繼續延續下去,尤其在開頭你會以爲真的回到了老式的爵士音樂中,只是DJ Deckstream靠著時而響起的Scratches與慷慨激昂的伴奏,以及躁動的鼓點來告訴聽衆,這是DJ Deckstream式的音樂風格,這是DJ Deckstream營造出全新的《Luchini aka This Is It》 第十首《Props Over Here》出自The Beatnuts在九四年發行的那張同名《The Beatnuts》,原版中是Troy Hightower來負責歌曲的製作部分,歌曲依舊是賦有律動的拍子搭配弦樂器,來試圖營造著輕鬆悠揚的氣氛與模式,DJ Deckstream的插入,進行了完全的包裝,對比之下,你再也找到那些以往的任何元素,唯一聽到的就是高亢的旋律,興奮且有力跳躍的鼓點,如果你還不理解Soulful本身的含義或者歌曲的定義,那麽這首歌曲就是最好的解釋與證明 第十一首《I Used To Love H.E.R》出自Common在九四年發行的那張《Resurrection》,原版中由No I.D.擔當歌曲製作,歌曲依舊是不能少去的最基礎的鼓點,鼓點作爲歌曲中的一角,負責的把自己的事物完成,它不輕也不重且有規律的進行Loop著,而開頭的弦樂與時而響起的鋼琴,成爲最好的綠葉,安分展示著屬于自己的美,主旋律緩慢的鋪展開來,讓人听起《I Used To Love H.E.R》也不會覺得煩躁,而是像朋友與朋友之間的相互吐露心事一般,安靜的傾聽Common的訴說,靜靜的欣賞一遍又一遍,多久也不會膩,DJ Deckstream改寫了劇本,他加重了鼓點,而且把鋼琴提拔成主角,成爲貫穿歌曲整體幷且支撑鼓點節拍的支架,而且DJ Deckstream也違背了No I.D.營造那最初安靜的條約,改革成屬于自己風格,賦有强烈節拍的音樂

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